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La música latina le gana la partida al COVID

Al parecer la música latina encontró un antídoto para el COVID-19 y soportó el aislamiento de la pandemia con buen estado de salud.

Según reporte de la Recording Industry Association of America (RIAA), la música latina interpretada predominantemente en español creció por quinto año consecutivo en 2020 en Estados Unidos.

Esa asociación, responsable de la certificación de ventas, indicó que esta corriente tuvo ingresos totales del 19%, lo que es más del doble de la industria musical en general (9.2 %). 

Con un valor minorista estimado en 655 millones de dólares, esta música representa ahora el 5,4% del porcentaje total del mercado.

El RIAA 2020 LATIN Music Revenue Report, muestra que los ingresos por transmisión de esta música crecieron 20%, lo que representa el 96% de los ingresos totales de la música.

Según las cifras de la asocaición el crecimiento de la transmisión para el mercado estadounidense en general fue del 13,4% de los ingresos totales la transmisión representó el 82,9% en 2020. 

Uno de los factores fue el crecimiento de las suscripciones pagadas, con ingresos que aumentaron de 342,2 millones en 2019 a 439 millones de dólares en 2020, para un aumento del 28,3%. 

Música latina, la de mayor crecimiento

Las suscripciones pagas ahora representan el 20% de los ingresos por música lagina. 

En tanto, la transmisión a pedido o con publicidad aumentó 6.2% y pasó de 120.8 millones de dólares en 2019 a 128.3 millones en 2020.

Ello representa el 20% de los ingresos totales (en comparación con el 12% de los ingresos del mercado en su conjunto).

Al mismo tiempo la música latina representa el 15% de los premios Oro y Platino de la RIAA.

Sobre ello la directora de operaciones de la RIAA, Michelle Ballantyne atribuyó lo resultados, pese a la pandemia, a la innovación de los sellos de nuevos modelos de transmisión.

Según Nielsen Music, y Spotify, la música latina fue el género de más rápido crecimiento en Estados Unidos en 2020.

Ahora se ubica en el quinto lugar detrás del hip hop, pop, rock y country. 

En total los ingresos por música grabada en Estados Unidos alcanzaron en 2020 a 12.2 mil millones de dólares en valor minorista estimado. 

Quizás esto explique en alguna medida el auge de artistas que se animan a cantar en español.

Este es el quinto año consecutivo de crecimiento para la industria. Los servicios de suscripción de pago continuaron siendo el principal impulsor de los aumentos.

Música Inside

Hip-hop de Harlem a la publicidad mundial

hip-hop
DjRrocksit (Pixabay)
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El hip-hop gana espacio en la publicidad mundial y destrona al pop y rock como géneros más utilizados en el período de la pandemia.

Desde que el hip-hop surgió en el Bronx y Harlem, en Nueva York, en la década de 1970 del seno de los afroamericanos este ritmo ganó reputación social principalmente.

Este estilo musical y de vida fue desde el mismo inicio adoptado por los más jóvenes. Se asentó como una subcultura basada en cuanto al afán musical en una manera rítmica de cantar hablando.

Por ejemplo el breaking, un estilo emparentado con la danza informal y la gimnasia malabaristas unido con el graffiti con sus  murales espectaculares populares hicieron época.

Pese a su nacimiento realmente humilde y de cierta manera en la violencia, el hip-hop está saltando barreras inesperadas.

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La revista Forbes, especializada en el mundo de los negocios y las finanzas, aseguró que ese género es una gran oportunidad para la promoción.

El descubrimiento es visual y apoyado por las estadísticas. De acuerdo con Forbes durante el cuarto trimestre de 2020 el hip-hop fue el género musical más visto en YouTube.

Según anunció YouTube -la red más destacada para compartir videos y clips- el hip-hop es el de más rápido crecimiento de los principales géneros musicales. Detrás van el pop y el rock.

El fenómeno no es nuevo y descansa en las características de subcultura muy diversa y popular de esta conducta humana.

Una investigación en 2017 demostró que entonces ya el Hip-Hop había superado a la música rock como el género musical más dominante en Estados Unidos.

En ese momento fue la inspiración y respaldo musical de los 10 álbumes más consumidos en el mercado con un crecimiento del 72% en pedidos a YouTube.

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Hip-Hop inteligente

La explicación, según un experto entrevistado por Forbes, es que “el hip-hop se está volviendo más inteligente para los servicios de transmisión y los medios de comunicación principales, está madurando».

El director de música y cultura negra de YouTube, Tuma Basa, afirmó además que “la generación más joven en esa red son nativos digitales y la generación de monetización. Descubrieron cómo monetizar su música y habrá un efecto acumulativo».

Basa agregó que el hip-hop es un importante impulsor de la cultura y que la cultura está creciendo en YouTube.

Algunos especialistas han relacionado el fenómeno con la pandemia mundial y con el mayor número de personas conectadas desde sus casas.

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Los anunciantes aprovechan en este caso tal auge que logra obtener la atención de la televisión.

La gran publicidad está aprovechando este ritmo en programas dedicados a los estados de ánimo de los espectadores confinados por la Covid-19.

Un fenómeno paralelo que no ha escapado a Forbes es que tal corriente apoya a los artistas y creadores afroamericanos dedicados al hip hop.

Siguiendo la situación en 2021 YouTube ya lanzó un proyecto llamado #YouTubeBlack, Voices. Ese plan constituye un compromiso global de varios años para favorecer a los creadores y artistas negros en esa plataforma.

Están ya involucrados artistas como Rexx Life Raj, Myke Towers, Sho Madjozi y Tkay Maidza de Black Voices Class de 2021.

Música Inside

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Música creada por inteligencia artificial estilo Nirvana

A 27 años de la muerte de Kurt Cobain, en 2021, fue lanzada «Drowned in the Sun», una canción creada por Inteligencia Artificial al estilo de Nirvana.

Los nostálgicos de Nirvana tienen algo nuevo para escuchar 27 años desùés de la muerte de Kurt Cobain: «Drowned in the Sun», una canción creada por inteligencia artificial con los patrones musicales de Nirvana.

La canción fue difundida el 5 de abril de 2021 por el proyecto Lost Tapes of the 27 Club, al cumplirse 27 años de la muerte de del cantante y guitarrista Kurt Cobain.

Antes de entrar en la discusión de si es un recurso válido o no debemos saber que la iniciativa apoya una buena causa.

El proyecto pertenece a Over the Bridge, una organización de ayuda a los músicos que luchan contra enfermedades mentales. Según sus estudios 68% de los músicos han experimentado incidentes de depresión.

Con este mismo método crearon ya canciones que intentan acercarse a lo que estarían haciendo músicos desaparecidos a los 27 años de edad. La lista incluye artistas como Amy Winehouse, Jim Morrison y Jimi Hendrix, entre otros.

Igualmente Duran Duran utilizó la inteligencia artificial llamada Huxley para «dirigir» el video de su canción «Invisible» que sirvió para anunciar el lanzamiento de su álbum «Future Past».

En el caso de Nirvana el proceso de creación comenzó con el análisis de unas 30 canciones de Cobain mediante el programa Magenta de Google.

A continuación puedes escuchar la canción:

Nirvana – Drowned in the Sun (Music Video HD) – Lost Tapes of the 27 Club

Ahogado por el sol

Magenta es un proyecto de investigación de código abierto que explora el aprendizaje automático como herramienta en el proceso creativo.

El programa identifica los patrones de las melodías vocales, acordes, riffs, solos de guitarra, batería y letras.

Las canciones son grabadas en archivos MIDI y luego transportadas a un código digital que permite la inclusión de un sintetizador. 

El resultado en este caso es “Drowned in the Sun” (Ahogado en el sol. Realmente es una canción que suena realmente como Cobain, quien según todo indica se suicidó en un estado depresivo agravado por el uso de drogas.

La voz corresponde a Eric Hogan, cantante de Nevermind, una banda tributo a Nirvana de Atlanta. La música es creada por inteligencia artificial, aseguran los creadores.

Según la opinión de hogan la canción tiene el mismo tipo de vibra de las creadas por Cobain.


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Los éxitos y el destino de Peter Frampton

Peter Frampton, cofundador de unos de los primeros supergrupos de la historia del rock, Humble Pie, sabe que todo en la vida puede tener un reinicio.

Hoy cuenta sus posibilidades de retornar a los escenarios, aún en la cúspide. 

Su nuevo álbum, Frampton Forgets the Words, tiene fecha de lanzamiento el 23 de abril de 2021.

El título será una nueva lanza con la cual el músico enfrentará su última batalla.

“Si no vuelven pronto los conciertos todo se acabó para mí” comentó el guitarrista ganador del Grammy, nacido en 1950 en Beckenham, Kent, Gran Bretaña en referencia a una miosotis autoinmune que padece.

Si su lanza de caballero andante de la música sirve, tal vez ayude a vencer una enfermedad que sufre y a combatir  la pandemia mundial que suprime los escenarios multitudinarios.

La nueva hazaña del llamado héroe de la guitarra multiplatino sería enfrentar los obstáculos más perentorios que le impiden ejecutar su guitarra en el único solitario lugar donde mira cara a cara a su público. El escenario.

El reloj de Peter Frampton

Solo los nuevos conciertos que le esperen  podrían ayudarlo a conjurar su enfermedad que inflama los músculos, los debilita y finalmente los atrofia.

Pero «todos tenemos un reloj» dijo en una entrevista con Grammy.com

En su caso «el primero es nuestro reloj vital y el segundo es el de la COVID», dijo. 

Hace un tiempo surgió un tercer medidor de su tiempo personal  con un golpe letal anticipado para  las habilidades de un gran guitarrista.

De cierta manera este es otro reto para Frampton. Es otro inicio como el que logró hace 46 años con su legendario ‘Frampton Comes Alive!’.

Ese disco resultó uno de los mejor vendidos de todos los tiempos, con 17 millones de copias en todo el mundo.

El álbum de hoy  Frampton Forgets the Words, es un amplio tributo a los más grandes éxitos en la vida artística de este artista inglés.

Los expertos lo señalan como una secuela del álbum instrumental de 2007, Fingerprints, ganador del premio Grammy de Frampton.

Los tiempos sin embargo no son los mismos para el músico de 71 años de edad.

Frampton Forgets the Words

«Es el tiempo con el cual tengo que lidiar. Si no puedo tocar ciertas cosas como yo quiero no quiero convertirme en la típica persona que sale de gira y la gente le compadece.», afirmó.

«Si me compadecen no quiero que vayan a verme porque, aunque ya no toco igual de bien soy Peter Frampton. Eso no va a pasar», prometió.

Al decir lo anterior seguramente recordó su colaboración  con George Harrison, Harry Nilsson, David Bowie, Jerry Lee Lewis, Ringo Starr, John Entwistle, y Mike McCready entre otros.

Frampton Forgets the Words, instrumental,  tiene una decena de canciones de leyenda entre estas Loving The Alien, de Bowie, y Are You Gonna Go My Way, de Lenny Kravitz.

Cuando en 1976 Frampton colaboró con Frankie Valli en el tema principal de la película Grease su carrera era más veloz que nunca en su ascenso.

Así ocurrió una y otra vez en décadas de triunfos.

Hoy aún cree en un reinicio. Pero está preparado para lo que pueda venir.

«Si me marcho habiendo tocado mi último show cerca de San Francisco el 12 de octubre de 2019, si ese es mi último show, entonces que así sea» dijo a Grammy.com.

Sin embargo, obviamente, estoy esperando más que nadie que, dentro de un año o incluso este,  vuelvan los conciertos”.

No ignoró otra posibilidad: «Si las cosas no van bien, se acabó para mí».

Música Inside / Foto: de la portada de I´m in You

Billy Gibbons (ZZ Top) lleva «Hardware» al desierto

Billy Gibbons (ZZ Top) lanza su álbum «Hardware», el tercero en solitario, grabado en el desierto de California con mucho rock.

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“Hardware” es el tercer álbum en solitario del guitarrista de ZZ Top Billy Gibbons.

El título del disco (Concord Records), con fecha de lanzamiento 4 de junio de 2021, es un homenaje a Joe Hardy, ingeniero de sonido de ZZ Top que murió en 2019.

Apoyan a Gibbons en estas grabaciones el guitarrista Austin Hanks y Matt Sorum, ex baterista de Guns N ’Roses.

Se trata de la misma banda que le respaldó en “The Big Bad Blues” de 2018, su anterior disco en solitario.

Este álbum fue producido por Gibbons, Matt Sorum y Mike Fiorentino, con producción adicional de Chad Shlosser. 

Hardware fue grabado en Escape Studio cerca de Palm Springs, California. El primer video dado a conocer, «West Coast Junkie», fue filmado en el desierto de California, cerca del Parque Nacional Joshua Tree.

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Billy Gibbons y el sonido del desierto

En un comunicado Gibbons explicó como fue el proceso de grabación del disco:

Nos refugiamos en el desierto durante unas semanas en el calor del verano y eso en sí mismo fue bastante intenso.

Para desahogarnos, simplemente ‘dejamos que se mueva’, y de eso se trata realmente “Hardware”. 

En su mayor parte, es un disco rockero furioso, pero siempre consciente del misterio implícito del desierto».

De modo que desde el punto de vista del sonido, la grabación de “Hardware” recibió del desierto una gran influencia para su grabación.

Según su criterio, los escenarios desérticos, arenas movedizas, cactus y serpientes de cascabel dieron el telón de fondo y un elemento intrigante a los sonidos.

Ello significa que el disco incorpora elementos de hard rock, neo-metal, country rock, new wave, blues e incluso música de surf.

Todo esto hace que “Hardware” sea un álbum difícil de clasificar para quienes gustan ponerle etiquetas a la música, algo cada vez más complicado.

Entre los invitados está Larkin Poe, quien aparece en “Stackin ‘Bones”. Anteriormente Gibbons grabó en solitario los álbumes «Perfectamundo» y  «The Big Bad Blues».

Tracklist de «Hardware»:

  • 1. My Lucky Card
  • 2. She’s On Fire
  • 3. More-More-More
  • 4. Shuffle, Step & Slide
  • 5. Vagabond Man
  • 6. Spanish Fly
  • 7. West Coast Junkie
  • 8. Stackin’ Bones (con Larkin Poe)
  • 9. I Was A Highway
  • 10. S-G-L-M-B-B-R
  • 11. Hey Baby, Que Paso
  • 12. Desert High

El álbum contiene 10 canciones originales Gibbons-Sorum-Fiorentino-Shlosser y una versión de de “Hey Baby”, Que Pasó” de The Texas Tornados.

Música Inside

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Regreso a los 60s con The Redcoats

A cada generación la música que le tocó le parece lo mejor, pero realmente aquella época prodigiosa dejó bandas fabulosas. Incluyendo a los casi desconocidos The Redcoats.

El grupo, que mereció mejor reconocimiento, fue formado en New Jersey en 1964.

Esta banda al parecer tuvo un buen impacto regional, pero luego fue olvidada hasta el 2001. Ese año se editó su primer y único álbum: “Meet The Redcoats”, aunque antes el grupo había puesto en circulación 1 o 2 sencillos.

¿Por casualidad el título les recuerda algo así como “Meet The Beatles”?. Pues eso no es nada.

Cuando escuchan sus canciones les parecerá por momentos que están escuchando a los mismísimos chicos de Liverpool.

Otra influencia demasiado visible es de los Herman Hermits y la peculiar voz de Peter Noone.

Meet The Redcoats, una rareza para disfrutar

Quizás tanto parecido, aunque hacían canciones propias, fue una de las causas de su poco éxito comercial. Algunos culpan también a malas decisiones gerenciales.

Cando escuchen su “The Dum dum Song” seguramente recordarán a The Herman Hermits. Incluso se dice que ese parecido fue una solicitud específica de los productores de la canción.

“Opportunity”, otra bonita pieza nos llega como una inspiración demasiado cercana a Penny Lane y “Man” recuerda mucho a “Taxman”.

La mayoría de las canciones de “Meet The Redcoats” fueron grabadas entre 1965 y 1967 y escritas por John Spirt, el baterista y líder del grupo.

Además de Spirt integraron la banda Zach Bocelle (voz principal y guitarra rítmica), Randy Bocelle (bajo) y Mike Burke (guitarra principal y voz).

En 2021 el productor Steven Rappaport -quien había trabajado con la banda- encontró las cintas del grupo, las restauró (después de limpiarle el polvo) y lanzó el disco en abril de ese año. El resultado es el “Meet The Redcoats”.

La disquera responsable fue Dionysus Records, cuyo logo contribuye a la similitud con el Meet The Beatles, colocado en el mismo lugar del de Capitol, como se aprecia en la foto de esta nota.

Se trata en esencia de una rareza discográfica (se puede adquirir en Amazon y otros servicios en línea) que disfrutarán muchos nostálgicos de aquellos tiempos y también los amantes incondicionales de la música y de su historia.

También reafirma algo ya dicho: The Redcoats merecieron un mejor lugar en la música de la época.

Música Inside

Alice Cooper se pierde en el Detroit de Furnier

Si algo hay de peculiar en Alice Cooper es que adoptó su nombre del grupo que integró como vocalista y porque su álbum «Detroit Stories» está en la lista Top 5 del mundo.

Cooper, cuyo nombre fue Vincent Damon Furnier cuando recorría en su infancia Detroit,  es Cooper ahora.

Especialmente creativo, es considerado uno de los intérpretes estadounidenses más novedosos de  hard rock y heavy metal.

Ahora en 2021 él está repitiendo el éxito en las listas máximas de varios países con “Detroit Stories” como lo hizo con el álbum “Billion Dollar Babies” de 1973.

Aquel disco impresionó a muchos críticos por la interpretación teatral en el escenario durante los conciertos.

Cooper sabe cómo  usar maquillajes de aspecto siniestro condimentados con  letras provocativas y presentaciones dignas de obras de teatro.

  Ciertas líneas fundamentales de “Billion Dollar Babies” son aún visibles en «Detroit Stories».

Este último disco fue lanzado el 26 de febrero de 2021 y desde entonces el estadounidense de 73 años de edad entró en las listas Top 5  y Top 10 de una decena de  países, entre estos Estados Unidos, Alemania, Escocia, Australia, Austria y el Reino Unido.

La hora divertida de Alice Cooper

El éxito ha sido tan alto y extenso que asombró al propio Cooper, especialmente porque se habla de una ciudad casi olvidada como Detroit como cuna de rock duro y alucinante.

«Después de hacer 28 álbumes, es realmente asombroso tener un álbum que se haya posicionado tan alto», comentó en una entrevista con Rolling Stone.

Confesó que «Pensé que era hora de un divertido álbum de rock n roll en estos tiempos oscuros, y aparentemente los fans estuvieron de acuerdo».

Una ayuda ha sido la organización óptima del verdadero espectáculo que resulta «Detroit Stories».

A su pintoresca sonoridad contribuyen Wayne Kramer de MC5, el baterista de Detroit Wheels Johnny ‘Bee’ Badanjek y el bajista Paul Randolph.

Con una canción suya que tituló «Social Debris» (Escombros sociales) rinde homenaje a su estilo. La pieza fue un buen éxito en tiempos de su antiguo grupo.

«Parte del atractivo perdurable de Alice Cooper ha sido el hecho de que, a diferencia de muchos de sus compañeros de radio FM de los años setenta, siempre rechazó la noción de que el rock & roll debería ser arte serio», según una crónica.

Con su nuevo álbum todo parece indicar que aún no lo acepta. Furnier mezcla su infancia con la adultez de Cooper y trata de encontrar otro rumbo quizá en búsqueda de la madurez.

Música Inside

Alice Cooper «Detroit City 2020» (Official Lyric Video)

La música común de Bob Dylan y George Harrison

Bob Dylan y George Harrison se unieron de nuevo artísticamente en la caja conmemorativa 50th Anniversary Collection lanzada por Sony Music.

Por separado y sin mucho análisis Bob Dylan y George Harrison podrían ser descritos como huraño (Dylan) y como tímido (Harrison).

Separados y juntos tienen que ser clasificados como genios musicales.

Es historia que entre ambos surgió una amistad personal que creció en el jardín artístico universal con las notas musicales como semillas hasta la muerte de Harrison.

Más allá de lo inevitable, características de ambos e historias compartidas hacen de la colección del 50 aniversario de Bob Dylan 1970 algo único.

Esa compilación contiene todas las pistas en las cuales «trabajaron juntos».

Se dice que el lanzamiento de la caja 50th Anniversary Collection por Sony Music en diciembre de 2020 fue retener los derechos de Dylan sobre las 74 grabaciones que contiene.

Pero su éxito comercial se debe mayormente a la inclusión de pistas grabadas por Dylan-Harrison, hasta ese momento inéditas.

El sorprendente Premio Nobel nacido en Minnesota y el ex Beatle de Liverpool se encontraron así en el camino artístico.

Bob Dylan y George Harrison, 1 de mayo de 1970

Para dejar pruebas en ese encuentro en el camino muy individual de ambos ejecutan juntos «One Too Many Mornings», «Gates of Eden», «Mama, You Been On My Mind».

Así cuando el ex Beatle murió el 29 de noviembre de 2001 ya era parte de la leyenda Dylan y viceversa.

El álbum del 50 aniversario de Dylan no margina, sino que se nutre de la capacidad de ser espontáneo, virtud de los genios.

Y la une sin imperfecciones a la de Harrison que guardó muchas de sus canciones para sí tras la ruptura de The Beatles.

La colección contiene tres discos con grabaciones de estudio que incluye la sesión completa con George Harrison del 1 de mayo de 1970.

Ese día queda Dylan para la posteridad con su voz, guitarra, piano y armónica y  Harrison que  vocaliza y hace llorar su guitarra en el Disc 1, Tracks 20 & 24 y Disco 2, Tracks 2-3, 6-7, 10-11, & 16.

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El contenido es de antología:

Disco 1
  • 1. Sign on the Window – Take 2
  • 2. Sign on the Window – Takes 3-5
  • 3. If Not for You – Take 1
  • 4. Time Passes Slowly – Rehearsal
  • 5. If Not for You – Take 2
  • 6. If Not for You – Take 3
  • 7. Song to Woody – Take 1
  • 8. Mama, You Been on My Mind – Take 1
  • 9. Yesterday – Take 1
Disco 2
  • 1. Just Like Tom Thumb’s Blues – Take 1
  • 2. Medley: I Met Him on a Sunday (Ronde-Ronde)/Da Doo Ron Ron – Take 1
  • 3. One Too Many Mornings – Take 1
  • 4. Ghost Riders in the Sky – Take 1
  • 5. Cupid – Take 1
  • 6. All I Have to Do Is Dream – Take 1
  • 7. Gates of Eden – Take 1
  • 8. I Threw It All Away – Take 1
  • 9. I Don’t Believe You (She Acts Like We Never Have Met) – Take 1
  • 10. Matchbox – Take 1
  • 11. Your True Love – Take 1
  • 12. Telephone Wire – Take 1
  • 13. Fishing Blues – Take 1
  • 14. Honey, Just Allow Me One More Chance – Take 1
  • 15. Rainy Day Women #12 & 35 – Take 1
  • 16. It Ain’t Me Babe
Disco 3
  • 1. If Not for You
  • 2. Sign on the Window – Take 1
  • 3. Sign on the Window – Take 2
  • 4. Sign on the Window – Take 3
  • Todas las canciones fueron escritas por Bob Dylan. 

Música Inside

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Van Morrison, el León de Belfast, alegra la pandemia

Latest Record Project, el álbum número 42 de Van Morrison en el cual probó nuevas ideas y sonoridades en el piano, guitarra y saxofón durante el confinamiento por la pandemia.

Van Morrison, conocido como El León de Belfast por su música quizá única y su rebeldía confusa lanzó el 7 de mayo de 2021 un álbum que lo devuelve a su jungla personal.

Nació en Belfast, Irlanda del Norte, el 31 de agosto de 1945 como George Ivan Morrison. Ahora él es un artista bien considerado como legendario.

Tal título nada nobiliario y sí muy profesional, difícil de alcanzar en Europa y en cualquier otra parte, lo reconoce como creador indiscutible de una innovadora fusión de géneros musicales.

Su música mezcla con éxito el llamado R&B, el jazz, el blues y la música tradicional irlandesa.

Morrison, que gusta de ser considerado “rebelde con causa” lanzó canciones que calificó de “anti bloqueo” para rechazar las restricciones por la pandemia de COVID-19.

Este veterano artista -un revoltoso súbdito de Irlanda del Norte uno de los cuatro países que forman el Reino Unido- tituló su álbum Latest Record Project (Último proyecto discográfico).

Este, su álbum número 42 fue concebido como doble CD y triple vinilo con el sello Exile de BMG.

Morrison confesó a la prensa de su país que se sentía realmente confinado en su casa por la pandemia y decidió ocupar su tiempo escribiendo nuevas canciones.

Probó nuevas ideas y sonoridades en el piano, guitarra o el saxofón. Una crónica sobre su nueva aventura lo describió con gran cantidad de material nuevo, que brilla con franqueza y vitalidad.

Van Morrison, El León de Belfast

El león de Belfast ha obtenido excelentes críticas desde que debutó en 1950

Entonces era un saxofonista con el grupo The Monarchs antes de formar su propia banda llamada Them.

Escribió y grabó con Them en 1965 la extraordinaria canción “Gloria”, una de las llaves al estrellato de The Doors, The Shadows of Knight y Patti Smith. ​

Tras evasivas del éxito y un largo período de formación que allanó su camino a los grandes escenarios firmó un contrato con Warner Bros. Records, en 1968.

“Ningún hombre blanco canta como Van Morrison” es quizá el elogio más famoso que obtuvo el norirlandés en su carrera.

Lo inventó el periodista de Belfast Greil Marcus quien quedó maravillado con su estilo.

Morrison es prolífico sin cambiar su perfil un tanto demonizado por la música pop magnífica que lo rodeó siempre . Compuso decenas de obras de suprema calidad, distintas, durante su larga.

A él se le presiente además como agudo crítico de la vida misma parapetado tras una dinámica agilidad mental y con muy pocos lugares comunes.

Lo muestran sus nuevos títulos y composiciones de Latest Record Project.

En ellos quizá algunos puedan percibir la silueta del león en su jungla musical.

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Disco 1

  • 1. Latest Record Project
  • 2. Where Have All the Rebels Gone? /¿A dónde se han ido todos los rebeldes?
  • 3. Psychoanalysts’ Ball / Baile de psicoanalistas
  • 4. No Good Deed Goes Unpunished / Ninguna buena acción queda sin castigo
  • 5. Tried to Do the Right Thing / Intenté hacer lo correcto
  • 6. The Long Con / La gran estafa
  • 7. Thank God for the Blues / Gracias a dios por el blues
  • 8. Big Lie / Gran mentira
  • 9. A Few Bars Early / Unos cuantos bares antes

DISC: 2

  • 1. It Hurts Me Too / También me duele
  • 2. Only a Song / Solo una canción
  • 3. Diabolic Pressure / Presión diabólica
  • 4. Saturday Night Deadbeat / Pereza de sábado por la noche
  • 5. Blue Funk / Blue Funk
  • 6. Double Agent / Agente doble
  • 7. Double Bind / Doble vínculo
  • 8. Love Should Come With A Warning / El amor debe llegar con una advertencia
  • 9. Breaking The Spell/  Rompiendo el hechizo
  • 10. Up County Down 
  • El tercer disco aparece como un final mezclado.
  • 1. Duper’s Delight Delicia de Duper
  • 2. My Time After a While 
  • 3. He’s Not the Kingpin 
  • 4. Mistaken Identity 
  • 5. Stop Bitching, Do Something 
  • 6. Western Man
  • 7. They Own the Media 
  • 8. Why Are You on Facebook? 
  • 9. Jealousy 

Música Inside

La trágica Billie Holiday regresa al cine

Trailer Oficial / Hulu

La turbulenta vida de Billie Holiday no le impidió convertirse en una de las cantantes más talentosas que se conocen. Ahora está cine.

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Probablemente afirmar que Billie Holiday «aún vive» sea una frase oportunista. Pero ¿qué decir cuando esa frase a veces utilitaria y falsa refleja una verdad palpable?.

Es el caso de Holiday que vivió apenas 44 años al morir el 17 de julio  de 1959. Pero aún sus canciones vibran en los escenarios y en la historia.

En 2021 el cine la devolvió a su vida, que fue de una franqueza hiriente, aunque tuviera una sutilidad humana superior por la música que la acompañó.

Como debe ser, uno de los mayores atributos del filme es su banda sonora, que obtuvo una nominación al Grammy 2022 en la categoróa de Best Compilation Soundtrack for Visual Media.

La música es el primer plano cinematográfico de Eleanora Fagan Gough, la inolvidable Billie. Una simple mujer de piel negra que dibujaba con su voz un jazz y swing intensos, contundentes y distintos.

«Lady Day», como la llamaron, fue considerada una innovadora en la música jazz y el canto pop.  Pero esas son declaraciones exhaustas.

Manejaba el fraseo y el tempo a su modo, a su voluntad. Improvisaba con la eficiencia de alguien perdido en la jungla de la vida y que siempre cuando cantaba corría al encuentro de  sí misma.

Ella fue una pieza trágica y vencedora.

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The United States vs Billie Holiday

Lo demuestran sus metas imposibles obstaculizadas quizá  por las drogas sino impulsadas especialmente por el color de su piel.

El nuevo filme se llama  «The United States vs. Billie Holiday» un título legible en muchos idiomas y que duele aún.

Cuenta el director del filme Lee Daniels que estaba en plena edición cuando estalló el conflicto en torno a la muerte de George Floyd por policías en 2020.

«La gente me enviaba videos con protestas de personas cantando ‘Strange Fruit’ en medio de la calle. Fue loco», confesó.

Strange Fruit o Fruta rara cantada por Holiday  golpeó los escenarios y las calles en  1939. Es aún mundialmente famosa.

La hizo  Abel Meeropol, que con esa herramienta artística  fue en contra de los trágicos linchamientos en el  sur estadounidense.

La canción fue y suele ser aún un estandarte para los movimientos antirracistas  por los derechos civiles.

«Estados Unidos contra Billie Holiday» lleva ese antecedente al que agrega la magia del cine, con su capacidad de mostrar la historia como si fuera presente.

De esta manera Holiday demuestra que es un ícono musical y también histórico.

La cantante Andra Day quien la interpreta en el filme dijo a la revista Rolling Stone que a Billie  «realmente la convirtieron en una trágica drogadicta que cantaba jazz».

Tal definición se esfumó bajo su grandeza.

Esta es la primera película  biográfica de Billie Holiday desde que salió al mundo en la década de los años 70 Lady Sings the Blues, interpretada por Diana Ross.

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Strange Fruit, una vida rara

La obra de Daniels toca la intimidad de la cantante, husmea en su relación sexual.

No es ese  el punto relevante de su libertad personal. A Holiday se le recuerda en medio de su libertad amenazada y en la igualdad que consiguió. Aunque le costara de alguna manera la vida.

La paradoja de la jazzista negra es que logró ser una artista aplaudida hasta el delirio siempre  amenazada.

Una narración perfectamente creíble es que el  FBI preocupado por  «Strange Fruit» -que estimó incendiaria- asignó a un agente negro  a rastrear para arrestarla.

Este personaje, llamado Jimmy Fletcher, es interpretado por Trevante Rhodes.

La película apuesta por la paradoja cuando Holiday y Fletcher se convierten en amantes.

Tras encontrar rechazos que calificó de racistas para filmar su película, Daniels dijo que consiguió financiación independiente del fondo New Slate Venture.

«Strange Fruit», además ha regresado a la actualidad en la voz del rapero Rapsody y elogiada por Bruce Springsteen.

La vida de Holiday parece en efecto una «Fruta rara”.

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Grupo Niche, salsa para bailar y gozar

Grupo Niche – Algo que se quede (Video Oficial)

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El Grupo Niche hizo historia en 2021 al ser la primera agrupación colombiana de salsa que ganó un Grammy.

Al ganar el Grammy 2021 al mejor álbum latino tropical con su disco  “40” el grupo Niche de Colombia hizo historia en las páginas de la cultura afrocolombiana.

Fué la primera agrupación colombiana de salsa de todos los tiempos que ganó el codiciado galardón.

Niche es una banda de 14 integrantes que tiene como ciudad adoptiva Cali, donde creció artísticamente en 1979, tras ser fundada en Bogotá.

Pero más allá de los localismos, representa con excelencia esa cuna musical del mundo que es África mezclada con lo latino.

En el centro de tal fenómeno cultural está brillando el líder de la banda y compositor Jairo Varela quien hilvanó el movido repertorio de Niche.

Niche con el Grammy al baile..  ¿O llevó  el baile al Grammy?

Varela, quien falleció en 2012 y Alexis Lozano, trombonista y arreglista que dejó la agrupación para formar la Orquesta Guayacán, hicieron de la gran agrupación salsera un emporio del baile y la salsa bien cantada.

Cali siente la emoción de ser representadas por estos músicos colombianos negros y construyó un museo con el nombre del grupo.

Pero Niche se expandió por América y el Grammy es un ejemplo de su prestigio internacional.

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Grupo Niche para siempre

La canción habla de los condimentos musicales de los que está formada Colombia como  pasa con todos los países del área y del Caribe.

Al escucharlos usted piensa en Cuba y Benny Moré y Celia Cruz, así como en Johnny Pacheco de República Dominicana, por mencionar algunos.

Así se cuentan como nuestros los negros africanos que aportaron sus semillas por todas partes en el nuevo mundo.

¿Y cómo puede definirse la salsa sin reconocer donde se canta, se baila y se goza? tal como diría cualquier colombiano.

Los expertos más reputados dicen que la salsa es una síntesis del son cubano y otros géneros de música caribeña y estadounidenses como el jazz y el blues.

Es un ritmo enriquecido por gente sencilla como los del grupo Niche colombiano.

Yanila Varela es considerada la responsable del legado del Grupo Niche tras la muerte de su padre.

«No podíamos dejar de lado el sueño de mi padre. Siempre decía: ‘Si alguna vez me ausento, todos deben continuar con esto'», dijo a la revista Billboard al hablar de la integración de sus hermanos en el grupo.

Así se cumple quizá la letra de una copla movida de Algo que se quede, de Niche:

Yo quiero algo que se queda para siempre

algo que solo se da una vez en la vida

quiero dejar la huella de este amor, amor, amor del bueno

si me dejas, te lo pido de rodillas

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The London Howlin’ Wolf Sessions

The London Howlin’ Wolf Sessions, un disco grabado por una de las primeras super bandas con la colaboración de Eric Clapton, Steve Winwood, Bill Wyman, Charlie Watts y Ringo Starr alrededor de Howlin’ Wolf.

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Hay discos que envejecen bien, como los vinos y algunas personas. Uno de ellos es “The London Howlin’ Wolf Sessions”.

Estas grabaciones esconden elementos que ayudarían a explicar el repunte internacional del blues en la época del rock.

Uno de ellos es el vínculo intergeneracional del legendario Howlin´ Wolf con músicos de las (entonces) nuevas generaciones.

Confieso que compré ese disco hace muchos años más atraído por los nombres de sus colaboradores que por el músico principal.

Entre otros la lista de los participantes incluye a Eric Clapton, Bill Wyman, Steve Winwood y Charlie Watts de los Rolling Stones y Ringo Starr de los Beatles.

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Debe apuntarse que en los créditos Ringo apareció sólo como “Richie”. También colaboraron otras figuras como el pianista Ian Stewart. 

Así que probablemente esta fue una de las primeras colaboraciones que unieron a varias superestrellas del momento.

Si bien las London Howlin’ Wolf Sessions alcanzaron puestos respetables en las listas no llegó a ser  un super éxito. También recibió críticas negativas de algunos expertos.

Mr. Guitarra se rinde ante Sumlin

El propio Clapton expresó su insatisfacción en una entrevista con Louder:

“El tipo que organizó la sesión quería que yo fuera el protagonista en lugar de Hubert Sumlin. Hubert terminó suplementando, tocando la guitarra rítmica, lo cual pensé que estaba mal, porque él sabía todas las partes que eran necesarias y yo no”. 

Una prueba del criterio de Clapton es que al inicio de la grabación de “Little Red Rooster” se escucha a Wolf indicando a sus invitado cómo tocar.

Ringo Starr, por su parte, recordó un momento de la grabación en que Clapton cedió el liderazgo a Sumlin:

“¡Dos recuerdos son que Howlin ’Wolf fue increíble! Y su guitarrista. Tenía a este guitarrista con él que era jodidamente increíble. 

Eric (Clapton) estaba en las sesiones y dejó que el chico lo tomara, ya sabes. Fue realmente un momento para ver, el propio Sr. Guitarra inclinándose ante este tipo que realmente tocaba como lo hacía [Eric].

Escucha el disco a continuación:

Ya el lobo del blues era un hombre viejo y enfermo. Pero de todas formas el disco llegó en 1971 al número 28 de la lista de Billboard R&B y al  79 en la Billboard 200. 

Una edición de lujo alcanzó en 2003 el sexto puesto en la Billboard Blues Albums.

Una de las peculiaridades de esas grabaciones en los Olympic Sound Studio fue la presencia de Ringo Starr.

El baterista de los Beatles se encargó de sustituir a Charlie Watts en una de las sesiones a las que este no pudo asistir.

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Voorman en el bajo de The London Howlin’ Wolf Sessions

En la lista de la primera edición de The London Howlin ‘Wolf Sessions de 1971 Ringo aparece en «I Ain’t Superstitious». Sin embargo, en los créditos solo se le menciona como “Richie”.

En la edición de lujo de 2003 “Richie” apareció en cuatro bonus tracks.

Curiosamente en uno de ellos «Goin ‘Down Slow», el que toca el bajo es Klaus Voormann, creador de la mítica portada del Revolver de los Beatles en 1966.

Voormann también toca en «I Want To Have A Word With You» y 2 versiones de «I Ain’t Superstitious».

En 1971 la revista Rolling Stone consideró el álbum “el mejor de Wolf en años”. 

Sobre sus acompañantes dijo que fueron “la propulsión exacta que Howlin ’Wolf necesitaba para ponerse en el estado de ánimo que resulta en 13 actuaciones estelares de blues. 

De acuerdo con el criterio en esa nota firmada por Gary Von Tersh “en todo momento, la banda está perfectamente relajada y cocina el blues detrás del incondicional pivote del magnífico trabajo de guitarra principal de Eric Clapton”.

Sin embargo, se debe reconocer que la verdadera genialidad de esta producción de Chess Records es la presencia de Wolf.

De cualquier modo se trata de uno de esos discos que cada vez que se escucha suena mejor.

Música Inside (Nota publicada parcialmente antes en la sección “Musicaleando” de Mario García-Montes)

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