Como si no presintiera el futuro inmediato 2020 abrió para el rock con todo ímpetu con nuevos y antiguos éxitos en pleno apogeo.
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Lovers Rock, el filme reggae de Steve McQueen
Los amantes del reggae recibieron en el 2020 el regalo de “Lovers Rock”, película de Steve McQueen que tiene como banda sonora (y título) ese subgénero romántico del reggae.
La cinta, en Amazon Prime desde el 22 de noviembre, es parte de la serie “Small Axe”, de McQueen centrada en la comunidad negra del Reino Unido entre los años 60 y 80 del siglo XX.
Los productores describen la película como una oda al género de reggae romántico llamado «Lovers Rock» (acuñado así en Inglaterra) y a la juventud que encontró la libertad y el amor en su sonido.
Este filme está protagonizado por Michael Ward (Top Boy) y Amarah-Jae St. Aubyn. Narra una historia ficticia centrada en la escapada de la joven Martha ( Amarah-Jae St. Aubyn) para asistir a una fiesta de sábado por la noche en Londres.
Pero quizás lo más importante para los adictos a la música sea su banda sonora, llena de ritmos sensuales de reggae.
Algunos ejemplos que destacan: “Caught You In A Lie” de Louisa Mark y “Silly Games” de Janet Kay.
Celebración de la música
Un dato curioso de “Silly Games” es que cuando se termina de oír en la fiesta esa canción los participantes la cantan a capella durante cinco minutos.
En un comunicado McQueen explicó que esa versión a capella no fue planeada.
“Para mí, eso fue una parte esencial de esa fiesta.
Se trataba de ese tipo de liberación, esa libertad, esa desnudez espiritual. Eso es lo que quería ver. Eso no se ve mucho en el cine, que los negros tengan esa total y absoluta falta de inhibición», opinó el cineasta.
Para ver el trailer de Lovers Rock pinche aquí.
Es muy probable que para muchos jóvenes esta historia es nueva (quizás también como algunas canciones de la banda sonora).
Se trata de una época de tensiones raciales en el Reino Unido, en el cual las fiestas jugaron un papel de escape para la comunidad caribeña.
Pero más allá de eso “Lovers Rock” viene a ser una celebración de la música y su poder liberador para el ser humano en momentos difíciles.
Lovers Rock, reggae sensual y romántico
McQueen asegura que se basó en su propia experiencia en las llamadas fiestas de blues de las Indias Occidentales al escribir esta historia ficticia, junto a la novelista Courttia Newland.
La propia Courtian reveló que también asimiló historias contadas por su tía, a quien no le permitían ir a estas fiestas, pero se escapaba. Y regresaba temprano en la mañana para asistir a la ceremonia religiosa del domingo.
Aunque se trata de una historia del siglo pasado, la vigencia de la tensión racial le da una actualidad explosiva.
Pero hablando de música, la película brinda una oportunidad dorada para los más jóvenes de acercarse a canciones como Silly Games o Caught you in a lie.
La banda sonora recoge parte de la historia del reggae, una parte sensual y romántica de la música que no puede pasar de moda y no solo en el reggae. ¡Ojalá! ROBIN HOOD by Cry Tuff & The Originals
Algunas canciones de la banda sonora de Lovers Rock
- ROBIN HOOD by Cry Tuff & The Originals
- HOW LONG WILL IT TAKE by Pat Kelly
- DARLING OOH by Errol Dunkley
- HE’S THE GREATEST DANCER by Sister Sledge
- KUNG FU FIGHTING by Carl Douglas
- THINGS IN LIFE by Dennis Brown
- AFTER TONIGHT by Junior English
- LONELY GIRL by Barry Biggs
- BABY MY LOVE by The In Crowd
- SILLY GAMES by Janet Kay
- KEEP IT LIKE IT IS by Louisa Mark
- MINSTRAL PABLO by Augustus Pablo
- KUNTA KINTA DUB by The Revolutionaries
- DREADLOCKS IN MOONLIGHT by Lee “Scratch” Perry
- HAVE A LITTLE FAITH by Nicky Thomas
MusicAdictus / Imagen: toma del trailer de Lovers Rock
Bebo Valdés Con Poco Coco (y mucho piano)
Se dice que “Con Poco Coco”, del pianista Bebo Valdés es la primera “jam session” o “descarga” de AfroCubanJazz grabada en un estudio en Cuba.
La primera versión de este número se grabó en 1952, al parecer durante los últimos minutos de un tiempo rentado en un estudio habanero.
Concluidos los temas que querían grabar Bebo y sus amigos del cabaret Tropicana uno de los músicos comenzó a tocar un tumbao al que se fueron sumando los demás. Para esa grabación la banda se hizo llamar Andre’s All Stars.
Y esta es una de las características prodigiosas del jazz: la improvisación. Uno de los músicos comienza a marcar con su inspiración y los demás se unen tan magistralmente como sea su talento.
Y aquellos músicos de Bebo eran talentosos hasta las lágrimas.
Esta pieza es el cierre de «El Cajón de Bebo», un disco fabuloso que dejará 2020, aunque quizás pasó bajo el radar de muchos.
Los descartes de Bebo Valdés
El disco incluye 14 temas de Bebo Valdés producidos por el sello Calle 54 del cineasta y productor español Fernando Trueba y distribuido por Universal Music de España.
Anteriormente Trueba produjo 8 discos de Bebo. El cineasta lo incluyó asimismo en sus filmes “Calle 54, El embrujo de Shanghai, El milagro de Candeal y Chico y Rita.
Esa colaboración dejó como resultado 3 premios Grammy y 6 Grammy latinos, además del inefable placer para los amantes del jazz de disfrutar la obra de este pianista que por poco se pierde en el olvido.
Puede decirse que «El Cajón de Bebo» incluye descartes del álbum “Bebo”, varias de ellas porque no eran de autores cubanos como se diseñó ese disco. Las piezas fueron grabadas en 2003 y 2004.
En ocasión del lanzamiento Trueba explicó que consideró injusto mantener engavetados esos temas de gran valor musical.
Entre las pistas está el Willow Weep for Me, de Ann Ronell, que encabeza el disco con el título de Americana; Cavatina de Stanley Myers, de la banda sonora de “The Deer Hunter” y “Old Man River” de Jerome Kern.
“Cuando salí de La Habana, válgame Dios…”
También se incluye la versión con el cantaor español Enrique Morente de “Caminito” hecha para la película “La silla”, de Fernando Trueba y el bolero “Cómo fue”, grabado durante la realización del filme animado “Chico y Rita”.
La versión que aparece de “Con poco coco” fue grabada durante la filmación de “El Milagro de Candeal”. La pieza cuenta con la participación de otro pianista cubano de leyenda desaparecido tempranamente: Emiliano Salvador.
Entre las verdaderas joyas del disco están las interpretaciones solo al piano de Bebo de los compositores cubanos, Ignacio Cervantes, Ernesto Lecuona, Manuel Saumell y José White.
Y otra pieza para no olvidar: “La paloma” del español Sebastián de Iradier: “Cuando salí de La Habana, válgame Dios…”
Un punto y aparte es la interpretación del bolero “Como fue” de Ernesto Duarte Brito, hecho mágico e inmortal por el cantante cubano Benny Moré.
En resumen, un disco que le puede hacer olvidar la pandemia, la tristeza y la amargura y otras emociones que a veces enturbian el alma. Aunque quizás en algunos aliente la añoranza, lo que de todas formas no es necesariamente negativo.
A veces cuando nos atacan esas alteraciones de ánimo es mejor enfrentarlas “con poco coco”, es decir en cubano “sin pensar mucho”.
Pero en este caso, con el talento del magnífico Bebo Valdés.
El Cajón de Bebo es:
- Americana (Ann Ronell)
- Old Man River (Jerome Kern)
- Laura (David Raskin)
- Cavatina (Stanley Myers)
- Rareza del Siglo (Bebo Valdés)
- La Paloma (Sebastían Yradier)
- Guajira (Bebo Valdés)
- Como fue (Ernesto Duarte)
- Caminito (Juan de Dios Filiberto)
- Americana (Toma-2)
- Old Man River (Toma-2)
- La Holandesa Desconocida (Bebo Valdés)
- La Holandesa Desconocida (Toma-2)
- Con Poco Coco (Bebo Valdés)
Latin Grammy 2020, grandes aunque diferentes
La gran noche de los Latin Grammy de 2020 fue diferente por varios motivos, el primero que prescindió del público «en vivo», de la majestuosa alfombra habitual e hizo presentaciones que ya estaban grabadas pero resultaron «como siempre» de alta calidad.
La pandemia mundial que azota nuevamente con fuerza en Estados Unidos y Europa fue la «culpable» de los cambios.
Por otra parte, la profesionalidad de los premiados logró el atractivo necesario para el espectáculo. Muchos medios de prensa consideraron la noche transmitida de punta a cabo un buen momento para la música latina.
La mexicana Natalia Lafourcade, con su brillo de cantante sin olvidar que es compositora, productora musical, arreglista, diseñadora, filántropa y hasta activista se llevó el espectáculo.
Cultivadora de varios géneros como el Pop rock, el Rock latino, la música tradicional, el Bossa nova y el Rock alternativo obtuvo tantos frutos como los que cultiva.
Entre otros estuvo los premios Grammy Latino, al Álbum del año, Premio Billboard a la mejor canción mexicana, y a la Mejor Canción Alternativa.
Vimos a Lafourcade en pantalla, pero solo era su imagen grabada porque no asistió al espectáculo. Su canción regional Mi Religión mereció totalmente el premio Grammy.
La noche de los ganadores múltiples entregaron a Residente, con «René» el galardón a la mejor canción del año y la mejor de rap / hip-hop por «Antes Que El Mundo Se Acabe».
Otras cosas, inesperadas, en la entrega de premios
J Balvin y Bad Bunny, que llegaron al escenario con 13 nominaciones cada cual, regresaron a casa con un premio cada uno. El reggaetón “Yo Perreo Sola” salvo la honrilla de Bunny y «Colores» la de Balvin.
Durante este Grammy ciertamente extraño un tema que entró al escenario fue el de las protestas de Black Lives Matters. Patética, la imagen de George Floyd estuvo en el espectáculo mientras que Balvin interpretó su canción «Rojo» («Red»).
Pitbull llenó la atmósfera musical del Latin Grammy con “I Believe That We Will Win” junto a Balvin, inspiradora cuando fue estrenada a inicios de la pandemia.
Karol G, vino con cuatro nominaciones y se fue sin premios. Al puertorriqueño Anuel AA, que tuvo varias nominaciones también le pasó lo mismo.
Alejandro Sanz, ganó gracias a “Contigo” una canción de homenaje a Joaquín Sabina.
Ricky Martin ganó el premio al mejor álbum vocal pop por “Pausa” y Chiquis, hija de la fallecida cantante Jenny Rivera, ganó el premio al mejor álbum de banda con «Playlist».
No pudo pedirse más a esta fiesta especial, diferente.
Algunos galardones:
Grabación del Año
«Contigo» — Alejandro Sanz –
Álbum del año
Un Canto Por México, Vol. 1 — Natalia Lafourcade
Canción del año
«René» — Residente, songwriter (Residente)
Mejor Álbum Vocal Pop
Pausa — Ricky Martin
Mejor Interpretación del Reggaetón (nueva categoría)
«Yo Perreo Sola» — Bad Bunny
Mejor Álbum de Rock
“Dónde Jugarán Lxs Niñxs? – Molotov
Mejor canción de Rock
“Biutiful” – Mon Laferte, songwriter (Mon Laferte)
Categoría Tropical, el Mejor Album de Salsa
40 – Grupo Niche
Mejor Album Tropical Tradicional
Ícono – Orquesta Aragón
Mejor Canción Tropical
Canción Para Rubén” – Rubén Blades & Carlos Vives, songwriters (Carlos Vives & Rubén Blades)
Mejor Álbum Ranchero/Mariachi
Hecho en México — Alejandro Fernández
Mejor Latin Jazz/Jazz Album
Puertos: Music from International Waters – Emilio Solla Tango Jazz Orchestra
Joe Bonamassa, el hombre guitarra al cine
Joe Bonamassa ya tiene su documental: «Guitar Man», en plataformas de transmisión desde el 8 de diciembre de 2020.
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Los hoteles musicales llegan a Latinoamérica
Los hoteles musicales llegan a América Latina con el proyectado complejo Arena del Río en Barranquilla.
El complejo urbano que nacerá en la costa caribeña de Colombia abarca un estadio multifuncional para 50,000 invitados, césped móvil retráctil, 3 auditorios, un club con 17 salones de eventos y una piscina semi-olímpica.
Y como una atracción ideal para el turismo mundial operará el primer hotel musical de la región de 500 habitaciones con el concepto de UMusicHotels.
El «primer sitio de desarrollo del entretenimiento totalmente integrado de América Latina,” es como se describe actualmente el proyecto por sus creadores.
El proyecto incluye un museo de música y deportes y un parque de realidad virtual. En total son 100 apartamentos, 120 oficinas, 100 locales comerciales diversos, bares, clubes, restaurantes y una marina de 4 puertos.
Arena del Rio se ha diseñado para ser un punto de encuentro del turismo tanto nacional como internacional en torno a la música. También de las culturas locales en este caso las que coexisten en Baranquilla.
El objetivo es el surgimiento de un destino mundial para «reunir» lo mejor en música mundial. Sin olvidar los deportes, negocios, cine, gastronomía y nuevos formatos creativos.
«Es un sueño relacionado con las ciudades inteligentes», explicó un análisis al respecto publicado en Colombia. La concepción es sorprendente, especialmente los hoteles UMUSIC cuyo diseño está inspirado en la cultura musical universal.
Uno de los creadores del colombiano Arena del Rio, Robert Lavia, presidente de la firma Dakia U-Ventures LLC, estimó que «cada destino tiene una gran historia que espera ser contada a través del patrimonio cultural y musical».
Hoteles musicales, el concepto
Universal Music Group (UMG), líder mundial en entretenimiento musical y Dakia U-Ventures, grupo de inversión de impacto en entretenimientoson, son los fundadores de UMUSIC Hotels.
La empresa es descrita como una nueva colección global de propiedades hoteleras experimentales basada en la música.
Los hoteles «musicales» ya son innovadores y populares, según expertos.
Estos alojamientos ya son utilizados por la firma hotelera Hard Rock. La empresa opera el primero de su tipo en Londres, exactamente en la intersección de dos avenidas famosas: Oxford Street y Park Lane.
En otro sector londinense muy conocido, el West End. Ya se hicieron los proyectos para un «hotel boutique» de ese perfil, inspirado en «el lugar de nacimiento de la escena musical británica».
Grandes ciudades por el mundo ya proyectan hoteles musicales todos basados en culturas locales.
Se aspira a que sirvan como centros creativos en las comunidades, promoviendo la cohesión social y las búsquedas innovadora en la música.
Quienes sueñan con un turismo «distinto» más social y de bienestar tras la pandemia mundial, observan estos proyectos con interés.
«Pueden cooperar con la idea de tomar la música y el turismo,dos grandes atractivos del ocio humano, como instrumentos para desarrollar las ciudades inteligentes y apoyar el desarrollo cultural de localidades», comentó uno de ellos,
Gibson recrea 2 guitarras míticas de Jimmi Hendrix
Gibson anunció el lanzamiento de dos recreaciones de sus guitarras para homenajear a uno de los mejores músicos de la Historia: la Jimi Hendrix ™ 1967 SG Custom en Aged Polaris White y la Jimi Hendrix ™ 1969 Flying V en Aged Ebony.
La empresa afirmó que las guitarras recrean con fidelidad las utilizadas por Hendrix, innovador del sonido al combinar fuzz, feedback y distorsión controlada.
Los 3 modelos fueron hechos a mano por los luthiers y artesanos del Murphy Lab, creado en 2019 por Gibson para fabricar guitarras históricas con precisión, incluyendo golpes y marcas de desgaste.
El taller es una división de la Gibson Custom Shop de Nashville, Tennessee. Está dirigida por el artesano Tom Murphy, quien se unió a la empresa precisamente para dirigir ese trabajo.
Jimi Hendrix ™ 1969 Flying V en ébano envejecido
Un detalle curioso es que la famosa Flying V de 1969 encargada directamente a Gibson por Hendrix viene en su versión original para zurdos y también en una recreación para diestros.
Gibson recrea la guitarra original de la época de Band of Gypsys. Fué utilizada por Hendrix en su actuación en el Festival Isle of Wight el 31 de agosto de 1970.
Cuenta con un acabado en ébano envejecido, así como herrajes de oro envejecido. Solo se crearán 125 guitarras para diestros y 25 para zurdos como parte de esta serie especial.
El Certificado de autenticidad de la guitarra incluye una imagen de Hendrix actuando en la Isla de Wight con el Flying V.
Jimi Hendrix ™ 1967 SG Custom en blanco polaris envejecido
Es una recreación de la SG Custom de 1967 para diestros (con cuerdas colocadas para zurdos). Hendrix la tocó en The Dick Cavett Show el 9 de septiembre de 1969.
Esta SG Custom cuenta con un acabado en Polaris White y herrajes de oro envejecido.
Solo se crearán 150 guitarras como parte de esta edición tan especial que Gibson recrea.
El Certificado de autenticidad de la guitarra incluye una imagen de Hendrix actuando en The Dick Cavett Show con el SG.
Todas las guitarras de los 3 modelos de la serie tienen un precio de 9,999 dólares. Vienen con copias de archivo de Hendrix firmadas por el ingeniero y productor Eddie Kramer.
MusicAdictus / Fotos: Gibson.com
Emily Rose, la nueva rosa del country music
Emily Rose no es solo una linda promesa del country music. Su éxito es casi tan fresco como el rocío matutino sobre una rosa. Y ya los expertos la describen como el próximo «orgullo» de ese estilo
«Es una cantante de country retro y jangly, que se centra en el verdadero valor de las canciones en las que cree» es una opinión resumida sobre Emily Rose de especialistas.
Para Gavin Oak , quien hizo una entrevista reciente para la revista Country Now la chica es «el próximo orgullo» de la modalidad musical.
Su debut ocurrió en 2019 con «My Way Home«, a través del sello Growing Rose Recording Company, distribuido por Symphonic.
Es una canción como ella misma. Mezcla la energía única de las guitarras que no solo la acompañan, sino que se fusionan con su voz firme de adolescente.
Hoy esta muchacha logra el ascenso con este y otros sencillos. Es lo que ha logrado con “Games People Play» de Joe South, «Go to the Moon» y «Oye niño».
Emily Rose canta desde que tiene memoria
«Honestamente, el lugar donde crecí era un poco rural. Crecí rodeada de granjas, así que nuestro condado tenía eso, y todos en mi círculo escuchaban música country, lo que ha conmocionado a mucha gente», le dijo a Oak.
Su EP titulado, The Heart concluyó la tarea de lanzar a los escenarios a Rose que además de cantante escribe las canciones.
The Heart es una credencial importante. Fue lanzado el 23 de octubre con seis pistas, todas escritas y coproducidas por Rose.
La revista Country Now hace un registro de Emily Rose como una presentación de la artista
Le hizo varias confesiones. La primera es que ha estado cantando desde que tiene memoria. Con su rostro aún de niña confiesa que actuó por vez primera para una audiencia en vivoe n el jardín de infantes.
Pero ya camina francamente hacia la madurez musical, aunque aún tenga la frescura latente de la juventud. Vive en Nashville, la cuna y modelo del country music.
Sonido Nashville en The Heart
La chica se las arregla para lograr el famoso sonido Nashville al que muchos llaman de countrypolitan. En las canciones que he escuchado de Emily Rose el sonido Nashville no se oculta sino que está más bien latente.
De alguna manera hace notar el ambiente de la década de 1950 cuando en Nashville fue desplazado el Honky Tonk, el sonido más popular en las décadas de 1940. Ella graba su propia música.
The Heart habrá que escucharla con el corazón. Es una balada lenta en la cual la voz de Rose se hace necesaria e inconfundible. En una palabra: única.
«Siento que normalmente escribo por experiencia personal. No soy buena evocando fantasías o escenarios falsos», confesó en su entrevista.
Y ha logrado enfrentar con éxito la pandemia, aún en la calle. Afirmó que ha trabajado desde un distanciamiento social promoviendo individualmente sus proyectos.
Entró en el socorrido mundo virtual. Y espera intervenir en un primer festival a fines de noviembre.
¿Qué espera para el resto de 2020? Su fin es tan sencillo y tan de alcance como su voz y su música. Seguir creciendo en el seno de su música y conectarse con sus seguidores.
MusicAdictus / Foto principal: EmilyRose.com
Carmen DeLeón, reggaetón sin sobresexo
Carmen DeLeón es una de esas cantantes que sin abandonar la picardía, canta un reggaetón que dejan algo para la imaginación.
Esto se agradece en la música urbana latinoamericana, lastrada muchas veces por la pobre inspiración literaria (por decirlo de algún modo).
Venezolana de 19 años de edad, residente en Los Ángeles, se dio a conocer en “The Voice” en España con su nombre de pila, Carmen Pendones.
En el verano de 2020 firmó con Capitol Music Group y Universal Music Latin Entertainment.
En agosto del mismo año lanzó su single “Volverás”, producido por el puertorriqueño Tainy, conocido en el ambiente del reggaetón y el trap.
La canción fue escrita por ella y Andy Clay, compositor y productor cubano radicado en Miami. Clay ha colaborado con Farruko, Karol G, CNCO, Prince Royce, Sebastian Yatra, Piso 21, Juanes y Marc Anthony, entre otros.
Con estrofas como “Que cayeras en tu propia trampa Que bebieras de tu propio vino / Y no es que yo buscara venganza, ese es el destino, yo te lo digo”, demuestra que se puede hacer música urbana sin caer en rimas que obligan a tapar los oídos a los menores de edad.
Carmen DeLeón, un material desarmador
Recientemente Billboard Latin la incluyó en su First Stream Latin, una recopilación de las mejores canciones, álbumes y videos latinos nuevos recomendados por los editores de esa revista.
La reseña asegura que “Carmen DeLeón atrajo la atención inicial cantando versiones, pero su material original es desarmador”.
Se refiere en particular a la canción “Juegas” (Universal Music Latino) en colaboración con elcolombiano Feid, que considera un encantador reggae / pop de tempo medio acompañado de un video con toneladas de actitud que no necesita caer en imágenes sobreexualizadas para ser efectivo.
En ese ambiente a golpe de reggaeton canta: «Cuando yo te encontré /Supe que eras la persona que yo soñé /No hizo falta una palabra /Tan solo una mirada /Pa’ saber”
Ha vivido en Venezuela, Barcelona, México y Los Ángeles, Estados Unidos, donde reside actualmente.
Si se juzga por “Volverás” y “Juegas”, y sigue ese camino, se trata de una cantante urbana que se podrá seguir escuchando.
¿Por qué aún se escucha al inmortal Bob Marley?
Bob Marley, con sus canciones sencillas pero con un poder emotivo, complejo y radiante es inmortal.
Y los inmortales comienzan por ser una leyenda. Es lo que indica el álbum Legend de Bob Marley que llegó a su su 44 semana en el número 1 de la lista de Reggae de Billboard.
Legend contiene una esencia de todo lo que brindó el artista de Jamaica a quienes ven en la música un arte mayor.
Podría calificarse esa grabación de los grandes éxitos de Bob Marley and the Wailers lanzado el 8 de mayo de 1984 como una muestra de su obra.
Contiene catorce de las canciones más recordadas, entre ellas diez de las 11 del top 40 en el Reino Unido de todos los tiempos.
Legend, las credenciales de Bob Marley
Marley murió el 11 de mayo de 1981. Pero su carrera como músico, guitarrista y compositor se alejó cada vez más desde entonces de la extinción con una magia particular.
Legend ha perdurado en las listas musicales universales 992 semanas no consecutivas.
Hasta septiembre de 2013 Billboard la incluyó por 285 semanas no consecutivas. Hasta diciembre de 2017 fueron vendidas 33 millones de copias en el mundo y en especial en Estados Unidos.
Más de 3,3 millones de esas copias comercializadas en el Reino Unido llevaron al álbum a convertirse en el decimosexto más vendido de todos los tiempos en ese país.
Son credenciales más bien frías. Lo realmente fantástico de Marley es que los amantes del reggae y en general de la música popular lo identifican, no importa las edades ni el género, cuando escuchan sus canciones en cualquier lugar.
Jackie Ramirez, Pixabay
No Woman No Cry
«Eso me pasa con frecuencia cuando escucho en algún lugar público «No Woman no Cry», contó a MusicAdictus un joven universitario europeo.
«Me pasa así con otras de las canciones de Marley, pero Woman… es esencial en mi repertorio», reconoció. «No Woman, No Cry» es una canción que alcanzó la fama en 1974, como parte del álbum Natty Dread.
La versión en directo fue editada en el álbum Live!, en 1975 y fue incluída entre los grandes éxitos recopilados por Legend, qque tuvo una nueva versión en 1990.
No Woman no Cry, con su estribillo puede parecer una pieza simple. Marley elevó su valor con una elocuente opinión en su lírica.
No, woman, no cry.
«Cause—’cause—’cause I remember when a we used to sit
(«Porque … porque … porque recuerdo cuando solíamos sentarnos)
In a government yard in Trenchtown,
En un patio del gobierno en Trenchtown,
Ob—observing the hypocrites.
Ob: observando a los hipócritas.
El inmortal Bob Marley, la legenda
La segunda edición mantuvo la duración original, aunque la edición de entonces en formato de casete se agregaron dos canciones, «Punky Reggae Party» y «Easy Skanking».
En 2003, el álbum ocupó el puesto 46 en la lista de la revista Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, manteniendo la calificación en una lista revisada de 2012.
Legend ha sido distinguido como el segundo álbum de la historia de la revista Billboard. Y como todo inmortal Marley aún levanta polémicas por lo que algunos llaman como su «radicalismo» político.
Algún especialista ha colocado a Legend en medio de la polémica al escribir que sus canciones fueron escogidas deliberadamente «para atraer al público blanco».
Pero Marley es inmortal y sus canciones llegan al alma de cualquier ser humano sin que importe el color de su piel.
Keith Richards: nuestro I Wanna Be Your Man fue mejor
Contrario a las disputas de la década de 1960 (y posterior) a partir de la pregunta ¿Quiénes son los mejores, Beatles o Rolling Stones? los músicos de ambas bandas mantuvieron una relación amistosa. Keith Richards acaba de confirmarlo.
Seguir leyendo Keith Richards: nuestro I Wanna Be Your Man fue mejor
Cándido Camero, latin jazz con manos de fuego
Cándido Camero, uno de los pioneros del jazz latino en Estados Unidos, murió el 7 de noviembre de 2020 a los 99 años de edad.
El nieto de Camero, Julian, le dijo a WBGO, estación miembro de NPR, que el músico cubano conocido por introducir el estilo de las 3 congas murió pacíficamente en su casa en Nueva York.
Camero comenzó a actuar en orquestas de baile y jazz estadounidenses desde 1946 cuando llegó al país con el equipo de baile “Carmen y Rolando”.
Luego pasó a integrar la orquesta de Billy Taylor. En 1954 Taylor dijo: «No he escuchado a nadie que se acerque siquiera al maravilloso equilibrio entre jazz y elementos cubanos que Cándido demuestra».
A principios de la década de 1950 recorrió Estados Unidos con la Orquesta Stan Kenton, con quien y apareció en programas de televisión como Ed Sullivan Show y Jackie Gleason Show.
También colaboró con artistas como Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Billy Taylor, Tony Bennett, Charles Mingus, Wes Montgomery, Gerry Mulligan, Sonny Rollins.
Integró asimismo las orquestas de Tito Puente y Machito.
Actuó por última vez en diciembre de 2019 en Nueva York, a pocos meses de cumplir sus 99 años.
Aunque en sus inicios en La Habana tocó también el bajo y el tres (guitarra folklórica cubana), hizo su carrera profesional con la percusión.
Cándido Camero y su batería de congas
Tocó en las orquestas de la estación radial CMQ y del cabaret Tropicana de la capital de Cuba.
Ya en Nueva York se dio a conocer por su peculiar estilo, entonces, de tocar varios tambores a la vez.
NPR recordó que en una entrevista con el músico Bobby Sanabria en 1996, Camero explicó como desarrolló esa técnica.
Dijo que en una ocasión fue contratado para actuar en Nueva York con una revista de música y danza cubana popular que no tenía presupuesto para todos los músicos.
La necesidad le llevó entonces a tocar todas las partes de la batería primero con 2 tambores y luego con 3.
Después aprendió a afinar cada tambor para tocar melodías. Finalmente se hizo famoso por introducir la batería de congas en el Jazz.
Recibió los premios Latin Jazz USA Lifetime Achievement Award (2001), un premio especial de la Sociedad Estadounidense de Compositores, Autores y Editores como «Leyenda del Jazz» (2005). También el National Endowment For the Arts Jazz Masters (2008) y un Grammy Lifetime Achievement (2009).
En 2006 su vida artística fue llevada al cine en el documental “Candido: Hands of Fire” dirigido por el realizador Iván Acosta.
La película de 68 minutos se centra en su contribución a la música cubana, el jazz americano y el jazz latino.
MusicAdictus / Imágen: Video Candido Camero’s Conga Solo at The NAMM Show (2013)
MusicAdictus 