The Hu, una banda mongola de folk-metal, fue incluida en una moneda conmemorativa recién acuñada, informó el Banco Central de Mongolia.
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Rosalía y Billie Eilish con algo bilingüe para recordar
Con 7,5 millones de visitas en 17 horas el dúo de Rosalía y Billie Eilish han roto marcas con Lo vas olvidar una nueva canción sobre corazones rotos que probablemente se torne inolvidable.
Eilish y Rosalía no pueden tener personalidades artísticas más fuertes y diversas cada cual para hacer valer lo que desean.
Rosalía Vila Tobella está consagrada como cantante, compositora, productora y actriz española.
Tiene en su vitrina dos Premios Grammy Latinos por la popular Malamente y otros cinco por su segundo álbum El mal querer.
Hace prácticamente un año recibió el Premio Grammy al mejor álbum latino de rock, urbano o alternativo.
Y fue la primera interprete femenina de la historia, en ganar una nominación al Grammy de Mejor Nuevo Artista con un álbum debut en español.
La canción de Euphoria
Billie Eilish Pirate Baird O’Connell por su parte casi nació artista porque es una cantante que salió a los escenarios por vez primera a los 13 años de edad.
En ese momento mostró sus virtudes con Ocean Eye publicado en 2015 en SoundCloud. Tuvo un vídeo musical en YouTube en 2016, a la edad de 14 años.
En 2017 ya era un fenómeno y publicó su EP Don’t Smile at Me, producido por su hermano Finneas.
En 2020 arrasó en los Grammy al obtener 4 estatuillas y entró en el selecto grupo de artistas que han grabado para los filmes de James Bond con su canción No Time to Die, para el filme del mismo nombre.
Lo vas a olvidar hará recordar sin dudas al dúo Rosalía-Eilish. Es la primera vez que la chica estadounidense canta en otro idioma, el español.
La canción es una de las piezas fundamentales del episodio especial Jules, de la serie Euphoria de HBO, en el aire desde el 24 de enero de 2021.
Música Bilingüe
Se dice que en Lo Vas a Olvidar se incluyeron algunos colaboradores adicionales escogidos entre los miembros de la familia de Eilish.
Billie Eilish demuestra que probablemente sabe más español que lo que se ha aprendido en la letra de Lo Vas A Olvidar.
Pero, se dice además que Eilish convenció a la cantante española para que escribiera y grabara la canción principalmente en español debido a su aprecio por la música multilingüe.
«Recuerdo que cuando estábamos escribiendo la canción dijo algo (Rosalía) sobre que ‘Debería estar en inglés’. Y yo riposté «no, no, no. Debería estar en español. Es tan hermoso», explicó Billie
La dulce discusión terminó bien. «Siempre me ha gustado la música que no está en inglés» fue un criterio de Billie. Y agregó «me gusta un montón de música de idiomas que ni siquiera hablo».
La razón que defiende es que «me ha intrigado mucho durante toda mi vida que haya tantas canciones que me gustan en ruso , español y francés».
El Tigre Tom Jones ataca de nuevo en 2021
A pocos meses de cumplir 81 años de edad, Tom Jones vuelve a rugir con su nuevo álbum, «Surrounded By Time»
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Los muros compactos de la vida de Phil Spector
Phil Spector fue un hombre de vida paradójica. Dejó como legado la producción de grabaciones nada menos que con The Beatles, Tina Turner, Cher y Ramones entre otros ídolos, y nuevos métodos para la grabación discográfica.
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Olivia Rodrigo, una estrella con Licencia de Conducción
No muchos artistas logran un número 1 antes de los 18 años de edad. La estrella naciente de la industria musical Olivia Rodrigo lo hizo con su canción “Drivers License”.
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La grandeza de «Algo Pequeño» por el dúo Melody-Sting
Melody Gardot y Sting han brindado «algo pequeño » con Little Something un bossa nova quizá modificado, tenue y complaciente, con un tratamiento vocal de dúo exquisito que hacen grande la canción.
Es algo que prevalece en el Álbum de jazz titulado Sunset in the Blue, de Melody que algunos describen como «maravillosamente simple» .
Se anuncia que está canción modulada a los dos estilos en uno de Melody y Sting estará además en el álbum del británico titulado «Duets» que saldrá al mercado el 14 de marzo.
Mientras tanto ya se divulga en el quinto álbum de Gardot y su primero en cinco años.
Los criterios llueven, aunque puedan ser tan fuertes -o tan débiles- como el impacto de las notas musicales en las emociones.
La cantautora, música de jazz, cantante, compositora y pianista sigue comprometida con la severidad libertina o quizá libertaria de la modalidad de Nueva Orleans y del Pop.
Ella maneja con profesionalidad el piano y la voz, esa voz humana que mezcla sin dejar rastros con la guitarra
Música, budismo y dieta Macrobiótica
De sus prácticas de salud cotidianas que la Gardot ha dicho son la música, la práctica budista y la dieta macrobiótica, la música la ha llevado a planos grandes del jazz sin abandonar sus puntos de vista con el pop. También a las notas latinas.
Esta obra Sunset in the Blue sirve para hacer aún más juicios artísticos.
No busca techos clásicos, pero realmente eso no le hace falta. Es el caso de «If You Love Me» pieza ciertamente rara para enamorados.
En «A Sunday Kind of Love» o «At Last», la guitarra acústica habla con voz propia y ritmo fascinante.
Cuando se escucha la canción que da nombre al álbum se siente la humildad cotidiana de lo que quiere decirse. Habrá que escuchar cada palabra:
When I look back on all the roads (Cuando miro hacia atrás en todos los caminos)
We’ve travelled on (Que hemos viajado)
It makes me smile (Me hace sonreir)
Although I do tend to forget (Aunque tiendo a olvidar)
Your cadent eyes (Tus ojos cadentes)
After a while (Después de un tiempo)
Las cuerdas de la Royal Philharmonic Orchestra son un respaldo serio, como la guitarra acústica de Anthony Wilson y la a trompeta de Till Brönner.
Río de Janeiro Blue
La cadencia del Bossa junto a Sting puede ser inolvidable. No es improvisada. Se recuerda por ejemplo “Ninguem, Ninguem” (Ninguno Ninguno) mas en brasileño que en portugués.
Dispóngase también a escuchar “Manhã de Carnaval” y “Rio de Janeiro Blue”.
Sí. Hay más tela musical por donde cortar.
Pero a muchos les pasará lo que a quien escribe con el dueto Melody-Sting, grabado durante la cuarentena de la pandemia.
Esto pese a que la primera sesión de grabación fue en los legendarios Abbey Road Studios.
Little Something no es nada sencilla. Es un resumen romántico de un dúo latino que no lo es exactamente y no se nota.
«Esta nueva canción, coescrita por mi querido amigo Dominic Miller, tiene una alegría simple y contagiosa, y fue muy divertido intercambiar voces con la exquisita Melody Gardot. «Espero que puedas escuchar la sonrisa en nuestras voces», señaló Sting.
«Durante estos tiempos complicados, la colaboración es la única gracia salvadora para nosotros los músicos. “Me sorprendió mucho cuando Jen Jis vino a verme con esta pista, ¡y luego descubrir que era un dueto con Sting!», subrayó Melody.
“Duets”, Sting canta con sus amigos
Aunque se previó su lanzamiento antes, por problemas provocados por la pandemia el álbum “Duets”de Sting sale al mercado el 19 de marzo de 2021.
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Si las paredes cantaran, la historia de Abbey Road
La historia de los famosos Abbey Road Studios será llevada al cine bajo la dirección de la fotógrafa y cineasta británica Mary McCartney.
En el filme titulado If These Walls Could Sing (Si estas paredes pudieran cantar) Mary compartirá recuerdos personales de esos estudios de grabación que visitó varias veces con su padre, Paul McCartney.
Mercury Studios, la división de producción de medios de Universal Music Group, adelantó que la película ofrecerá una mirada entre bastidores y una descripción general de su historia.
La cinta forma parte del programa de celebración de los 90 años de Abbey Road Studios que se cumplen en noviembre de 2021.
If These Walls Could Sing es producida por John Battsek (Searching for Sugar Man, Eric Clapton: Life in 12 Bars), ganador del premio Academy Award®, BAFTA y Prime Time Emmy.
Abbey Road abre sus puertas
En un comunicado Mary McCartney afirmó que:
“Algunos de mis primeros recuerdos cuando era niña provienen del tiempo que pasé en Abbey Road”.
«Hace mucho que quería contar la historia de este lugar histórico y no podría estar colaborando con un equipo mejor que John y Mercury Studios para hacer realidad esta ambición creativa».
Isabel Garvey, directora general de Abbey Road Studios, agregó:
“’Si estas paredes pudieran cantar”. He perdido la cuenta de cuántas veces he oído decir eso en Abbey Road Studios a lo largo de los años.
No puedo esperar a que algunas de estas historias finalmente cobren vida en lo que se convertirá en un documental atemporal «.
Abbey Road Studios informó que el desarrollo del documental es supervisado por Marc Robinson de Universal Music UK y la directora ejecutiva de Mercury Studios, Alice Webb.
Esta es la primera vez que Abbey Road abre sus puertas a un largometraje documental.
Según los adelantos incluirá entrevistas de estrellas, un acceso amplio a los estudios y una banda sonora fascinante.
MusicAdictus / Foto: 139904 (Pixabay)
Rickenbacker, la firma que creció con los Beatles
A la zaga en cuanto a cantidad de producción en comparación con Fender o Gibson, la californiana Rickenbacker no cede en calidad ni reconocimiento de artistas clásicos.
Pero en una entrevista reciente con Guitar.com, el CEO de la empresa, John Hall, reconoce que lo que realmente cambió la suerte de la firma fue la llegada de The Beatles.
El primero de ellos que utilizó una Rickenbacker fue John Lennon: un instrumento del modelo 325 adquirido en Hamburgo en 1960. La utilizó en la legendaria grabación de “Cry for a Shadow” y la mantuvo por 20 años más.
Harrison, por su parte, compró primero una Rickenbacher 425 negra en un viaje a Estados Unidos y luego recibió como regalo de la empresa la primera del modelo 360/12 de 12 cuerdas, que distinguió muchas canciones de la banda.
Por si fuera poco, después Paul McCartney tocó con uno de los primeros bajos 4001S (para zurdos) fabricado para él por la misma marca y obsequiado durante la gira de The Beatles por Estados Unidos.
The Beatles, el cohete publicitario de Rickenbacker
Sobre el bajo de Paul en su entrevista Hall recuerda:
«El año anterior, en Nueva York, mi padre le había ofrecido a Paul un bajo. Por razones que ninguno de nosotros entendió, no se lo llevó a casa, pero mi papá y yo fuimos invitados a la casa de Zsa Zsa Gabor donde se estaban hospedando, que habían alquilado. Le presenté a Paul el bajo Fireglo Rickenbacker (401S) y fue emocionante verlo tocar.
“Sacó un pequeño amplificador Vox y empezó a tocarlo, luego John y George aparecieron con sus guitarras y empezaron a tocar y ahí estaba yo, sentado en una sala de estar privada con tres de los Beatles tocando.
Ringo estaba allí en la casa, dicho sea de paso, pero en ese momento él y [nombra a una artista muy famosa que todavía está viva y sin duda bien equipada con abogados] estaban afuera, a la vuelta de la esquina junto a la piscina, teniendo un momento amoroso en el trampolín.”
Según Hall la introducción de los instrumentos Rickenbacker en el fenómeno cultural que fueron los Beatles le dio a la compañía el mayor cohete publicitario que tuvo el negocio de la guitarra.
John Lennon vs Peter Fonda
Y de su relación personal con la banda parece que fue testigo, según narra, de algunos hechos pintorescos.
Entre ellos cuenta que vio a John Lennon pelear a puñetazos con Peter Fonda, cuando este se enfureció con los comentarios del beatle sobre la mala actuación de su hermana en una película que vieron la noche anterior.
Fue en 1965 en una casa que los Beatles alquilaron en Benedict Canyon mientras tocaban en el Hollywood Bowl.
Todo el mundo -dijo- estaba actuando de manera muy, muy extraña y realmente no podía darme cuenta a los 16 años (entonces era su padre el CEO de la compañía).
Hall asegura que años después Roger McGuinn, guitarrista y cantante de los Byrds, quien estuvo también en el encuentro, le preguntó si recordaba ese día y me pidió que escribiera todo lo que pudiera.
Le dije que él también estaba allí y me respondió: «Sí, bueno, esa fue la primera vez que dejamos caer ácido». ¡Eso explica mucho! Eso sí, Ringo y [la famosa intérprete] sólo bebían whisky ”.
Music Link / Foto principal: PactoVisual (Pixabay)
«Colores» y consejos a la Música Urbana
J Balvin mostró un perfil afable y amoroso que también puede tener la Música Urbana y ganó el premio Grammy por el mejor álbum de ese género..
José Álvaro Osorio Balvín , es un cantante y productor discográfico bien posicionado en el mercado musical hispano y de habla inglesa.
Es un artista inteligente se dice que bien guiado en cuanto a lo que necesita la música latina para abrirse paso en mercados tan complejos como el que abarca el Grammy
A quién le mientes si en tu soledad
Quieres verme otra vez
Por ti respondo lo que tú me das
Lo que nadie sabe
Me decido por ti, te decides por mí
A la misma hora
De manera sencilla , directa y hermosa «Colores» cuenta su historia a la manera «urbana» también cuando agrega:
Podemos pelearnos y hasta alejarnos
Pero cuando llega la hora
Me decido por ti, te decides por mí
A la misma hora
Al recibir el galardón J Balvin aconsejó que en una época tan oscura como esta a causa indudablemente de la pandemia «el mundo lo que necesita es colores en este momento».
Probablemente el planeta musical también necesitará de la misma dosis cuando la epidemia haya terminado.
El Grammy virtual fue una excelente ocasión. Ese espacio brindó una amplia posibilidad a la música en general siempre que demostrara la calidad “de excelencia”.
¿Crisis en el reguetón?
Rosalía y Ozuna ganaron dos premios: mejor canción urbana y mejor fusión/interpretación urbana por “Yo x ti, tu x mí”.
Bad Bunny obtuvo el trofeo a la mejor interpretación de reggaetón por “Yo perreo sola” y Residente sumó a el de mejor canción de rap/hip hop por “Antes que el mundo se acabe”.
Los especialistas de la cita aplaudieron pero advirtieron que los premios no fueron los suficientes. El Grammy Latino que llenó de nominaciones a esos artistas dosificó los galardones que recibieron.
Imagen de Darwin Laganzon, Pixabay
¿Esta es una crisis de la Música Urbana que se alimenta considerablemente del reguetón? Probablemente es solo una observación objetiva que actúa como la punta de un iceberg.
No es que no «suenen» comercialmente. En realidad los artistas urbanos están en boca de todos, aunque no siempre por buenos motivos.
Contradiciendo a Colores una buena cantidad de intérpretes destrozan la calidad de su música con letras que incitan a la violencia, la delincuencia y al sexo «loco» o impensado e incluso abusivo.
Música urbana sin insultos
Quienes creen en tales líricas deberían pensar en que todo ese ciclón de malas palabras e intenciones grotescas se identfica por millones de personas como «mala calidad». Tal sello es riesgoso además comercialmente hablando.
Por ejemplo, proclaman la violencia contra las mujeres, que ya de por sí es algo totalmente inaceptable sin pensar también que las mujeres son parte del público y tienen un gran derecho al veto.
Lo mas terrible es cuando se encuentra esa falta de moral y de visión comercial en grandes artistas. Esto contribuye a hundir al género, que puede ser por demás una manera viable (¿aceptable quizá) de saber cómo viven las gentes.
El buen artista que elige el camino equivocado probablemente tendrá un momento éxito. En este mundo pasan cosas peores .¿No es cierto?
La música universal de cualquier género ha cantado al amor, al desengaño, a la vida rota, a la muerte, a la supervivencia, a la naturaleza, al mundo y hasta a las estrellas.
Ninguna que ha elegido el insulto ha sobrevivido.
MusicAdictus / Imagen principal: OpenClipart-Vectors, Pixabay
La música country crece con la pandemia
Al celebrar el quinto aniversario de su lista de reproducción Hot Country (24 de noviembre) Spotify dio a conocer los artistas con mayores logros en la música country.
Maren Morris es la cantante country femenina con más reproducciones en la lista en 2018-2020.
Dan + Shay tuvo la pista country de mayor reproducción tanto en 2019 («Tequila») como en 2020 («10,000 Hours», con Justin Bieber).
Florida Georgia Line se mantuvo entre los cinco mejores artistas de country con más transmisiones desde 2015. Fue número uno en 2017 y 2018.
Desde el lanzamiento en 2015, la lista de reproducción acumula 6 millones de seguidores y más de 5 mil millones de transmisiones.
Estas cifras, sin dudas, la convierten en una de las listas más influyentes (o la de más influencia) de la música country.
En un comunicado Spotify expresó la satisfacción por la forma en que se recibieron sus esfuerzos por enfrentar los difíciles tiempos de la pandemia.
Ellos incluyeron desde la organización de reuniones hasta la nueva serie llamada The Drop In (con participación de estrellas del country como Tim McGraw y Morgan Wallen).
Las cifras de Spotify ilustran la forma en que la música country enfrentó el golpe recibido con el cierre de salas de conciertos y bares y la suspensión de giras y conciertos.
Imagen: Paul Brennan, Pixabay
Música country vs Pandemia
Algunos expertos estiman que el éxito en esos ámbitos retrasó la participación de este género musical en las opciones abiertas por los cambios tecnológicos. A diferencia de otros como el hip-hop y el pop que se adpataron más rapidamente.
Ahora curiosamente la música country es uno de los géneros que más ha crecido con las nuevas condiciones de la industria.
Según los datos de RC Data / Nielsen Music la música country creció 15,8% en los servicios de streaming. La cifra es muy superios al promedio general que es inferior al 3%.
Pareciera que algunos amantes del género que desdeñaban las plataformas de transmisión. Pero ahora se unieron a la corriente para escuchar su música favorita en el aislamiento, con teatros y bares cerrados.
«En parte, lo que estamos viendo es la progresión natural de los fanáticos del country que comienzan a ponerse al día con estos otros formatos, y el mercado country tenía mucho que ponerse al día», dijo Melinda Newman, editora ejecutiva de West Coast y Nashville de Billboard a la revista Time.
Músicos country no solo son de los primeros en re-aparecer en Estados Unidos en shows en vivo con nuevas reglas para garantizar el distanciamiento social. También aprovechan opciones como los conciertos virtuales con propina.
Sin tener en cuenta que sin las agotadoras giras y las noches de trabajo a diario los músicos están creando más.
MusicAdictus / Foto principal: Quim Muns de Pixabay
Youtube se reafirma como plataforma musical
En 2020 YouTube anunció cifras que la reafirman como la mayor plataforma de música con 2,000 millones de descargas mensuales.
Esa información significa que duplicó su alcance en 2 años y medio.
Hoy la empresa asegura que tiene más de 2,000 millones de usuarios mensuales.
Según el director global de música de YouTube, Lyor Cohen,más del 85% de la visualización de videos musicales en la plataforma ocurre en primer plano, es decir con las imágenes en la pantalla y no solo escuchándolos.
Otro dato interesante es que el 60% se ve en dispositivos móviles.
YouTube también explicó que más del 50% de los espectadores registrados consumen más de 10 minutos al día en consumo musical.
Y su catálogo supera los 70 millones de pistas.
Alphabet Inc. (la empresa matriz, también de Google) anunció que YouTube tiene más de 30 millones de suscriptores pagos de Música y Premium, además de más de 5 millones en período de pruebas.
Como resultado los ingresos por publicidad crecieron el 32,4% interanual que significan 5,040 millones en el tercer trimestre de este año.
Para tener una idea de las ganancias la empresa afirmó que en 2019 pagó más de 3,000 millones de dólares a la industria en regalías.
En opinión de Cohen la pandemia cambió fundamentalmente la industria de la música para siempre.
Con los conciertos en vivo cancelados y los lugares cerrados -opinó- los artistas y fanáticos recurrieron a las plataformas en línea. La transmisión de videos musicales está creciendo rápidamente en popularidad.
Imagen de Thom Sibent en Pixabay
Youtube cambia política de monetización
Casi paralelamente YouTube actualizó sus políticas de monetización y anunció que publicará anuncios en los videos de algunos creadores, pero sin compartir los ingresos publicitarios.
Es decir que si utilizas un canal gratuito para subir tus vídeos, en ello pueden aparecer publicidad basada en el historial de búsquedas y navegación en la web del usuario, como ya es habitual.
El argumento es que esos creadores no son suficientemente grandes para inscribirse en su programa de socios, que sí continuará pagando dividendos.
Para integrarse a ese programa los creadores deben acumular 4,000 horas de reproducción en 12 meses y tener más de 1,000 suscriptores.
La actualización indica que:
Usted otorga a YouTube el derecho a monetizar su Contenido en el Servicio (y dicha monetización puede incluir la exhibición de anuncios en o dentro del Contenido o el cobro de una tarifa de acceso a los usuarios).
Este Acuerdo no le da derecho a ningún pago. A partir del 18 de noviembre, cualquier pago que pueda tener derecho a recibir de YouTube en virtud de cualquier otro acuerdo entre usted y YouTube (incluidos, por ejemplo, los pagos realizados en virtud del Programa de socios de YouTube, las membresías de canal o el Super Chat) se tratarán como regalías.»
Comunicado
MusicAdictus / Imagen principal Tymon Oziemblewski en Pixabay
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