Mahraganat, la música comparada con el coronavirus

La revista Billboard definió el Mahraganat como algo similar a “una fiesta al borde las ruinas”.

Y parece una definición muy ajustada cuando se escucha esta música callejera egipcia nacida en el Cairo a principios del milenio actual.

Pero no se confunda. Más allá de sintetizadores, electrónica disonante e influencia de tendencias urbanas como rap y electromúsica, el sonido ancestral del medio oriente es la marca distintiva.

Esta música, que en árabe significa “festivales” y también es conocida como “electro chaabi”.

Tuvo un auge impresionante luego de los acontecimientos que llevaron al derrocamiento de Hosni Mubarak en 2011. 

Para algunos es, como el rap, expresión de los sectores de la sociedad más abandonados.

Mahraganat, un bricolaje distorsionado

Sobre su esencia es bueno acercarse al concepto de algunos de sus representantes.

Entrevistado telefónicamente por Billboard 3Phaz, un misterioso productor que aparece en las fotos oculto tras una capucha, expresó:

«Fui expuesto a él (mahraganat) en las calles, como la mayoría de nosotros».

“Me gustó la repetición extrema. Me gustó que realmente sonara a bricolaje, muy distorsionado.

Realmente no les importaba la mezcla y el dominio de las pistas, solo querían hacerlo lo más ruidoso y ruidoso posible».

Más peligroso que el coronavirus

Sus letras provocadoras, incluso con referencias al hachís, provocaron una ola de rechazo que llegó incluso a la censura en Egipto.

El sindicato de músicos egipcio prohibió el mahraganat en hoteles y centros de entretenimiento.

El portavoz del parlamento egipcio Salah Hasaballah declaró que se trata de un virus que se clasifica falsamente como arte.

Es «más peligroso que el coronavirus para la sociedad egipcia y todas las sociedades árabes», afirmó en una entrevista televisada.

Para el funcionario ese tipo de música contribuye al declive moral de Egipto. Los argumentos son que la letra, dicen, promueve las drogas, la violencia y la promiscuidad. 

¿Crítica o censura?

Pero la prohibición tiene una influencia relativa. Los creadores de esta música siguen recibiendo miles de visitas en Youtube y otras opciones de música en la Nube.

100Copies, el sello especializado en mahraganat, firmó un acuerdo con Sony Music Entertainment en el Medio Oriente.

Y si el coronavirus lo permite otro de sus principales lanzas, Hamo Bika, debe presentarse en abril en Orlando, Florida y Jersey, New York.

Quienes defiende el mahraganat consideran que las prohibiciones son parte de una política de censura del actual gobierno egipcio.

Al respecto alude también a otras decisiones como la omisión en telenovelas de escenas consideradas inmorales.

Por lo pronto esta música callejera sigue viva y amplía sus seguidores en otras partes del mundo.

Para los oídos occidentales puede resultar atrayente por lo exótico.

¿Y el idioma? Bueno, se sabe que los tambores y los sintetizadores tienen un idioma universal.

MusicAdictus / Foto: PublicDomainPictures de Pixabay

Lucinda Williams: un buen Country desde las tinieblas

Lucinda Williams, tres premios Grammy y considerada como una de las mejores autoras de country de su país, dio la voz musical  a Lost Girls, una película para Netflix dirigida por la experimentada Liz Garbus.

En el film ambas damas echaron mano a lo que saben hacer. Tienen en común contar historias difíciles, escabrosas, de tinieblas.

La historia es sobre una mujer de 24 años de edad  que desaparece sin dejar rastros una noche y deja detrás a su madre, quien no va a rendirse hasta saber qué pasó con ella.

El argumento sobre el tétrico viaje de la madre para encontrar a la hija en un mundo de  trabajadoras sexuales y asesinatos oníricos salta los obstáculos y lleva a otra historia que atrapa en esa plataforma.

Todo con un elemento crucial: La canción de Williams para la película tiene los antecedentes de esta cantante madura -nació en 1953-  cuyos mejores trabajos se centran en amores perdidos e irrecuperable.

Y, como resultado, ha narrado la rabia que ciertas cosas dejan detrás.

Una canción desgarradora.

Garbus estuvo contenta con la pieza y lo demostró con una sola frase: «Creo que la canción es desgarradora».

El filme se estrenó en Sundance 2020 y fue un éxito de críticas. La canción, del mismo nombre,  también.

La voz de Williams, sin fisuras y con la frescura ríspida intacta, regala una pieza country con perfiles de balada y una lírica precisa para demostrar que hay situaciones que no llegan a ninguna parte.

Es un country desde las tinieblas:

«Aullando a medianoche, el invierno arrastrándose

Howlin’ at midnight, winter creepin’ in

Siento que me fui y perdí a mi mejor amigo

Feel like I’ve gone and lost my best friend

Mi mejor amigo, perdí a mi mejor amigo

My best friend, lost my best friend

La fuerza de Lucinda Williams

La musicalización se mueve por los mismos caminos y no abandona la voz singular y firme de la Williams.

La cantante y compositora sabe bien cómo trabajar rock, folk y country. Sus premios Grammy han sido bien merecidos.

La opinión de la revista Time en 2001 que la consideró como la mejor autora de canciones en Estados Unidos en ese momento, estuvo acertada

La labor de la texana es siempre laboriosa y madura como toda su obra anterior.

Se dice que llegó tarde a la fama, pero llegó con toda su fuerza.

Lucinda Williams es una de las que desmiente que la música country sea para hombres.

Lejos de los comercial

Su rostro lejos de espectáculos baratos muestra que, sí, que ha vivido mucho.

Sus canciones efectivamente están lejos de lo comercial que juega con los colores para satisfacer.

Habrá que recordar que tiene a su haber Car Wheels on a Gravel Road, una colección  de temas que trascendió el género.

Esa selección le permitió saltar a ser un ícono cultural.

Su perfil que es de luz musical, lleva implícito una dosis de tinieblas.

Habrá que escucharla otra vez.

El 24 de abril de 2020 Lucinda Williams lanzó su nuevo álbum Good Souls Better Angels.

Fue producido por Williams con Tom Overby y Ray Kennedy, quienes trabajaron con ella en el premiado álbum de 1998 Car Wheels on a Gravel Road.

Musicadictus / Foto: LucindaWilliams.com

Discos de Vinilo y CDs en riesgo por coronavirus

Con muchas tiendas de discos de vinilo y CDs cerradas, la industria de la música física recibió un duro golpe del coronavirus, que algunos piensan puede ser mortal.

Para colmo Amazon, que aglutina el 15% de las ventas de música en esos formatos, anunció a mediados de marzo que no adquirirá nuevos inventarios por lo menos hasta el 4 de abril.

Aunque la empresa continúa suministrando pedidos de los títulos que tiene en stock, es previsible el golpe que representa para la industria.

Hay que aclarar que Amazon tomó la medida para centrarse en la venta de artículos del hogar y requeridos para enfrentar la pandemia.

La revista Billboard anunció que hasta el fin de semana del 21 de marzo, al menos 120 tiendas de discos estadounidenses cerrar debido a las medidas del gobierno o decisión de los dueños para enfrentar la propagación del virus. 

Discos de vinilo y CDs en territorio nuevo.

Algunas ahora venden música on-line y otras realizan servicios de entrega a domicilio. Pero no parece ser suficiente.

La mayoría de los minoristas de música que hablaron con Billboard dijeron que pueden continuar cubriendo su nómina y alquiler durante semanas, pero no meses. 

Dean Tabaac, ejecutivo de la distribución independiente de Alliance Entertainment (AMPED) advirtió que la industria está en un territorio totalmente nuevo.

Su temor es que si cierran definitivamente demasiadas tiendas físicas, quizás no sea rentable continuar fabricando productos musicales físicos.

La revista Rolling Stones, por su parte, significó que las ventas físicas cayeron 27,6%.

Una industria que no caerá sin luchar

A ello se suma la destrucción de la planta Apollo Masters, una de las dos instalaciones que fabrican la placa necesaria para los discos de vinilo. 

Esa combinación de fuego y coronavirus golpea fuerte a la industria de la música en vinilo que en 2019 marcó su 13 años de crecimiento de ventas consecutivo.

Ese año se vendieron más de 18.8 millones de discos de vinilo, según Nielsen Music, una cuarta parte de las ventas totales de álbumes físicos en los Estados Unidos.

Sin Apollo Masters -que producía del 70 al 85 por ciento de las placas de laca- una de las perspectivas de supervivencia es la recuperación de los artesanos independientes.

Como muestra de que la industria no caerá sin luchar, poco después de un incendio se formó la Asociación de Fabricantes de Discos de Vinilo de América del Norte (VRMA).

Esta nueva institución incluye 50 empresas empresas independientes con capacidad de fabricar discos de vinilo. 

No solo crisis de los discos de vinilo y CDs

Pero apenas había comenzado la VRMA a hacer planes cuando llegó la pandemia.

En estas condiciones existe la suposición que  la música streaming ya pedido está creciendo. ¿Pero es realmente así?.

Según reportes de Alpha Data reproducidos por la revista Rolling Stone la semana del 13 al 19 de marzo de 2020 la música en streaming en línea bajó 7,6%, a menos de 20.1 mil millones. 

Las transmisiones en servicios como Pandora cayeron 9% a poco menos de 3.5 mil millones, mientras que las transmisiones a pedido (audio y video) cayeron 7.3% a 16.6 mil millones.

Rolling Stone consideró que los descensos de esta magnitud son raros, con la excepción de la semana después de Navidad.

Más regalías para los artistas.

La situación, a todas luces, es paradójica cuando la música es uno de los resortes a los que se acude de momentos de aislamiento por la pandemia.

Y lo de la música digital es una mala noticia para los músicos que dejaron de obtener millones de dólares en ingresos por conciertos y giras debido a las suspensiones de actos públicos.

En esta situación una petición en línea iniciada por el músico Evan Greer instó a Spotify a triplicar sus tasas de regalías a los artistas.

su argumento: «Este es un momento en que las compañías de Big Tech deben hacer su parte para ayudar».

Ello, sobre todo, cuando se supone que los artistas dependen cada vez más de la transmisión para sobrevivir en tiempos de pandemia.

MusicAdictus / Foto: Jose Antonio Gallego Vázquez  (Pexels)

Buju Banton y Koffee reinan en el Reggae, según IRAWMA

Buju Banton y la jovencita Koffee reinaron en el International Reggae and World Music Awards (IRAWMA) 2020. 

Los premios fueron establecidos en 1982 para reconocer las contribuciones de los artistas de reggae y música del mundo.

En la versión 2020 en Jamaica, el veterano estrella del DanceHall se llevó 7 trofeos, mientras la ganadora del Grammy 2020 a la Mejor Música Reggae obtuvo 4.

Buju obtuvo el Premio Humanitario Marcus Garvey; Mejor colaboración en R&B / Hip Hop por “Holy Mountain” con DJ Khaled; Artista de Dancehall “Stagecraft”; y Mejor artista cultural / Entretenimiento.

Empató con Beenie Man en la disputa por el galardón de Mejor Artista Caribeño.

También su Banda Til Shiloh ganó la Interpretación Más Sobresaliente, mientras que su show “Long Walk To Freedom”, el primero desde su regreso de una sentencia de 10 años de prisión, fue elegido Concierto del Año.

Además de Buju Banton y Koffee

Koffee, por su parte, ganó los premios a Mejor Vocalista Femenina, Mejor Canción por “Toast”, Mejor Álbum (“Rapto”); y Mejor vídeo musical también por “Toast”.

La premiación se transmitió en vivo por varios medios de difusión, para evitar la conglomeración debido a las medidas para evitar la dispersión del coronavirus.

Se estima que más de 100,000 personas sintonizaron la premiación.

Otros ganadores fueron: Popcaan; Grabación del año: Vybz Kartel; Mejor vocalista masculino: Chronixx y la Mejor canción gospel: No Weapon, de Jermaine Edwards.

El Mejor DJ masculino fue Vybz Kartel; Mejor DJ femenino: Spice y Mejor Artista Nuevo: Chronic Law.

Freddie McGregor fue nombrado Artista más consistente; Stone Love el Mejor Sound System y Ding Dong & The Ravers Clavers ganaron como Grupo de baile más destacado.

Todos los premios:

  • 1. Premio Bob Marley al Artista del año – POPCAAN
  • 2. Premio Peter Tosh al Mejor Artista del Año – VYBZ KARTEL
  • 3. Premio Jacob Miller al Mejor Vocalista Masculino- CHRONIXX
  • 4. Mejor vocalista femenina – KOFFEE
  • 5. Mejor canción- “TOAST” – KOFFEE
  • 6. Mejor álbum / CD- “RAPTURE” – KOFFEE FT. GOVANA
  • 7. Mejor canción Crossover- «BOASTY» – WILEY, SEAN PAUL Y ANITTA, CON TAINY
  • 8. Mejor Canción del Evangelio- “NO ARMA” – JERMAINE EDWARDS
  • 9. Mejor DJ / rapero masculino: VYBZ KARTEL
  • 10. Mejor DJ / rapera femenina – SPICE
  • 11. Mejor nuevo artista- Chronic Law
  • 12. Mejor artista de Calypso / Soca- MACHEL MANTANO
  • 13. Mejor artista de Dancehall Stagecraft – BUJU BANTON
  • 14. Mejor Animador latin-reggae – BAD BUNNY
  • 15. Mejor artista africano de reggae / dancehall STONEBWOY
  • 16. Mejor artista de Afrobeat – FANCY GADAM
  • 17. Mejor actor de Soukous- AWILO LONGOMBA
  • 18. Mejor colaboración R&B/Hip Hop. Canción reggae- «HOLY MOUNTAIN» – DJ KHALED,
  • 19. Mejor artista de rock reggae: THE MOVEMENT
  • 20. Mejor artista joven (menos de 18 años): DJ SWITCH
  • 21. Mejor video musical – “TOAST”- KOFFEE
  • 22. Mejor poeta / artista: RAS TAKURA
  • 23. Mejor artistas cultural / educativo- BUJU BANTON
  • 24. Grupo / banda más destacado del show- BUJU BANTON TIL SILOAH BAND
  • 25. Artista más consistente FREDDY MCGREGOR
  • 26. Artista más prometedor: ORISHA SOUND
  • 27. Mejor instrumentalista: JOSEPH SAX
  • 28. Mejor Sound System / DJ – STONE LOVE
  • 29. Concierto del año: “Long Walk To Freedom” de BUJU BANTON
  • 30. Grupo de baile más destacado: DING DONG & THE RAVERS CLAVERS
  • 31. Mejor artista / grupo haitiano – KLASS
  • 33 Mejor artista del Caribe: BEENIE MAN Y BUJU BANTON
  • 34. Productor discográfico del año- DAMIAN MARLEY
  • 35 Comediante del año: Chris Johnny Daley
  • 36 Premio Humanitario Marcus Garvey – BUJU BANTON

MusicAdictus / Foto: @BujuOfficial y @OriginalKoffee

Ibrahim Ferrer, Recuerdos que arrullan

Cuando «Como el arrullo de Palmas» de Ernesto Lecuona le dio la vuelta al mundo  en español e inglés fue un nuevo regalo para la rica música cubana que se repartieron muchos cantantes de fama por años

Beny Moré, llamado en la isla de «Bárbaro del ritmo»,  hizo una verdadera creación de la «guajira» y Ñico Membiela, bolerista por excelencia, le dio su elegancia especial y nocturna.

El vocalista mas reciente en dar un alma distinta y privilegiada a la canción fue Ibrahim Ferrer Planas de voz pura y suave.

Ferrrer, fallecido en agosto de 2006 en La Habana, residía en la parte más antigua de la capital cubana.

Era un hombre tímido y sencillo y en el arte, sentidamente intenso.

En términos beisboleros, Ibrahim salió a la fama «a la hora de recoger los bates» en su vida.

O sea cuando le quedaba menos en este mundo.

Ibrahim Ferrer, imagen del arte latino

El cantante fue redescubierto por el músico, compositor y productor musical norteamericano Ry Cooder en su proyecto planetario Buena Vista Social Club.

Buena Vista es una rara conjunción de estrellas que nunca se han extinguido como Compay Segundo, Omara Portuondo (esa maravilla de la voz intacta) y Eliades Ochoa además de Ferrer y Cooder.

Ferrer, después y como solista, salió al complejo mercado con Buenos Hermanos, también producido por Cooder.

Entre los invitados el muy gigante Chucho Valdés.

Especialistas han dicho de Buenos Hermanos que es capaz de preservar la memoria rítmica del caribe latinoamericano en una sola pieza.

Una imagen poderosa del arte latino en un mercado ajeno y complejo que es el mundial.

Como el Arrullo de Palmas. Ibrahim Ferrer.

Buenos Hermanos

Buenos Hermanos, género Latin con etiqueta del sello británico World Circuit y con su sólido y triunfante intérprete, salió en 2003 y se reeditó en 2020.  

Conserva,  eso sí, una línea romántica de amores antiguos que dan a la nostalgia el carácter de clímax y  de lágrimas para algunos.

Otros le ven el sabor de campo, rural, apacible de flores y palmas cuyos penachos se mecen tranquilas.

En ese timbre está “Perfume de Gardenias” o “Fuiste Cruel”.

Y escenas de barrios populares cubanos  que es el Guacuancó Callejero.

Nada como el Arullo de Palmas, que muchos escucharon canturrear a sus padres en momentos felices ahora solo en fotos amarillentas.

Para que una canción así «llegue», hay que escuchar su lírica mientras se mueven los hombros o se puntea la música con los dedos o se baila.

Como el arrullo de palma

En la llanura

Como el trinar del sinsonte

En la espesura

Como del río apacible

El lírico rumor

Como el azul de mi cielo

Así es mi amor

Eres tú la mujer

Que reina en mi corazón

Dulce bien que soñó

Mi apasionada ilusión

Flor carnal eres tú

De mi jardín ideal

Trigueña y Hermosa cual rosa gentil

De cálida tierra tropical

Tu mirar soñador

Es dulce y triste, mi bien

Y tu…

Y tu piel dorada al sol

Es tersa y sutil

Mujer de amor sensual

Mi pasión

Es rumor de un palmar

De un palmar, de un palmar

De un palmar

¿Habrá un método mejor para sentir la brisa tropical y de los recuerdos?

Musicadictus

Pandemia de Coronavirus se lleva a Manu Dibango

El legendario músico camerunés Manu Dibango murió a los 86 años de edad el 24 de marzo de 2020 víctima de la pandemia de coronavirus.

El saxofonista, pianista, compositor y cantante conocido universalmente por su éxito Soul Makossa falleció en París, anunció su familia.

Su “mama ku mama sa maka makoussa” fue el original. Una acusación de plagio a Michael Jackson por utilizarlo en su «Wanna Be Startin ‘Somethin'» de Thriller concluyó en acuerdo financiero.

Más allá de ese episodio la canción lanzada en 1972 se convirtió en referente de la música africana.

Sus colaboraciones incluyeron a Hugh Masekela, Fela Kuti, Herbie Hancock… pero trascendió en el panorama musical por su capacidad de hacer fusiones de jazz.

Makossa para el mundo

Su trabajo permitió la difusión en Europa y América de las corrientes de la música popular de África occidental.

Se introdujo en la música mediante el piano clásico, pero adoptó el saxofón como medio de expresión, si dejar de incursionar en otros instrumentos como el vibráfono.

Los especialistas consideran que la raíz de su música se puede hallar en el makossa, un género camerunés, que fusionó con el jazz, junto a otras expresiones musicales africanas.

Soul Makossa . Manu Dibango

El Soul Makossa que le lanzó a la fama mundial tiene una historia particular. Fue el lado B de una canción hecha por encargo para la Copa Africana de Naciones de fútbol.

Tuvo 2 nominaciones en la 16 edición de los premios Grammy en Mejor Ejecución de Instrumental R&B por su álbum Soul Makossa y Mejor composición instrumental por la canción del mismo nombre.

Manu Dibango, Artista de la Paz

Posteriormente incursionó también en la música afro-caribeña y realizó colaboraciones con varios intérpretes de Reggae.

Nunca dejó de participar en proyectos con músicos africanos y norteamericanos.

La música afroamericana. Realizó una gira internacional con la banda de salsa estadounidense Fania All Stars en 1973.

En 2004 fue nombrado Artista de la UNESCO para la Paz. Recibió la distinción en reconocimiento a su contribución al desarrollo de las artes, la paz y el diálogo entre las culturas de todo el mundo.

Musicadictus

«Rejoice», Afrobeat con Hugh Masekela y Tony Allen

El difunto trompetista sudafricano Hugh Masekela (1939-2018) está de vuelta con el álbum Rejoice.

El disco parte de grabaciones hechas junto a su amigo el baterista nigeriano residente en París Tony Allen.

Distribuido por el sello británico World Circuit Records, se basa en pistas grabadas hace unos 10 años en el Livingston Studios de Londres.

Según un comunicado con motivo de su lanzamiento el 20 de marzo de 2020, Rejoice tomó cuerpo definitivo en 2019 con el productor Nick Gold (Buena Vista Social Club).

Acompañan a Allen y Masekela: Tom Herbert y Mutale Chashi (bajo), Joe Armon-Jones (teclados) y Steve Williamson (saxo).

Allen declaró que el álbum es «una especie de guiso de jazz y swing sudafricano-nigeriano».

El Afrobeat, jazz africano

Se dice que Allen y Masekela -conocido como el padre del jazz africano- se conocieron gracias a sus respectivas asociaciones con Fela Kuti.

Pero más allá de multi-instrumentalista y compositor, el nigeriano Fela Kuti es conocido como el fundador del género Afrobeat surgido en los años 60 del siglo XX.

El Afrobeat original agregó posteriormente elementos de música ghanesa, jazz, funk R&B, hip-hop. highlife, dancehall, dub… y varios estilos vocales de África.

Tony Allen & Hugh Masekela – Never (Lagos Never Gonna Be The Same)

Se considera que Fela Kuti dio nombre al género alrededor de 1968. 

Las grabaciones de 2010 se atribuyen a su intención de hacer juntos un álbum de afrobeat.

Tras la muerte de Masekela, Allen y Nick Gold rescataron las cintas y concluyeron la grabación en el mismo estudio original.

Rejoice, unión de 2 almas

Comercialmente el disco es presentado como “la unión de 2 almas que fluyen libremente” más allá de las fronteras. 

Esta proyección queda clara en la instrumentación de Rejoice, pero también en las partes vocales.

En Rejoice puede apreciarse esa mezcla de lenguas africanas propias del género, que motiva a los lingüistas.

Esa mezcla de Yoruba y Ewe, inglés y otros idiomas agrega una fascinación adicional al álbum.

Una buena opción para tiempos de cuarentena que seguro disfrutarán los amantes del jazz en particular y los melómanos que saben apreciar buena música más allá de los géneros.

MusicAdictus

Kenny Rogers: Se fue El Jugador tras ganar la apuesta

Kenny Rogers, The Gambler , El Jugador,  para muchos, murió a los 81 años de edad en marzo de 2020..

Se había retirado del escenario un par de años antes tras ganar su apuesta en la compleja vida de los escenarios.

Fue cultor de una música country que no solo era elegante en el ritmo sino en sus letras también.

Cantó desde historias románticas hasta cotidianas de personas que no retroceden. En realidad  no era un «cowboy» cualquiera.

Muchos de sus seguidores lo admiraron por ser un extraordinario vocalista de triunfos elegantes sin ningún vestigio de los alardes masculinos, o mas bien machistas,  del género.

Rogers fue el cuarto de los siete hijos de Edward Floyd Rogers, un carpintero, y su esposa Lucille, enfermera.  Una familia modesta.

Vendió más de 100 millones de discos en Estados Unidos, de los cuales obtuvo veinticuatro números uno, y más de cincuenta canciones en el Top 40 Country y tres Premios Grammy.​​​

Kenny supo además cuando terminar.

En abril de 2018 suspendió su última gira artística.

«No quería tomarme una eternidad para jubilarme», declaró a la prensa.

Pero con su gira titulada  «The Gambler’s Last Deal», La última apuesta del jugador,  dijo que fue muy feliz por el respaldo eterno de su público.

Aún su “Biografía: Kenny Rogers» saldrá al aire el 13 de abril próximo.

Se ha anunciado que son imágenes emotivas sobre su carrera, que tuvo un clímax final en Nashville  en  2017 con un concierto.

Allí lo rodearon  sus amigos personales. Dolly Parton, Lionel Richie, Don Henley, Kris Kristofferson, Alison Krauss, Chris Stapleton, Little Big Town, Reba McEntire, Flaming Lips y the Judds estuvieron presentes.

Uno de los trofeos que se lleva fue el de The Gambler canción agregada al Registro Nacional de Grabación de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos en 2018.

Kenny Rogers, Superestrella Country-Pop

A Kenny Rogers se le considera un padre del llamado country-pop en el nivel superestrella.

Fue incluido en el Salón de la Fama de la Música Country en 2013 y recibió un Premio a la Trayectoria de la Asociación de Música Country de Estados Unidos.

Su fama traspasó de manera vasta las fronteras de Estados Unidos incluyendo países en los cuales la mayoría de sus seguidores no entendían la lírica de sus canciones.

En su canción The Gambler»,con referencias a jugadas de póker, un apostador narra experiencias que rozan la vida en su país.

Cada jugador sabe que el secreto para sobrevivir

Es saber qué tirar y saber qué conservar.

Porque cada mano es un ganador y cada mano es un perdedor

Y lo mejor que se puede esperar es morir en su sueño. «

Una conclusión de  la canción sobre las  apuestas  es:

“Tienes que saber cuándo mantenerlas, saber cuándo doblarlas

Saber cuándo irse, saber cuándo correr”.

Musicadictus Foto: @KennyRoggersOfficial

Guitarras de firma con Bono, Joe Bonamassa y Steve Vai

¿Quieres tocar la guitarra como U2, Steve Vai o Joe Bonamassa? Bueno lo primero que necesitas es practicar varias horas diarias con disciplina. Luego algunos fabricantes te ofrecen las llamadas guitarras de firma.

Aunque a primera vista pueda parecer un simple truco publicitario muchos músicos dan crédito a esta oferta.

Algo que viene a la mente en estos casos es que artistas de esa talla difícilmente se prestarían a un fraude publicitario si ganan millones de dólares sobre los escenario.

Seguramente no están dispuestos a exponer su prestigio por algunos cientos de miles de dólares más.

MusicAdictus recoge a continuación algunas de estas guitarras de firma disponibles en el mercado.

Bono y Gretsch 

Bono y Gretsch colaboraron en la actualización de la icónica guitarra Gretsch verde conocida como el Irish Falcon ™, utilizada en toda gira Vertigo 2005 de U2.

La Irish Falcon Gretsch de Bono, autografiada, se vendió en 180,000 dólares en una subasta organizada por el Hard Rock Cafe de Nueva York.

Pero la nueva G6136I es algo más accesible. 

Esta es una de las guitarras de firma que incorpora las especificaciones clásicas de Gretsch Falcon ™, incluyendo un cuerpo en madera de arce laminado con brillos dorados.

El mástil (o brazo) también de arce tiene diapasón de ébano, pastillas con supresor de ruido (humbucking) High Sensitive Filter’Tron ™ y un puente ( tailpiece ) Gretsch Cadillac G.

El diseño incluye incrustaciones de madreperla con la firma de Bono grabada en el traste 12.

También un golpeador de plexi dorado con la frase «The Goal Is Soul», sintonizadores Grover® Imperial ™, diapasón dorado con brillo y clavijero y perillas con joyas.

Precio: $3,599.99. Colección Profesional Gretsch®

Joe Bonamassa 1960 Les Paul Standard Outfit – Norm Burst

Bonamassa y Les Paul

La G6136I » es el séptimo modelo de este guitarrista con la marca.

Está basada en la LP Standard de 1960 que Joe adquirió en Norm’s Rare Guitarsen Tarzana, California. 

La edición limitada «Norm Burst» está modelada directamente a partir del modelo que Les Paul hizo en 1960,  último año de producción de esa LP Standard. 

Cuerpo y cuello de caoba, tapa de arce, puente LockTone™ ABR y pastillas Epiphone ProBuckerTM fabricadas con los mismos materiales que la Gibson BurstBuckers.

Controles de tono con tapas de tono MalloryTM y cableado estilo años 50.

Según Bomamassa.

«Es el Les Paul Standard más limpio que he visto en mi vida… Acústicamente, la primera muestra que Epiphone me envió sonaba como la original.

Una vez más, Epiphone ha hecho una gran guitarra en la que estoy orgulloso de tener mi nombre «.

Precio: $699.00

PIA 3761 Steve Vai-Ibanez

Steve Vai e Ibanez

La compañía japonesa Ibanez lanzó en 2020 la La PIA 3761, con la firma de Steve Vai. 

El diseño mantiene el agujero clásico conocido como  «agarre de mono», aunque doble.

La compañía precisó que ese “agarre de pétalo” (Petal Grip), que semeja los símbolos del yin y el yang, fue diseñado exclusivamente.

Sobre este modelo Steve Vai comentó:

 «Algunas guitarras están diseñadas para el rendimiento, otras para la estética. Estos instrumentos son los mejores de ambos mundos … ¡y quizás del universo!»

Viene con incrustaciones de flores en el brazo que Ibanez considera poseen la elegancia del estilo característica de Steve Vai y su visión artística.

De acuerdo con las últimas preferencias tonales de Steve, las pastillas DiMarzio® UtoPIA ™ están diseñadas para favorecer  agudos más suaves, medios más agudos y bajos más pronunciados. 

El puente de trémolo Edge (que aligera o aumenta la tensión en las cuerda) y su cavidad fueron diseñados para permitir cambiar rápidamente el tono.

La placa de la cavidad del trémolo se mantiene en su lugar magnéticamente, lo que permite una rápida extracción y reinstalación al cambiar las cuerdas o ajustar el sistema.

Precio: $3,499 dólares.

MusicAdictus

ZZ Top: Esa pequeña banda de Texas

Una excelente muestra del vínculo entre música y cine es el documental ZZ Top: That Little Ol ‘Band From Texas

El documental que Netflix estrenó en marzo 2020 recibió una calificación de 100% en Rotten Tomatoes, algo que ya debe decir algo sobre su calidad.

Esa valoración en el “tomatometro” significa que el 100% de las opiniones le dan una calidad de mediana a positiva. 

El filme narra la historia de 50 años de ZZ Top desde que adolescentes, Billy Gibbons, Dusty Hill y Frank Beard comenzaron a tocar blues siendo adolescentes.

Es un acercamiento al “raro” sonido de la banda que muchos han querido descifrar. Según Gibbons la respuesta es sencilla: el blues de Texas inyectado con rock and roll.

De todas formas está claro que ese no es el único secreto del misterio.

El enigma de ZZ Top

La película es historia del talento, pero también de la capacidad de reponerse y retomar el camino ante las dificultades, incluyendo oscuros momentos de adicción a las drogas, como relata el baterista Frank Beard.

También de adaptarse a los cambios de tendencia de la música que les llevó a utilizar en su momento (álbum Eliminator, 1983) cajas de ritmos y sintetizadores.

Pero quizás la clave del éxito es que siempre han mantenido el sonido de blues de las guitarras.

Aunque lo más importante está en la forma de ver la música.

«Todavía disfrutamos haciendo lo que tenemos que hacer», afirma Gibbons en el documental.

ZZ Top – La Grange

De ZZ King a ZZ Top

Una curiosidad que relata el filme es el origen del nombre del trío.

Según Gibbons narra en el filme la idea surgió a partir de 2 los músicos de blues Z.Z. Hill y B.B. King. 

La idea original de ZZ King no le sonaba bien y sustituyó King (Rey) por Top, teniendo en cuenta que los reyes se ubican en la cima de la sociedad.

La película de 90 minutos de duración dirigida por Sam Dunn, incluye vivencias de los 3, alternadas con imágenes personales y de su vida en los escenarios.

Incluye también opiniones de músicos como Josh Homme de Queens of the Stone Age y Dan Auerbach de The Black Keys.

90 minutos contra la pandemia

Otro elemento curioso que resalta en el filme es la forma en que manejaron la publicidad, quizás uno de los motivos de la aureola de misterio que rodea a la banda.

En 1973 ya estaban actuando como teloneros de The Rolling Stones. El manager Bill Ham les prohibió aparecer en programas de televisión y limitó su presencia en la prensa. Y eso que ya «La Grange» era un éxito.

Por cierto, para quien no lo sepa, La Grange, era el nombre de famoso prostíbulo de Texas. 

Pero volviendo al tema, ZZ Top: That Little Ol ‘Band From Texas es una grandiosa oportunidad de pasar 90 minutos escuchando anécdotas sorprendentes y buena música.

Algo que se agradece sobre todo en tiempos de pandemia.

MusicAdictus / Foto: Netflix

Estudio lo confirma: La música beneficia al corazón

Una investigación realizada en Serbia constató que la combinación de medicina y música puede ayudar a la recuperación de un ataque cardíaco.

La investigación abarcó a 350 pacientes que sufrieron ataques de corazón y angina temprana después del infarto.

La mitad se sometió a un tratamiento estándar. La otra mitad en cambio escuchó 30 minutos de música relajante diariamente.

El tratamiento estándar incluyó nitratos, aspirina, medicamentos para prevenir coágulos y reducir la presión arterial, betabloqueantes, estatinas, bloqueadores de los canales de calcio y ranolazina.

La investigación, que duró 7 años, determinó que al final el grupo que escuchó música tenía menos síntomas de ansiedad, dolor y otras afecciones cardíacas.

Musicoterapia para el corazón

Según el American College of Cardiology la investigación sugiere que la música, combinada con terapias estándar, podría reducir síntomas y ayudar a prevenir eventos cardíacos.

Para Predrag Mitrovic, MD, PhD, profesor de cardiología en la Facultad de medicina de la Universidad de Belgrado y autor principal del estudio:

«En base a nuestros hallazgos, creemos que la musicoterapia puede ayudar a los pacientes después de un ataque cardíaco, no solo a quienes sufren angina post infarto temprana».

Primero los pacientes se sometieron a una prueba para determinar a qué género musical era probable que su cuerpo respondiera positivamente. 

Los participantes escucharon nueve muestras de música de 30 segundos que encontraron relajantes.

El procedimiento

En tanto los investigadores evaluaron a cada participante en busca de respuestas automáticas e involuntarias a las muestras de música basadas en la dilatación o estrechamiento de las pupilas. 

Luego ajustaron la selección trabajando con el paciente para determinar el tempo y la tonalidad óptimos de la música.

Entonces se les pidió que escucharan su selección musical designada durante 30 minutos cada día, idealmente mientras descansaban con los ojos cerrados. 

Las escucha diarias se documentaron durante 7 años. Regresaron al centro médico para evaluaciones cada tres meses durante el primer año y anualmente a partir de entonces.

Los resultados fueron que los pacientes sometidos a terapia musica tuvieron una reducción del 18% en la tasa de insuficiencia cardíaca.

También 23% menor tasa de ataque cardíaco posterior; 20% menor tasa de necesidad de cirugía de revascularización coronaria y 16% menor tasa de muerte cardíaca.

¿Por qué la música?

En opinión de Mitrovic ello sucede porque la música puede ayudar a contrarrestar la actividad del sistema nervioso simpático, que impulsa la respuesta de «pelear o huir»  ante una situación estresante. 

Debido a que aumenta la frecuencia cardíaca y la presión arterial, una respuesta comprensiva puede ejercer presión adicional sobre el sistema cardiovascular.

Mitrovich sugierió que:

«La ansiedad sin alivio puede producir un aumento en la actividad del sistema nervioso simpático, lo que lleva a un aumento en la carga de trabajo cardíaco».

que las sesiones regulares de escuchar música podrían interrumpir esa cascada de eventos al reducir la ansiedad asociada con la angina después de un ataque cardíaco.

Ahora los investigadores planean analizar aún más los datos para determinar si la musicoterapia puede mostrar beneficios para ciertos subgrupos de pacientes.

De regreso al pasado

Por ejemplo los incluidos en algún rango de edad o aquellos con otras afecciones de salud como la diabetes.

Los resultados se suman a valoraciones similares de otros expertos.

De acuerdo con el servicio Harvard Health Publishing dosis diarias de música no limpiarán arterias ni repararán una válvula cardíaca defectuosa, pero pueden facilitar la recuperación de un procedimiento cardíaco.

Asimismo contribuye a ayudar a volver a la normalidad después de un ataque cardíaco o un derrame cerebral, aliviar el estrés e incluso reducir un poco la presión arterial.

La misma fuente recordó que la música y la curación una vez fueron de la mano.

Al respecto explicó que el carácter chino de la medicina incluye música. En la antigua Grecia, la música se usaba para aliviar el estrés, promover el sueño y aliviar el dolor. 

Rituales de curación con música

Por otra parte, los nativos americanos y africanos usaban el canto como parte de sus rituales de curación.

Actualmente se está de regreso. Los musicoterapeutas demuestran el valor de la música para tratar desde Alzheimer hasta el dolor crónico y problemas de abuso de sustancias.

Existen más investigaciones similares como la del Hospital General de Massachusetts, donde un equipo dirigido por enfermeras descubrió que los pacientes cardíacos que escuchaban música durante 30 minutos tenían presión arterial más baja.

Igualmente registraron frecuencias cardíacas más lentas y menos angustia que aquellos que no escuchaban música.

Otro equipo de enfermeras en la Universidad de Wisconsin-Milwaukee descubrió que los sobrevivientes de ataques cardíacos que escucharon música tranquila en un ambiente tranquilo durante 20 minutos estaban menos ansiosos que el resto.

Cada quien con su música

Un estudio de Hong Kong, también citado por la publicación de Harvard, indicó que los voluntarios mayores que escucharon música relajante durante 25 minutos al día por cuatro semanas redujeron su presión sistólica (alta) en 12 puntos y la diastólica (baja) en 5 puntos.

El grupo de control que no escuchó música no tuvo cambios en la presión arterial.

También hay pruebas que no reflejaron un efecto considerable de la música sobre la frecuencia cardíaca, la presión, o la recuperación de los problemas cardíacos.

Pero, según los expertos de Harvard, los resultados contradictorios no deberían ser realmente una sorpresa. 

Ello porque uno de los mayores obstáculos para estudiar los efectos de la música en el corazón es la música misma.

De George Winston a Red Hot Chili Pepper

Según ello piezas como «Moon» de George Winston tiene diferentes efectos en el corazón que algo más estimulante, como canciones de Red Hot Chili Peppers. 

Conclusión: la apreciación de la música es muy personal: lo que le parece relajante a unos puede alterar a otros.

Es difícil hallar una melodía que disminuya frecuencia cardíaca y presión arterial y mejore flujo sanguíneo para aficionados a la ópera y al rock and roll.

Así que cada cual a lo suyo. Pero algo está muy claro: con música se vive mejor.

MusicAdictus / Foto: Stuart Hampton (Pixabay)

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