Algo que tiene el jazz es la capacidad de conectarse con otros estilos musicales desde lo clásico al reggae. Un ejemplo de esto último es el pianista jamaicano Monty Alexander.
Hay una explicación existencial para esta fusión. Alexander nació en 1944 en Kingston, Jamaica, pero desde 1961 reside en Estados Unidos (llegó a Miami a los 17 años).
Con 77 años sigue activo. En junio del 2021, cuando muchos músicos siguen pensando si regresan a la carretera, participó en el 33 ° Festival de Jazz de Elkhart, Indiana.
En sus actuaciones y sus discos Monty Alexander muestra con su excelencia interpretativa que es capaz de meterse en cualquier vericueto de los géneros musicales, pero siempre presente está la música de su Jamaica natal.
Solo un ejemplo de ello es su magistral versión de “No Woman No Cry” en el álbum “The Harlem-Kingston Express Live” de 2011.
Monty Alexander explora la conexión entre el jazz americano y el reggae de una manera singular y emotiva.
Esta producción también fue nominada al Grammy 2012 como Mejor Álbum de Música Reggae, que ganó Stephen Marley.
A continuación pueden escucharla interpretada por el Alexander Jazz Trio:
No Woman No Cry / Monty Alexander
Rastamonk Vibrations de Monty Alexander
En su disco posterior «Wareika Hill: Rastamonk Vibrations» de 2019, hizo lo contrario: llevó el jazz de Thelonious Monk a la sonoridad del reggae.
El álbum incluye 11 canciones clásicas de Monk con una fusión de Jazz, Ska y Reggae. De modo que lo mismo va y viene por esa corriente subterránea que une Kingston con New York. Las conexiones entre el continente y la isla del Caribe.
En este disco, grabado en conciertos a lo largo de varios años, Alexander se une a un grupo principal de músicos e invitados, para reverenciar a su héroe Monk.
Aquí puede escuchar el álbum:
Ninguno es más valioso que el otro
Además de sus discos y actuaciones, el piano de Alexander también se escucha en grabaciones de artistas como Tony Bennett o Quincy Jones y en el disco homenaje «Unforgettable» de Natalie Cole.
En su larga vida artística Alexander ha compartido escenario con Dizzy Gillespie, Frank Sinatra, Ray Brown, Sonny Rollins, Clark Terry, Ernest Ranglin, Bobby McFerrin, Barbara Hendricks, Sly Dunbar y Robbie Shakespeare, entre otros.
La historia que le llevó al jazz mundial comenzó en Jamaica, donde muy joven fundó «Monty and the Cyclones» y tocó con músicos que luego formaron parte del mítico grupo The Skatalites.
Ya en Estados Unidos se convirtió en un gran atractivo en los clubes y festivales de jazz.
Su filosofía sobre la que ha hecho toda su música parece estar en su valoración sobre el jazz y el reggae como expresó en una entrevista en una ocasión: «Ninguno es más valioso que el otro».
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¿Has escuchado a la banda «Outta Scope» (Fuera de Alcance)?. Probablemente no, pero seguramente te interesará cuando sepas que se trata de un grupo integrado por científicos de la NASA.
Outta Scope grabó el álbum “Time Machine”, que puedes adquirir en el vínculo de la derecha.
El grupo es dirigido por Lee Feinberg, tecladista, ingeniero y administrador del Elemento óptico del Telescopio del Webb en el Centro de Vuelo Espacial Goddard de la NASA en Maryland.
Además de trabajar en el proyecto Webb, Feinberg lo hizo en su predecesor, el Telescopio Espacial Hubble y otros proyectos similares como el Telescopio Espacial Romano y la Antena Espacial de Interferómetro Láser (LISA).
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Outta Scope: La música tiene un lado matemático
Igualmente, antes de «Outta Scope» también ha tocado en «The Allman Others», una banda tributo de de Allman Brothers y “HoneyFunk”, dedicada al funk y bluegrass.
Otro de los miembros principales de la “banda espacial” es John McCloskey (guitarra y trompeta), ingeniero principal en el Goddard Space Flight Center.
En rueda de prensa reseñada por la publicación Science, Feinberg explicó que en la NASA trabajan muchos músicos, aunque sea una sorpresa para algunos.
«Creo que hay mucha similitud entre el proceso creativo que haces cuando tocas música y el proceso creativo de la ingeniería», dijo Feinberg.
En su opinión «La música tiene un lado matemático».
Igualmente explicó que existe una conexión especial entre la ciencia y la música. Como ejemplo dijo que el impactante espejo dorado hexagonal del Webb inspiró obras de arte. A partir de ellola NASA organizó un programa que invita al público a crear arte inspirado en el telescopio.
En fin, que si eres un coleccionista de productos de la NASA, puedes agregar Outta Scope a tu lista.
Probablemente la voz cálida y acogedora de Norah Jones es una de las más adecuadas para disfrutar del espíritu navideñoque en 2021 lanzó «I Dream of Christmas», su primer álbum navideño
La ganadora de nueve premios Grammy dijo en un comunicado que decidió crear el álbum de Navidad el año anterior mientras escuchaba «Funky Christmas» de James Brown y «Elvis ‘Christmas Album» de Elvis Presley.
«Hice este álbum principalmente para consolarme en este momento … Creo que este álbum salió del muy largo primer año de la pandemia. Necesitaba algo que esperar y una forma de ser creativo que tuviera un poco de alegría.
Para Jones, la Navidad es una época del año nostálgica, hermosa y mágica; un momento para apagar los teléfonos y simplemente pasar el rato, comer y pasar tiempo con quienes más importan. Ese es el espíritu que domina el álbum.
«Este fue el proyecto perfecto para mí», dijo Jones en una entrevista por correo electrónico con periodistas coreanos que pueden leer completa en la publicación británica The Corean Times.
Se trata de una colección de canciones navideñas reconocibles y 6 nuevas escritas con la colaboración de Norah Jones que son un manjar para los oídos, como ha sido su música desde 2002, cuando lanzó Come Away With Me.
De las nuevas «Christmas Calling (Jolly Jones)», la primera del disco, tiene la marca de una de esas canciones que se escucharán más de una vez,
Entre los cortes está la reinvención de «Christmas Don’t Be Late» de The Chipmunk y la original «Christmas Calling (Jolly Jones)».
Otras versiones para disfrute del alma son las versiones de «White Christmas», «Blue Christmas», «Winter Wonderland» y «Christmas Time Is Here».
Y todo ello con un inconfundible sello navideño, con reminicensias de jazz, blues y algo más.
I Dream Of Christmas fue producido por Leon Michels, con Brian Blade (batería), Tony Scherr y Nick Movshon (bajo), Russ Pahl (guitarra con pedal), Marika Hughes (violonchelo), Dave Guy (trompeta), Raymond Mason (trombón) y Michels (saxofón, flauta, percusión)..
Este es el octavo álbum de estudio de Norah Jones. Fue lanzado por Blue Note Records y el segundo de la vantante y pianista estadounidense en 2021, junto a su disco en vivo -el primero de suc arrera- «´Till We Met Again».
La banda sonora deSoul, el filme animado con música de jazz, recibió 2 nominaciones a los Grammy 2022luego de ganarel Globo de Oro 2021 y el Oscar a Mejor soundtrack Original.
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La temporada de premios para Soul parece no tener fin. Luego de recibir más de 60 galardones el film animado de Pixarobtuvo 2 nominaciones en los Grammy 2022.
La música de la película fue nominada en la categoría de Mejor Banda Sonora para Medios Visuales y el álbum de Jon Batiste «Music from and Inspired by Soul” se incluyó en la de Mejor Álbum de Jazz Instrumental.
Antes la música del filme recibió un Oscar al Mejor Soundtrack. El filme también ganó el Oscar a la Mejor Película animada.
Para la película de Pixar, Soul, Jon Batiste y el dúo ganador del Oscar Trent Reznor y Atticus Ross (The Social Network) de Nine Inch Nails, compusieron la partitura original que se desplaza entre el mundo real y el soul.
La película viaja desde las calles de la ciudad de Nueva York a los reinos cósmicos y «The You Seminar», un lugar fantástico donde descubrimos nuestras personalidades únicas.
Partitura original disponible en vinilo el 18 de diciembre.
Jon Batiste ganó la distinción al Mejor álbum de jazz instrumental con su “Music from and Inspired by Soul”, que también le mereció la nominación a los Grammy 2020.
Batiste, el polifacético líder de la banda en The Late Show With Stephen Colbert, también se desempeñó como consultor cultural para la película.
«Esta película tiene mucha luz. Es mucha luz y energía de fuerza vital, me gusta llamarla. Fue realmente el comienzo en que descubrí mi camino hacia la música jazz en la película. Encontrar el tono espiritual.» , dijo Batiste.
El filme es dirigido por el ganador del Oscar Pete Docter («Inside Out» y «Up»). Cuenta con la voz de Jammie Foxx para el protagonista Joe Gardner, un profesor de banda de secundaria que tiene la oportunidad de tocar en el mejor club de jazz de de Nueva York.
En la cinta el soul apoya la experiencia sobrenatural de Joe, quien debido a un paso en falso cae a The Great Before, un lugar donde las almas obtienen su personalidad antes de ir a la Tierra.
De tal modo la música sirve como puente entre el mundo real y “El Gran Antes”.
Soul, preguntas existenciales a ritmo de Jazz
Una pista del papel de la música en la película de 100 minutos la dio el co-director del filme Kemp Powers («One Night in Miami»):
“Poco sabíamos que hacer una película sobre jazz nos enseñaría tanto sobre la vida. No siempre podemos controlar lo que sucede en el mundo, pero como buen músico de jazz podemos intentar convertir eso en algo hermoso».
En resumen se trata de una cinta conmovedora que aborda a ritmo de jazz preguntas existenciales que todos nos hacemos, o nos hemos hecho o nos haremos en el futuro.
El intento de responder a esas interrogantes pasa por las composiciones de jazz de Batiste y la partitura de Reznor y Ross que ilustran el paso de lo material a lo metafísico.
Entre los comentarios más comedidos está el de Mark MeszorosThe News-Herald (Willoughby, Ohio):
Incluso con algunas notas incorrectas, Soul tiene suficiente para darle una recomendación razonablemente acertada. Simplemente no espere que se junte como una gran pieza de jazz.
Por nuestra parte nos quedamos con la valoración de Linda Cook: OurQuadCities / WHBF-TV (Illinois): Soul tiene magia, música y significado.Tres cualidades difícil de hallar en un filme animado para adultos
Con 11 nominaciones a los Grammy 2022 en categorías de R & B, Jazz y música clásica, Jon Batiste se reafirmó como uno de los artistas más versátiles del momento.
Su disco “We Are” fué nominado como Álbum del Año y Mejor Álbum R & B y la canción “Freedom” obtuvo las nominaciones para Grabación del Año y Video Musical.
WE ARE es un álbum que celebra la cultura y la música afroamericana mientras explora temas de linaje, autenticidad, excelencia y evolución.
Este álbum trata sobre honrar las raíces y tradiciones, mientras mira hacia el futuro y evoluciona constantemente.
Lanzado por Verve Records, es el octavo álbum de estudio de Jon Batiste. Nominado para la categoría Álbum del año y 7 categorías más en la 64ª Entrega Anual de los Premios Grammy.
La canción “I Need You” le proporcionó su entrada entre los finalistas para el Grammy a la Mejor Interpretación R & B Tradicional.
También Batiste recibió la nominación de Mejor Solo Improvisado de Jazz con Bigger than Us y Mejor Álbum Instrumental de Jazz con “Jazz Selections: Music From and Inspired by Soul”.
La música que compuso para el filme animado “Soul”, junto a Trent Reznor & Atticus Ross (de Nine Inch Nails), le proporcionó igualmente la nominación a Mejor banda sonora para medios visuales.
Las otras nominaciones de Batiste llegaron con Mejor interpretación de American Roots y Mejor Canción de American Roots, por “Cry” y Mejor Composición Clásica Contemporánea con “Batiste: Movement 11′”
JON BATISTE, AUTENTICIDAD Y EVOLUCIÓN
Batiste ya era reconocido antes de 2021 (incluso con nominaciones al Grammy), pero es indudable que “We Are”, lanzado este año, es uno de esos discos que cambian la carrera de un músico.
Apoyado por Mavis Staples, Zadie Smith, PJ Morton, Trombone Shorty, Kizzo, Autumn Rowe, Steve Jordan y otros músicos, Batiste logra un álbum que muestra la evolución de la música afroamericana sin perder la autenticidad.
Probablemente con “We Are” nos está mostrando también hacía donde podrá ir el R & B en el futuro.
Pero además de su talento,Jon Batiste aporta un patrón que contrasta con tanto intento en la industria musical de ganar adeptos con posturas estrafalarias.
Se viste elegantemente y destila una serenidad que cada vez se ve menos en el mundo artístico. Por si fuera poco, Batiste sabe bailar y es un verdadero showman sobre el escenario.
El hecho de que Batiste haya recibido la mayor cantidad de nominaciones al Grammy 2022 con una música auténtica podría indicar también que los cambios realizados para revitalizar estos premios van por buen camino.
Los Premios Grammy 2022, que se entregarán en Los Ángeles el 31 de enero, son la prueba de fuego para las nuevas reglas que buscan enfrentar el criticismo creciente contra esa institución en los últimos años.
En abril la Academia de la Grabación anunció el fin de su práctica de nominaciones a comités secretos en sus categorías Big Four y estableció dos nuevos premios para Mejor Álbum de Música Urbana y Global Music Performance.
Luego la Academia actualizó sus reglas y para prohibir que las cifras de ventas y los números de gráficos se mencionan en los anuncios «For Your Consideration» de los Grammy 2022.
Para la ceremonia se estableció una cláusula para incluir más votantes de «grupos tradicionalmente subrepresentados».
Manfred Honeck, Mendelssohn Choir of Pittsburgh & Pittsburgh Symphony Orchestra – Beethoven: Symphony No. 9
Chanticleer – Chanticleer Sings Christmas
Gustavo Dudamel, Fernando Malvar-Ruiz, Luke McEndarfer, Robert Istad, Grant Gershon, Los Angeles Children’s Chorus, Los Angeles Master Chorale, National Children’s Chorus, Pacific Chorale & Los Angeles Philharmonic – Mahler: Symphony No. 8, ‘Symphony of a Thousand’
Producer of the Year, Classical
Blanton Alspaugh
Steven Epstein
David Frost
Elaine Martone
Judith Sherman
Best Orchestral Performance
Nashville Symphony Orchestra – Adams: My Father Knew Charles Ives; Harmonielehre
Mendelssohn Choir of Pittsburgh & Pittsburgh Symphony Orchestra – Beethoven: Symphony No. 9
San Francisco Symphony – Muhly: Throughline
Philadelphia Orchestra – Price: Symphonies Nos. 1 & 3
Seattle Symphony Orchestra – Strauss: Also Sprach Zarathustra; Scriabin: The Poem of Ecstasy
Best Opera Recording
The Opera Philadelphia Orchestra- Litter Soldier songs
Helsinki Philharmonic Orchestra – Bartók: Bluebeard’s Castle
The Metropolitan Opera Orchestra; The Metropolitan Opera Chorus – Glass: Akhnaten
London Symphony Orchestra; London Symphony Chorus & LSO Discovery Voices – Janáček: Cunning Little Vixen
The Metropolitan Opera Orchestra; The Metropolitan Opera Chorus – Poulenc: Dialogues Des Carmélites
Best Choral Performance
Matthew Guard – It’s a Long Way
Gustavo Dudamel – Mahler: Symphony No. 8, ‘Symphony of a Thousand’
Will Liverman – Dreams of a New Day – Songs by Black Composers
Sangeeta Kaur & Hila Plitman – Mythologies
Joyce DiDonato – Schubert: Winterreise
Jamie Barton – Unexpected Shadows
Best Classical Compendium
Agave & Reginald L. Mobley – American Originals – A New World, A New Canon
Michael Tilson Thomas – Berg: Violin Concerto; Seven Early Songs & Three Pieces for Orchestra
Timo Andres & Ian Rosenbaum – Cerrone: The Arching Path
Chick Corea – Plays
Amy Andersson – Women Warriors – The Voices of Change
Best Contemporary Classical Composition
Andy Akiho – Akiho: Seven Pillars
Louis Andriessen – Andriessen: The Only One
Clarice Assad, Sérgio Assad, Sean Connors, Robert Dillon, Peter Martin & David Skidmore – Assad, Clarice & Sérgio, Connors, Dillon, Martin & Skidmore: Archetypes
La música ecléctica del catalán Albert Freixas -de la Americana al Free Jazz-, una buena opción para combatir el tedio de la pandemia.
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Si buscas música nueva y no te interesa mucho la clasificación de géneros, una buena opción es el álbum “Chroma” del cantante y compositor catalán Albert Freixas.
«Chroma» está disponible desde el 1 de junio de 2021 mediante el Sello Microscopi, según nota de prensa de AM comunicación.
Este es el tercer álbum Freixas estilísticamente más atrevido que los anteriores, que incluye temas a capella y algunos momentos de free jazz, en medio de canciones que cuestan de definir dentro de su eclecticismo.
Lanzó «{U}», su primer álbum en olitario en 2011 y en 2018 el segundo disco, titulado «Oopalana.
En “Every time we fall”, la primera canción difundida del disco, Freixas canta e interpreta la totalidad de los instrumentos, incluyendo la guitarra, que lo distingue.
Los coros son de Leticia Nischang, cantante residente en Australia.
La versatilidad instrumental de Freixas se puede apreciar en el video a continuación realizado por Carlos Rufete y Contra Films.
Albert Freixas y el amor por el jazz
En los 11 temas del álbum colaboran los jazzmen de la escena Barcelonesa, Tom Warburton en el contrabajo, Jordi Gardeñas en la batería, así como David Calvo en el saxo tenor.
Uno de los temas más jazzísticos del grupo es «The Say», cuyo video pueden ver al inicio de esta nota.
Alber Freixas inició su carrera profesional en el año 2000 en Londres, donde vivió 8 años e hizo música tanto en solitario como de guitarrista de directo y de sesión y fue parte de pioneros del Spoken Word de la ciudad como The Ventriloquist Band y Martha Rose.
De vuelta a Cataluña, fue miembro fundador de los ix!, grupo de culto catalán, con el que grabó 4 discos.
Su álbum debuto en solitario fue «{U}» (rhrn) en 2011, al que siguió en 2018 «Oopalana» (redb records).
Chroma fuegrabado en los estudios 8 Bits de Sabadell, durante el invierno del 20-21.
Escrito y producido por Albert Freixas. Grabado por el mismo Freixas y por Eduard González y mezclado por Quim Puigtió, “Kato”.
Monoswesi logra su peculiar sonido con instrumentos africanos, entre ellos la mbira (piano de un solo dedo), voces de Zimbabwe, percusión mozambiqueña, saxo nórdico, bajo y batería.
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¿Existe alguna posibilidad de vincular jazz nórdico con música africana? Difícil de imaginar. Sin embargo eso es lo que hace banda afro-nórdica Monoswesi. Monoswezi.
El nombre del grupo combina los países de origen de los cuatro miembros fundadores: Mozambique (Mo), Noruega (No), Suecia (Swe) y Zimbabwe (Zi).
Con ese nombre el colectivo ha lanzado ya 4 álbumes y el quinto está disponible desde el 29 de octubre de 2021con el nombre de “Shanu”.
El nuevo disco sigue el concepto usual del grupo de fusionar el jazz escandinavo con ritmos tradicionales de Zimbabwe y Mozambique, pero con novedades como el uso del mellotron.
“Shanu” es el cuarto álbum de la banda con River Boats Records. Los anteriores fueron “The Village” (2013), Monoswesi Yenga (2015) y A Je 2017.
Monoswesi, fusión de mundos
Los miembros de la banda viven actualmente en tres países (Noruega, Suecia y Zimbabwe).
Esta dispersión lleva a un peculiar mecanismo de creación. Los músicos han explicado que raramente pueden reunirse en su totalidad.
Entonces gana espacio la experimentación en el estudio. La postproducción está a cargo de los miembros escandinavos.
En eso de clasificaciones, lo más usual es darle a la estravagante proyección de Monoswesi el status de jazz fusión de música escandinava y africana.
Logran su peculiar sonido con instrumentos africanos tradicionales, entre ellos la mbira (piano de un solo dedo), voces de Zimbabwe, percusión mozambiqueña, saxo nórdico, bajo y batería.
Si escucha un sonido difícil de clasificar para quienes no están acostumbrados a la música africana, debe saber que se trata de mbira, interpretada por la vocalista Hope Masike.
Por cierto, Hope es una de las pocas mujeres que tocan ese instrumento tradicionalmente campo de los hombres en la música africana.
Hay que decir que varios de los momentos más remacables de sus canciones implican el saxofón de Hallvard Godal con la mbira y la voz de Hope.
John McLaughlin lanzó en 2021 un nuevo álbum de estudio grabado durante el confinamiento, con el título de «Liberation Time», alusión esperanzadora del tiempo por llegar.
Escuchar el nombre de John McLaughlin viene a ser lo mismo que una asociación con la guitarra y la fusión que caracteriza al músico británico.
Pero no es lo único que ese nombre tiene para ofrecer. Ya en 1973 grabó al piano para el disco” Love Devotion Surrender” de Carlos Santana.
Ahora en 2021 vuelve a los teclados en 2 canciones de su nuevo álbum “Liberation Time”, disponible desde el 16 de julio mediante Abstract Logix / Mediastarz.
Esos cortes donde se puede escuchar a McLaughlin al piano son: Mila Repa y Shade Of Blue.
Pero no caigamos en un error: “Liberation Time” es un disco de un guitarrista excepcional. Eso sí el álbum fue realizado en las condiciones de aislamiento impuestas por la pandemia de coronavirus.
Esta obra fue grabada en el otoño de 2020 y no solo por la banda habitual que acompaña a McLaughlin.
El propio músico explicó que fue seleccionando los intérpretes que consideró más adecuados para cada canción.
Una explosión de música con John McLaughlin
Como resultado de la selección hecha se pueden leer otros nombres en la producción, además de su grupo actual 4th Dimension de McLaughlin (McLaughlin, Husband, el bajista Etienne Mbappé y el baterista Ranjit Barot).
Entre los invitados están Gary Husband (piano), Julian Siegel (saxofón tenor) Oz Ezzeldin (piano), Jerome Regard (bajo) y Nicolas Viccaro (batería).
En un comunicado McLaughlin explicó:
Tengo cierta experiencia tocando la batería, el piano y el bajo, por lo que no es difícil para mí crear una sesión que dé la estructura melódica, rítmica y armónica, junto con la atmósfera de la pieza.
Según dijo fue configurando una idea, se la envió a los músicos, dando trazos muy amplios de la pieza, y les pidió que ellos mismos decidieran sus improvisaciones y la forma en que acompañan los temas.
“Varias piezas volvieron a mí transformadas, y luego volvería a grabar mi parte en respuesta», dijo McLaughlin.
Y lo maravilloso, dijo es “que te pones los auriculares y estamos todos en la misma habitación».
De esta forma fue creado un álbum que vuelve a ser un híbrido rock / jazz como le gusta al intérprete, aunque cada vez es más difícil clasificar la música por géneros y subgéneros.
«El resultado fue una explosión de música en mi mente», aseguró McLaughlin.
¿Y el título del álbum?. Sin dudas una alusión al tiempo por venir después de los inciertos encierros de la pandemia.
Illuminations / Turiya Alice Coltrane y Devadip Carlos Santana
Un experimento de Devadip Carlos Santana que rindió poco comercialmente fue el disco Illuminations con Alice Coltrane, pero dejó una hermosa música espiritual
El lanzamiento reciente del álbum Kirtan Turiya Sings de Alice Coltrane, trae a la mente “Illuminations”, el disco que la jazzista realizó junto a Carlos Santana, que entonces se hacía llamar Devadip.
Aunque luego siguieron caminos diferentes, en aquella época ambos artistas disfrutaban con un acercamiento a la mística hinduísta.
Alice se hizo llamar Turiyasanginananda (en sánscrito, la lengua sagrada de la India) y Carlos agregó igualmente a su nombre el de Devadip.
«Devadip» significa «ojo, lámpara o luz de Dios» y Turiyasanginananda (sintetizado Turiya) “la más alta canción de Bienaventuranza del Señor Trascendental”.
Santana, en esta primera etapa, estaba muy inclinado al jazz, que luego abandonó (aunque recae en algunas ocasiones).
Pero Alice siguió siempre un camino signado por el freejazz de su esposo, John Coltrane, aunque con la influencia hindú.
La fusión espiritual de Turiya y Devadip
Los 2 músicos se sumergieron en aquel experimento de “Illuminations” con el respaldo de músicos como Jazz el bajista Dave Holland y el baterista Jack DeJohnette, cercanos a Miles Davis.
Tom Coster aportó los teclados y Jules Broussard la flauta y el saxofón soprano y Orlando Peraza las congas, entre otros músicos.
Alice grabó el piano, el órgano Wurlitzer y el arpa. Por supuesto, la guitarra de Santana da su toque particular a esta fusión espiritual de jazz fusion.
En la trayectoria de Santana este disco siguió a «Love. Devotion. Surrender», grabado junto a John McLaughlin.
Para Santana fue parte de su colaboración con jazzistas como Miles Davis, John Coltrane y Pharoah Sanders.
Se dice que fue John McLaughlin (cuando tenía la Mahavishnu Orchestra) que le presentó a Santana las enseñanzas del gurú indio Sri Chinmoy, quien lo rebautizó como Devadip.
En su autobiografía, “The Universal Tone”, Santana describió ese encuentro:
La última semana de octubre [1972], John y Eve [McLaughlin] nos llevaron a Deborah [King, su esposa de 1973 a 2007] y a mí a conocer a su gurú por primera vez. La voz interior dijo: ‘Eres una semilla. Una semilla necesita sol, agua y tierra. Juntos podrán crecer y dar frutos divinos a la humanidad.
Cuando abrí los ojos, supe que la enseñanza de Sri estaba destinada a ser mi camino. Sri también podía ver eso. No había contrato para firmar o apretón de manos ni nada por el estilo. No hubo bienvenida oficial, solo Sri de pie frente a mí, sonriendo y diciendo: «Te llevo; Te acepto. Si quieres, te tomo como mi discípulo. Pero tienes que cortarte el pelo y afeitarte la barba «.
Fue en esa época cuando Santana aparecía vestido de blanco y le pidió a su banda que le llamara Devadip.
Con “Illuminations” es probable que muchos seguidores de Santana se sintieran decepcionados o temerosos de que guitarrista de Woodstock siguiera ese camino.
Se dice que su disquera Columbia Recordspublicó el Greatest Hits con pistas de sus tres primeros álbumes para evitar una estampida de los compradores.
Puede haber sido cierto, pero el disco -mayoritaria instrumental- tiene picos hermosos para quienes gustan de la música trascendental, espiritual o confían en que esta les ilumine su camino.
Entre la música rescatada en estos tiempos de pandemia se anuncia “Kirtan Turiya Sings”, un álbum devocional de Alice Coltrane.
No es una música fácil para los occidentales porque su base son los bhajans, himnos hindúes dedicados a las deidades.
La traducción de bhajans puede ser (meditación). Ello explica mucho lo que se escucha en el album de Turiyasanginananda (el nombre que adoptó en sánscrito, la lengua clásica de la India).
Pero aunque Alice canta en sánscrito en el Kirtan Turiya Sings, ella le impregna un significado americano como corresponde a su trayectoria jazzistica.
Alice Coltrane fue compositora, pianista, organista y arpista. Su vida musical comenzó como organista de una iglesia en Detroit.
En ese camino pasó por varias agrupaciones, pero brilló particulamente en el cuarteto de su esposo John Coltrane.
“Turiya Sings”, fue el primero de varios cassettes lanzados de forma privada para los miembros del Ashram (centro de meditación hinduista) fundado por ella y del cual fue directora epiritual.
Las canciones terminaron de grabarse en 1982. En el cassette se escucha a la artista cantando con órgano Wurlitzer y cuerdas y sintetizadores sobregrabados.
Pero su hijo Ravi descubrió mezclas del álbum que omitían las sobregrabaciones e incluían solo la voz y el órgano de Alice.
A continuación puedes escuchar la primer canción difundida del nuevo disco; Krishna Krishna
Alice Coltrane, su alma y su Wurlitzer
En un comunicado Ravi indicó que “escuchar a mi madre cantar y tocar en este ambiente íntimo y despojado reveló el verdadero corazón y alma de estas canciones”
Ravi considera que el disco presenta una visión musical completamente realizada de su madre, aprovechando todas sus experiencias hasta ese momento.
“En este álbum, tu oído se dirigirá hacia el sonido del blues, al gospel, a la iglesia afroamericana, a menudo combinada con el estilo de canto carnático del sur de la India”.
“Escucharás hermosas armonías influenciadas por las raíces de Alice Detroit / Motown, sus raíces bebop, el impacto de John Coltrane y su absorción de la música clásica europea, particularmente la de su favorito: Igor Stravinsky.
Sin embargo, al mismo tiempo, se trata de música funcional. Su propósito es, con luz y amor, alabar los nombres del Supremo. En este álbum, su corazón y su espíritu se dirigirán hacia la inspiración y el aprecio divinos».
Kirtan: Turiya Sings será lanzado el 16 de julio por Impulse!/UMe.
Canciones de Kirtan: Turiya Sings:
01 Jagadishwar
02 Jai Ramachandra
03 Krishna Krishna
04 Rama Katha
05 Yamuna Tira Vihari
06 Charanam
07 Govinda Hari
08 Hara Siva
09 Pranadhana
Música Inside
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Norah Jones – ‘Til We Meet Again (Official Album Trailer / Live)
Con una carrera artística de dos décadas, la cantante, compositora y pianista Norah Jones lanzó en 2021 Til We Meet Again, su primer álbum en vivo.
Que ´Til WeMeet Again, de Norah Jones, sea su primer disco en directo resulta algo extraño, si se tiene en cuenta que la ganadora de 9 premios Grammy posee una fuerza avasalladora en los escenarios.
Las grabaciones realizadas en Francia, Italia, Brasil y Argentina entre 2017-2019 integran, sin dudas, uno de los discos significativos del año. No resultó sopresivo, entonces, su nominación a un Grammy 2022 en la categoría de Best Traditional Pop Vocal Album (Mejor álbum pop tradicional vocal).
Pero más allá de ese reconocimiento, se trata de un disco que disfrutará todo amante de la música, sobre todo si no es adicto a clasificar las canciones por géneros, porque aunque hay una bases jazzística, Norah Jones es mucho más.
Casi 2 décadas después de iniciar su carrera, la artista ganadora del GRAMMY, Norah Jones, lanzó su primer álbum en vivo, Til We Meet Again.
Las grabaciones corresponden a actuaciones de Estados Unidos, Francia, Italia, Brasil y Argentina entre 2017 y 2019, que abarcan desde su debut en 2002 hasta sus sencillos más recientes «It Was You» y «I’ll Be Gone».
Se cierra con una versión de «Black Hole Sun» de Soundgarden.
Black Hole Sun
Aunque el álbum tiene muchas joyas, el cierre es impresionante. La última pista es una interpretación electrizante de 7´11 minutos de Black Hole Sun de Soundgarden.
En una entrevista con Grammy.com, Jones explicó que sólo interpretó esa canción una vez y probablemente nunca más vuelva a hacerlo.
Según sus propias palabras, creció escuchando Soundgarden. Y resulta que apenas unos días después que Chriss Cornell murió luego de una acuación enel Fox Theatre de Detroit, Jones debía tocar en el mismo escenario.
Entonces, pensé que sería bueno tocar «Black Hole Sun» como tributo. La practique todo el día en mi camerino. Estaba un poco nerviosa, pero pensé: «Vamos a enviarle un poco de amor y hacer esta canción suya.
Probablemente fue uno de los momentos (de actuación) en vivo más hermosos que he tenido.
La canción es hermosa y, de alguna manera, la música, su espíritu, no sé si su fantasma estaba en la habitación o qué, pero me llevó a través de esa canción como nunca me hubiera imaginado”.
Grammy.com
Sólo el sentimiento de Jones en esa canción ya hace de este disco en vivo algo memorable.
En tiempos dramáticos donde salir de casa se convierte en una acción peligrosa ”Til We Meet Again” es un álbum que se agradece.
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