Los Brincos y Los Bravos, dos legendarias bandas de rock españolas, vuelven en 2021 con la colección Orígenes de Sony Music Spain.
Seguir leyendo Los Brincos y Los Bravos 2021 (remasterizados)Todas las entradas por Miguel Lozano
Suzy Quatro rockea con el diablo a los 70 años
Suzy Quatro, una de las mujeres que subió al escenario del rock en la década de 1970, lanzó el 26 de marzo de 2021 su disco de estudio: “The Devil in Me”.
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Monseigneur, la casa del Bola en el Vedado
Algunos piensan que el piano de Bola de Nieve todavía se escucha por las noches cuando cierra el restaurante Monseigneur del Vedado habanero.
Uno de ellos es Carlos Varela que canta: “Y cuando cierran el «Monseñor» / Dicen que pasa algo raro / Por las paredes se oye una voz / Y tocan solas las teclas del piano”.
Podría ser. Porque pese a no constituir uno de sus grandes escenarios, el restaurante de 21 y O fue una especie de guarida íntima del piano-man.
Pero una guarida compartida, porque allí creó su programa “Chez Bola” gracias al cual actuaron en el lugar muchos renombrados músicos cubanos.
El restaurante se inauguró en diciembre de 1957 inspirado en otro de nombre similar en París y se convirtió en centro de la intelectualidad de ese momento.
Luego cerró y en 1964 fue re-inaugurado con el Bola como principal atracción, quien le dio un toque de distinción.
Se afirma que la vajilla y otros aspectos del decorado y hasta las alfombras fueron aportados o supervisados por el músico.
Bola de Nieve es considerado uno de los más destacados intérpretes de música afrocubana. Pero también realizó inolvidables interpretaciones de piezas internacionales en español, inglés, francés e italiano al estilo de los «chancioner» franceses.
Prueba de esto último son sus versiones de Be Careful It’s My Heart, de Irving Berlin, Monastero di Santa Chiara, de Michele Galdieri y Alberto Barberis o La Vie en Rose de la inmortal Édith Piaf.
Y quien sabe en otras fechas…
Con solo escuchar alguna de esas canciones, u otras, es fácil aceptar que las paredes del Monseigneur no las hayan olvidado.
Y para ese estilo el local instalado en un sótano brindaba un ambiente de complicidad ideal.
Bola de Nieve fue un apelativo que le endilgó Rita Montaner, otra grande de la música cubana. Pero la impertinencia se convirtió en el nombre artístico de Ignacio Jacinto Villa Fernández , nacido en Guanabacoa, Cuba, en 1911.
Su capacidad interpretativa en el piano -y la musicalidad de una voz que parecia hecha para cualquier otra cosa menos para cantar- se impuso a su condición de negro humilde homosexual.
Cuando falleció en México en 1971 Bola de Nieve ya era una figura internacional, un piano-man bien recibido en las plazas más exigentes.
Sin embargo, el Monseigneur ya nunca más pudo recuperar su esplendor. Quizás siga esperando que se cumpla la despedida-profecía del Bola en su escenario:
«Y así les digo / buenas noches, buenas tardes / o buenos días / y con mucho gusto / estuve con ustedes hoy / y quien sabe en otras fechas / vuelva a estar y con el mismo gusto.»
Sons of Ethiopia, el sonido perdido de Admas
Por muy conocedor que se sea la música no deja de deparar sorpresas. Una de esas puede ser escuchar “Sons of Ethiopia” (Hijos de Etiopía) de la banda Admas.
No se trata de un disco nuevo, pues proviene de la década de 1980. Es por tanto un rescate tan propio de esta época de pandemia.
Admas (“Horizonte” en Amárico) es un grupo integrado por inmigrantes etíopes en Estados Unidos.
La banda la integran Abegasu Shiota (teclados, guitarra rítmica y voz), Henock Temesgen (guitarra y voz), Tewodros Aklilu (teclados) y Yousef Tesfaye (batería).
Sons of Ethiopia fue grabado en 1984 y se hicieron 1,000 copias con dinero prestado por la madre de Akliu.
Tras vender y regalar los discos los músicos perdieron el master de la grabación y se olvidaron del álbum.
Tiempo después Andreas Vingaard, propietario del pequeño sello Frederiksberg Records de New York obtuvo una copia en eBay por 400 dólares.
Luego el sello remasterizó el álbum de 7 canciones a partir de una copia de vinilo y en julio de 2020 fue relanzado, 36 años después de grabado.
Admas, luego de la pandemia
Admas recibió así un nuevo aire acompañado del reconocimiento de la crítica y buena exposición en las redes sociales.
El álbum tiene como base la música etíope con guitarra eléctrica, sintetizador y ritmos de caja.
A primera vista se aprecia influencia del highlife ghanés, el jazz brasileño de Azimuth, el reggae jamaicano y el R&B y jazz estadounidenses.
Después de “Sons of Ethiopia” Shiota y Temesgen grabaron un segundo álbum en el 2000 bajo el nombre de Admas.
Actualmente, según el crítico Steve Kiviat en Smithsonian Magazine los miembros de Admas están de regreso en Etiopía, menos el baterista Tesfaye, que no ha podido localizarse.
Shiota es un productor, Temesgen un educador musical y Aklilu siguió la música en varios grupos, incluyendo la banda de reggae Teddy Afro Ethiopian.
En sus planes está reeditar su segundo álbum con material adicional y después de la pandemia realizar una gira.
Esto daría a los adictos a la música la oportunidad de escuchar una mezcla curiosa pero atractiva de música de influencia etíope que sin dudas mereció mejor destino en su momento.
Tracklist de “Sons of Ethiopia
- Anchi Bale Game
- Bahta’s Highlife
- Tez Alegn Yetintu
- Kalatashew Waga
- Wed Enate
- Samba Shegitu
- Astawesalehu
Filme biográfico de Elvis pospuesto para 2022
Los seguidores de Elvis Presley deberán esperar hasta 2022 para ver el filme biográfico de Warner Bros dirigido por el australiano Baz Luhrmann.
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Mongolia acuña moneda a The Hu su banda insignia de rock
The Hu, una banda mongola de folk-metal, fue incluida en una moneda conmemorativa recién acuñada, informó el Banco Central de Mongolia.
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Olivia Rodrigo, una estrella con Licencia de Conducción
No muchos artistas logran un número 1 antes de los 18 años de edad. La estrella naciente de la industria musical Olivia Rodrigo lo hizo con su canción “Drivers License”.
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Si las paredes cantaran, la historia de Abbey Road
La historia de los famosos Abbey Road Studios será llevada al cine bajo la dirección de la fotógrafa y cineasta británica Mary McCartney.
En el filme titulado If These Walls Could Sing (Si estas paredes pudieran cantar) Mary compartirá recuerdos personales de esos estudios de grabación que visitó varias veces con su padre, Paul McCartney.
Mercury Studios, la división de producción de medios de Universal Music Group, adelantó que la película ofrecerá una mirada entre bastidores y una descripción general de su historia.
La cinta forma parte del programa de celebración de los 90 años de Abbey Road Studios que se cumplen en noviembre de 2021.
If These Walls Could Sing es producida por John Battsek (Searching for Sugar Man, Eric Clapton: Life in 12 Bars), ganador del premio Academy Award®, BAFTA y Prime Time Emmy.
Abbey Road abre sus puertas
En un comunicado Mary McCartney afirmó que:
“Algunos de mis primeros recuerdos cuando era niña provienen del tiempo que pasé en Abbey Road”.
«Hace mucho que quería contar la historia de este lugar histórico y no podría estar colaborando con un equipo mejor que John y Mercury Studios para hacer realidad esta ambición creativa».
Isabel Garvey, directora general de Abbey Road Studios, agregó:
“’Si estas paredes pudieran cantar”. He perdido la cuenta de cuántas veces he oído decir eso en Abbey Road Studios a lo largo de los años.
No puedo esperar a que algunas de estas historias finalmente cobren vida en lo que se convertirá en un documental atemporal «.
Abbey Road Studios informó que el desarrollo del documental es supervisado por Marc Robinson de Universal Music UK y la directora ejecutiva de Mercury Studios, Alice Webb.
Esta es la primera vez que Abbey Road abre sus puertas a un largometraje documental.
Según los adelantos incluirá entrevistas de estrellas, un acceso amplio a los estudios y una banda sonora fascinante.
MusicAdictus / Foto: 139904 (Pixabay)
Rickenbacker, la firma que creció con los Beatles
A la zaga en cuanto a cantidad de producción en comparación con Fender o Gibson, la californiana Rickenbacker no cede en calidad ni reconocimiento de artistas clásicos.
Pero en una entrevista reciente con Guitar.com, el CEO de la empresa, John Hall, reconoce que lo que realmente cambió la suerte de la firma fue la llegada de The Beatles.
El primero de ellos que utilizó una Rickenbacker fue John Lennon: un instrumento del modelo 325 adquirido en Hamburgo en 1960. La utilizó en la legendaria grabación de “Cry for a Shadow” y la mantuvo por 20 años más.
Harrison, por su parte, compró primero una Rickenbacher 425 negra en un viaje a Estados Unidos y luego recibió como regalo de la empresa la primera del modelo 360/12 de 12 cuerdas, que distinguió muchas canciones de la banda.
Por si fuera poco, después Paul McCartney tocó con uno de los primeros bajos 4001S (para zurdos) fabricado para él por la misma marca y obsequiado durante la gira de The Beatles por Estados Unidos.
The Beatles, el cohete publicitario de Rickenbacker
Sobre el bajo de Paul en su entrevista Hall recuerda:
«El año anterior, en Nueva York, mi padre le había ofrecido a Paul un bajo. Por razones que ninguno de nosotros entendió, no se lo llevó a casa, pero mi papá y yo fuimos invitados a la casa de Zsa Zsa Gabor donde se estaban hospedando, que habían alquilado. Le presenté a Paul el bajo Fireglo Rickenbacker (401S) y fue emocionante verlo tocar.
“Sacó un pequeño amplificador Vox y empezó a tocarlo, luego John y George aparecieron con sus guitarras y empezaron a tocar y ahí estaba yo, sentado en una sala de estar privada con tres de los Beatles tocando.
Ringo estaba allí en la casa, dicho sea de paso, pero en ese momento él y [nombra a una artista muy famosa que todavía está viva y sin duda bien equipada con abogados] estaban afuera, a la vuelta de la esquina junto a la piscina, teniendo un momento amoroso en el trampolín.”
Según Hall la introducción de los instrumentos Rickenbacker en el fenómeno cultural que fueron los Beatles le dio a la compañía el mayor cohete publicitario que tuvo el negocio de la guitarra.
John Lennon vs Peter Fonda
Y de su relación personal con la banda parece que fue testigo, según narra, de algunos hechos pintorescos.
Entre ellos cuenta que vio a John Lennon pelear a puñetazos con Peter Fonda, cuando este se enfureció con los comentarios del beatle sobre la mala actuación de su hermana en una película que vieron la noche anterior.
Fue en 1965 en una casa que los Beatles alquilaron en Benedict Canyon mientras tocaban en el Hollywood Bowl.
Todo el mundo -dijo- estaba actuando de manera muy, muy extraña y realmente no podía darme cuenta a los 16 años (entonces era su padre el CEO de la compañía).
Hall asegura que años después Roger McGuinn, guitarrista y cantante de los Byrds, quien estuvo también en el encuentro, le preguntó si recordaba ese día y me pidió que escribiera todo lo que pudiera.
Le dije que él también estaba allí y me respondió: «Sí, bueno, esa fue la primera vez que dejamos caer ácido». ¡Eso explica mucho! Eso sí, Ringo y [la famosa intérprete] sólo bebían whisky ”.
Music Link / Foto principal: PactoVisual (Pixabay)
La música country crece con la pandemia
Al celebrar el quinto aniversario de su lista de reproducción Hot Country (24 de noviembre) Spotify dio a conocer los artistas con mayores logros en la música country.
Maren Morris es la cantante country femenina con más reproducciones en la lista en 2018-2020.
Dan + Shay tuvo la pista country de mayor reproducción tanto en 2019 («Tequila») como en 2020 («10,000 Hours», con Justin Bieber).
Florida Georgia Line se mantuvo entre los cinco mejores artistas de country con más transmisiones desde 2015. Fue número uno en 2017 y 2018.
Desde el lanzamiento en 2015, la lista de reproducción acumula 6 millones de seguidores y más de 5 mil millones de transmisiones.
Estas cifras, sin dudas, la convierten en una de las listas más influyentes (o la de más influencia) de la música country.
En un comunicado Spotify expresó la satisfacción por la forma en que se recibieron sus esfuerzos por enfrentar los difíciles tiempos de la pandemia.
Ellos incluyeron desde la organización de reuniones hasta la nueva serie llamada The Drop In (con participación de estrellas del country como Tim McGraw y Morgan Wallen).
Las cifras de Spotify ilustran la forma en que la música country enfrentó el golpe recibido con el cierre de salas de conciertos y bares y la suspensión de giras y conciertos.
Imagen: Paul Brennan, Pixabay
Música country vs Pandemia
Algunos expertos estiman que el éxito en esos ámbitos retrasó la participación de este género musical en las opciones abiertas por los cambios tecnológicos. A diferencia de otros como el hip-hop y el pop que se adpataron más rapidamente.
Ahora curiosamente la música country es uno de los géneros que más ha crecido con las nuevas condiciones de la industria.
Según los datos de RC Data / Nielsen Music la música country creció 15,8% en los servicios de streaming. La cifra es muy superios al promedio general que es inferior al 3%.
Pareciera que algunos amantes del género que desdeñaban las plataformas de transmisión. Pero ahora se unieron a la corriente para escuchar su música favorita en el aislamiento, con teatros y bares cerrados.
«En parte, lo que estamos viendo es la progresión natural de los fanáticos del country que comienzan a ponerse al día con estos otros formatos, y el mercado country tenía mucho que ponerse al día», dijo Melinda Newman, editora ejecutiva de West Coast y Nashville de Billboard a la revista Time.
Músicos country no solo son de los primeros en re-aparecer en Estados Unidos en shows en vivo con nuevas reglas para garantizar el distanciamiento social. También aprovechan opciones como los conciertos virtuales con propina.
Sin tener en cuenta que sin las agotadoras giras y las noches de trabajo a diario los músicos están creando más.
MusicAdictus / Foto principal: Quim Muns de Pixabay
Lovers Rock, el filme reggae de Steve McQueen
Los amantes del reggae recibieron en el 2020 el regalo de “Lovers Rock”, película de Steve McQueen que tiene como banda sonora (y título) ese subgénero romántico del reggae.
La cinta, en Amazon Prime desde el 22 de noviembre, es parte de la serie “Small Axe”, de McQueen centrada en la comunidad negra del Reino Unido entre los años 60 y 80 del siglo XX.
Los productores describen la película como una oda al género de reggae romántico llamado «Lovers Rock» (acuñado así en Inglaterra) y a la juventud que encontró la libertad y el amor en su sonido.
Este filme está protagonizado por Michael Ward (Top Boy) y Amarah-Jae St. Aubyn. Narra una historia ficticia centrada en la escapada de la joven Martha ( Amarah-Jae St. Aubyn) para asistir a una fiesta de sábado por la noche en Londres.
Pero quizás lo más importante para los adictos a la música sea su banda sonora, llena de ritmos sensuales de reggae.
Algunos ejemplos que destacan: “Caught You In A Lie” de Louisa Mark y “Silly Games” de Janet Kay.
Celebración de la música
Un dato curioso de “Silly Games” es que cuando se termina de oír en la fiesta esa canción los participantes la cantan a capella durante cinco minutos.
En un comunicado McQueen explicó que esa versión a capella no fue planeada.
“Para mí, eso fue una parte esencial de esa fiesta.
Se trataba de ese tipo de liberación, esa libertad, esa desnudez espiritual. Eso es lo que quería ver. Eso no se ve mucho en el cine, que los negros tengan esa total y absoluta falta de inhibición», opinó el cineasta.
Para ver el trailer de Lovers Rock pinche aquí.
Es muy probable que para muchos jóvenes esta historia es nueva (quizás también como algunas canciones de la banda sonora).
Se trata de una época de tensiones raciales en el Reino Unido, en el cual las fiestas jugaron un papel de escape para la comunidad caribeña.
Pero más allá de eso “Lovers Rock” viene a ser una celebración de la música y su poder liberador para el ser humano en momentos difíciles.
Lovers Rock, reggae sensual y romántico
McQueen asegura que se basó en su propia experiencia en las llamadas fiestas de blues de las Indias Occidentales al escribir esta historia ficticia, junto a la novelista Courttia Newland.
La propia Courtian reveló que también asimiló historias contadas por su tía, a quien no le permitían ir a estas fiestas, pero se escapaba. Y regresaba temprano en la mañana para asistir a la ceremonia religiosa del domingo.
Aunque se trata de una historia del siglo pasado, la vigencia de la tensión racial le da una actualidad explosiva.
Pero hablando de música, la película brinda una oportunidad dorada para los más jóvenes de acercarse a canciones como Silly Games o Caught you in a lie.
La banda sonora recoge parte de la historia del reggae, una parte sensual y romántica de la música que no puede pasar de moda y no solo en el reggae. ¡Ojalá! ROBIN HOOD by Cry Tuff & The Originals
Algunas canciones de la banda sonora de Lovers Rock
- ROBIN HOOD by Cry Tuff & The Originals
- HOW LONG WILL IT TAKE by Pat Kelly
- DARLING OOH by Errol Dunkley
- HE’S THE GREATEST DANCER by Sister Sledge
- KUNG FU FIGHTING by Carl Douglas
- THINGS IN LIFE by Dennis Brown
- AFTER TONIGHT by Junior English
- LONELY GIRL by Barry Biggs
- BABY MY LOVE by The In Crowd
- SILLY GAMES by Janet Kay
- KEEP IT LIKE IT IS by Louisa Mark
- MINSTRAL PABLO by Augustus Pablo
- KUNTA KINTA DUB by The Revolutionaries
- DREADLOCKS IN MOONLIGHT by Lee “Scratch” Perry
- HAVE A LITTLE FAITH by Nicky Thomas
MusicAdictus / Imagen: toma del trailer de Lovers Rock
Bebo Valdés Con Poco Coco (y mucho piano)
Se dice que “Con Poco Coco”, del pianista Bebo Valdés es la primera “jam session” o “descarga” de AfroCubanJazz grabada en un estudio en Cuba.
La primera versión de este número se grabó en 1952, al parecer durante los últimos minutos de un tiempo rentado en un estudio habanero.
Concluidos los temas que querían grabar Bebo y sus amigos del cabaret Tropicana uno de los músicos comenzó a tocar un tumbao al que se fueron sumando los demás. Para esa grabación la banda se hizo llamar Andre’s All Stars.
Y esta es una de las características prodigiosas del jazz: la improvisación. Uno de los músicos comienza a marcar con su inspiración y los demás se unen tan magistralmente como sea su talento.
Y aquellos músicos de Bebo eran talentosos hasta las lágrimas.
Esta pieza es el cierre de «El Cajón de Bebo», un disco fabuloso que dejará 2020, aunque quizás pasó bajo el radar de muchos.
Los descartes de Bebo Valdés
El disco incluye 14 temas de Bebo Valdés producidos por el sello Calle 54 del cineasta y productor español Fernando Trueba y distribuido por Universal Music de España.
Anteriormente Trueba produjo 8 discos de Bebo. El cineasta lo incluyó asimismo en sus filmes “Calle 54, El embrujo de Shanghai, El milagro de Candeal y Chico y Rita.
Esa colaboración dejó como resultado 3 premios Grammy y 6 Grammy latinos, además del inefable placer para los amantes del jazz de disfrutar la obra de este pianista que por poco se pierde en el olvido.
Puede decirse que «El Cajón de Bebo» incluye descartes del álbum “Bebo”, varias de ellas porque no eran de autores cubanos como se diseñó ese disco. Las piezas fueron grabadas en 2003 y 2004.
En ocasión del lanzamiento Trueba explicó que consideró injusto mantener engavetados esos temas de gran valor musical.
Entre las pistas está el Willow Weep for Me, de Ann Ronell, que encabeza el disco con el título de Americana; Cavatina de Stanley Myers, de la banda sonora de “The Deer Hunter” y “Old Man River” de Jerome Kern.
“Cuando salí de La Habana, válgame Dios…”
También se incluye la versión con el cantaor español Enrique Morente de “Caminito” hecha para la película “La silla”, de Fernando Trueba y el bolero “Cómo fue”, grabado durante la realización del filme animado “Chico y Rita”.
La versión que aparece de “Con poco coco” fue grabada durante la filmación de “El Milagro de Candeal”. La pieza cuenta con la participación de otro pianista cubano de leyenda desaparecido tempranamente: Emiliano Salvador.
Entre las verdaderas joyas del disco están las interpretaciones solo al piano de Bebo de los compositores cubanos, Ignacio Cervantes, Ernesto Lecuona, Manuel Saumell y José White.
Y otra pieza para no olvidar: “La paloma” del español Sebastián de Iradier: “Cuando salí de La Habana, válgame Dios…”
Un punto y aparte es la interpretación del bolero “Como fue” de Ernesto Duarte Brito, hecho mágico e inmortal por el cantante cubano Benny Moré.
En resumen, un disco que le puede hacer olvidar la pandemia, la tristeza y la amargura y otras emociones que a veces enturbian el alma. Aunque quizás en algunos aliente la añoranza, lo que de todas formas no es necesariamente negativo.
A veces cuando nos atacan esas alteraciones de ánimo es mejor enfrentarlas “con poco coco”, es decir en cubano “sin pensar mucho”.
Pero en este caso, con el talento del magnífico Bebo Valdés.
El Cajón de Bebo es:
- Americana (Ann Ronell)
- Old Man River (Jerome Kern)
- Laura (David Raskin)
- Cavatina (Stanley Myers)
- Rareza del Siglo (Bebo Valdés)
- La Paloma (Sebastían Yradier)
- Guajira (Bebo Valdés)
- Como fue (Ernesto Duarte)
- Caminito (Juan de Dios Filiberto)
- Americana (Toma-2)
- Old Man River (Toma-2)
- La Holandesa Desconocida (Bebo Valdés)
- La Holandesa Desconocida (Toma-2)
- Con Poco Coco (Bebo Valdés)
MusicAdictus 