Por supuesto que la primera evocación cuando escuchamos el nombre de Charlie Watts, son los Rolling Stones, la banda con la que ganó reconocimiento y popularidad, tocando la batería de 1963, hasta su muerte en 2021. Pero su versatilidad fue mayor que eso.
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Robby Krieger, guitarrista de Doors, lanza disco de jazz, blues, rock y soul
Robby Krieger and the Soul Savages, es el nombre del álbum con el que el guitarrista fundador de los legendarios Doors, vuelve a presentar credenciales con 10 temas de jazz, blues, soul y rock.
Sons of Ethiopia, el sonido perdido de Admas
Por muy conocedor que se sea la música no deja de deparar sorpresas. Una de esas puede ser escuchar “Sons of Ethiopia” (Hijos de Etiopía) de la banda Admas.
No se trata de un disco nuevo, pues proviene de la década de 1980. Es por tanto un rescate tan propio de esta época de pandemia.
Admas (“Horizonte” en Amárico) es un grupo integrado por inmigrantes etíopes en Estados Unidos.
La banda la integran Abegasu Shiota (teclados, guitarra rítmica y voz), Henock Temesgen (guitarra y voz), Tewodros Aklilu (teclados) y Yousef Tesfaye (batería).
Sons of Ethiopia fue grabado en 1984 y se hicieron 1,000 copias con dinero prestado por la madre de Akliu.
Tras vender y regalar los discos los músicos perdieron el master de la grabación y se olvidaron del álbum.
Tiempo después Andreas Vingaard, propietario del pequeño sello Frederiksberg Records de New York obtuvo una copia en eBay por 400 dólares.
Luego el sello remasterizó el álbum de 7 canciones a partir de una copia de vinilo y en julio de 2020 fue relanzado, 36 años después de grabado.
Admas, luego de la pandemia
Admas recibió así un nuevo aire acompañado del reconocimiento de la crítica y buena exposición en las redes sociales.
El álbum tiene como base la música etíope con guitarra eléctrica, sintetizador y ritmos de caja.
A primera vista se aprecia influencia del highlife ghanés, el jazz brasileño de Azimuth, el reggae jamaicano y el R&B y jazz estadounidenses.
Después de “Sons of Ethiopia” Shiota y Temesgen grabaron un segundo álbum en el 2000 bajo el nombre de Admas.
Actualmente, según el crítico Steve Kiviat en Smithsonian Magazine los miembros de Admas están de regreso en Etiopía, menos el baterista Tesfaye, que no ha podido localizarse.
Shiota es un productor, Temesgen un educador musical y Aklilu siguió la música en varios grupos, incluyendo la banda de reggae Teddy Afro Ethiopian.
En sus planes está reeditar su segundo álbum con material adicional y después de la pandemia realizar una gira.
Esto daría a los adictos a la música la oportunidad de escuchar una mezcla curiosa pero atractiva de música de influencia etíope que sin dudas mereció mejor destino en su momento.
Tracklist de “Sons of Ethiopia
- Anchi Bale Game
- Bahta’s Highlife
- Tez Alegn Yetintu
- Kalatashew Waga
- Wed Enate
- Samba Shegitu
- Astawesalehu
La grandeza de «Algo Pequeño» por el dúo Melody-Sting
Melody Gardot y Sting han brindado «algo pequeño » con Little Something un bossa nova quizá modificado, tenue y complaciente, con un tratamiento vocal de dúo exquisito que hacen grande la canción.
Es algo que prevalece en el Álbum de jazz titulado Sunset in the Blue, de Melody que algunos describen como «maravillosamente simple» .
Se anuncia que está canción modulada a los dos estilos en uno de Melody y Sting estará además en el álbum del británico titulado «Duets» que saldrá al mercado el 14 de marzo.
Mientras tanto ya se divulga en el quinto álbum de Gardot y su primero en cinco años.
Los criterios llueven, aunque puedan ser tan fuertes -o tan débiles- como el impacto de las notas musicales en las emociones.
La cantautora, música de jazz, cantante, compositora y pianista sigue comprometida con la severidad libertina o quizá libertaria de la modalidad de Nueva Orleans y del Pop.
Ella maneja con profesionalidad el piano y la voz, esa voz humana que mezcla sin dejar rastros con la guitarra
Música, budismo y dieta Macrobiótica
De sus prácticas de salud cotidianas que la Gardot ha dicho son la música, la práctica budista y la dieta macrobiótica, la música la ha llevado a planos grandes del jazz sin abandonar sus puntos de vista con el pop. También a las notas latinas.
Esta obra Sunset in the Blue sirve para hacer aún más juicios artísticos.
No busca techos clásicos, pero realmente eso no le hace falta. Es el caso de «If You Love Me» pieza ciertamente rara para enamorados.
En «A Sunday Kind of Love» o «At Last», la guitarra acústica habla con voz propia y ritmo fascinante.
Cuando se escucha la canción que da nombre al álbum se siente la humildad cotidiana de lo que quiere decirse. Habrá que escuchar cada palabra:
When I look back on all the roads (Cuando miro hacia atrás en todos los caminos)
We’ve travelled on (Que hemos viajado)
It makes me smile (Me hace sonreir)
Although I do tend to forget (Aunque tiendo a olvidar)
Your cadent eyes (Tus ojos cadentes)
After a while (Después de un tiempo)
Las cuerdas de la Royal Philharmonic Orchestra son un respaldo serio, como la guitarra acústica de Anthony Wilson y la a trompeta de Till Brönner.
Río de Janeiro Blue
La cadencia del Bossa junto a Sting puede ser inolvidable. No es improvisada. Se recuerda por ejemplo “Ninguem, Ninguem” (Ninguno Ninguno) mas en brasileño que en portugués.
Dispóngase también a escuchar “Manhã de Carnaval” y “Rio de Janeiro Blue”.
Sí. Hay más tela musical por donde cortar.
Pero a muchos les pasará lo que a quien escribe con el dueto Melody-Sting, grabado durante la cuarentena de la pandemia.
Esto pese a que la primera sesión de grabación fue en los legendarios Abbey Road Studios.
Little Something no es nada sencilla. Es un resumen romántico de un dúo latino que no lo es exactamente y no se nota.
«Esta nueva canción, coescrita por mi querido amigo Dominic Miller, tiene una alegría simple y contagiosa, y fue muy divertido intercambiar voces con la exquisita Melody Gardot. «Espero que puedas escuchar la sonrisa en nuestras voces», señaló Sting.
«Durante estos tiempos complicados, la colaboración es la única gracia salvadora para nosotros los músicos. “Me sorprendió mucho cuando Jen Jis vino a verme con esta pista, ¡y luego descubrir que era un dueto con Sting!», subrayó Melody.
Bebo Valdés Con Poco Coco (y mucho piano)
Se dice que “Con Poco Coco”, del pianista Bebo Valdés es la primera “jam session” o “descarga” de AfroCubanJazz grabada en un estudio en Cuba.
La primera versión de este número se grabó en 1952, al parecer durante los últimos minutos de un tiempo rentado en un estudio habanero.
Concluidos los temas que querían grabar Bebo y sus amigos del cabaret Tropicana uno de los músicos comenzó a tocar un tumbao al que se fueron sumando los demás. Para esa grabación la banda se hizo llamar Andre’s All Stars.
Y esta es una de las características prodigiosas del jazz: la improvisación. Uno de los músicos comienza a marcar con su inspiración y los demás se unen tan magistralmente como sea su talento.
Y aquellos músicos de Bebo eran talentosos hasta las lágrimas.
Esta pieza es el cierre de «El Cajón de Bebo», un disco fabuloso que dejará 2020, aunque quizás pasó bajo el radar de muchos.
Los descartes de Bebo Valdés
El disco incluye 14 temas de Bebo Valdés producidos por el sello Calle 54 del cineasta y productor español Fernando Trueba y distribuido por Universal Music de España.
Anteriormente Trueba produjo 8 discos de Bebo. El cineasta lo incluyó asimismo en sus filmes “Calle 54, El embrujo de Shanghai, El milagro de Candeal y Chico y Rita.
Esa colaboración dejó como resultado 3 premios Grammy y 6 Grammy latinos, además del inefable placer para los amantes del jazz de disfrutar la obra de este pianista que por poco se pierde en el olvido.
Puede decirse que «El Cajón de Bebo» incluye descartes del álbum “Bebo”, varias de ellas porque no eran de autores cubanos como se diseñó ese disco. Las piezas fueron grabadas en 2003 y 2004.
En ocasión del lanzamiento Trueba explicó que consideró injusto mantener engavetados esos temas de gran valor musical.
Entre las pistas está el Willow Weep for Me, de Ann Ronell, que encabeza el disco con el título de Americana; Cavatina de Stanley Myers, de la banda sonora de “The Deer Hunter” y “Old Man River” de Jerome Kern.
“Cuando salí de La Habana, válgame Dios…”
También se incluye la versión con el cantaor español Enrique Morente de “Caminito” hecha para la película “La silla”, de Fernando Trueba y el bolero “Cómo fue”, grabado durante la realización del filme animado “Chico y Rita”.
La versión que aparece de “Con poco coco” fue grabada durante la filmación de “El Milagro de Candeal”. La pieza cuenta con la participación de otro pianista cubano de leyenda desaparecido tempranamente: Emiliano Salvador.
Entre las verdaderas joyas del disco están las interpretaciones solo al piano de Bebo de los compositores cubanos, Ignacio Cervantes, Ernesto Lecuona, Manuel Saumell y José White.
Y otra pieza para no olvidar: “La paloma” del español Sebastián de Iradier: “Cuando salí de La Habana, válgame Dios…”
Un punto y aparte es la interpretación del bolero “Como fue” de Ernesto Duarte Brito, hecho mágico e inmortal por el cantante cubano Benny Moré.
En resumen, un disco que le puede hacer olvidar la pandemia, la tristeza y la amargura y otras emociones que a veces enturbian el alma. Aunque quizás en algunos aliente la añoranza, lo que de todas formas no es necesariamente negativo.
A veces cuando nos atacan esas alteraciones de ánimo es mejor enfrentarlas “con poco coco”, es decir en cubano “sin pensar mucho”.
Pero en este caso, con el talento del magnífico Bebo Valdés.
El Cajón de Bebo es:
- Americana (Ann Ronell)
- Old Man River (Jerome Kern)
- Laura (David Raskin)
- Cavatina (Stanley Myers)
- Rareza del Siglo (Bebo Valdés)
- La Paloma (Sebastían Yradier)
- Guajira (Bebo Valdés)
- Como fue (Ernesto Duarte)
- Caminito (Juan de Dios Filiberto)
- Americana (Toma-2)
- Old Man River (Toma-2)
- La Holandesa Desconocida (Bebo Valdés)
- La Holandesa Desconocida (Toma-2)
- Con Poco Coco (Bebo Valdés)
Cándido Camero, latin jazz con manos de fuego
Cándido Camero, uno de los pioneros del jazz latino en Estados Unidos, murió el 7 de noviembre de 2020 a los 99 años de edad.
El nieto de Camero, Julian, le dijo a WBGO, estación miembro de NPR, que el músico cubano conocido por introducir el estilo de las 3 congas murió pacíficamente en su casa en Nueva York.
Camero comenzó a actuar en orquestas de baile y jazz estadounidenses desde 1946 cuando llegó al país con el equipo de baile “Carmen y Rolando”.
Luego pasó a integrar la orquesta de Billy Taylor. En 1954 Taylor dijo: «No he escuchado a nadie que se acerque siquiera al maravilloso equilibrio entre jazz y elementos cubanos que Cándido demuestra».
A principios de la década de 1950 recorrió Estados Unidos con la Orquesta Stan Kenton, con quien y apareció en programas de televisión como Ed Sullivan Show y Jackie Gleason Show.
También colaboró con artistas como Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Billy Taylor, Tony Bennett, Charles Mingus, Wes Montgomery, Gerry Mulligan, Sonny Rollins.
Integró asimismo las orquestas de Tito Puente y Machito.
Actuó por última vez en diciembre de 2019 en Nueva York, a pocos meses de cumplir sus 99 años.
Aunque en sus inicios en La Habana tocó también el bajo y el tres (guitarra folklórica cubana), hizo su carrera profesional con la percusión.
Cándido Camero y su batería de congas
Tocó en las orquestas de la estación radial CMQ y del cabaret Tropicana de la capital de Cuba.
Ya en Nueva York se dio a conocer por su peculiar estilo, entonces, de tocar varios tambores a la vez.
NPR recordó que en una entrevista con el músico Bobby Sanabria en 1996, Camero explicó como desarrolló esa técnica.
Dijo que en una ocasión fue contratado para actuar en Nueva York con una revista de música y danza cubana popular que no tenía presupuesto para todos los músicos.
La necesidad le llevó entonces a tocar todas las partes de la batería primero con 2 tambores y luego con 3.
Después aprendió a afinar cada tambor para tocar melodías. Finalmente se hizo famoso por introducir la batería de congas en el Jazz.
Recibió los premios Latin Jazz USA Lifetime Achievement Award (2001), un premio especial de la Sociedad Estadounidense de Compositores, Autores y Editores como «Leyenda del Jazz» (2005). También el National Endowment For the Arts Jazz Masters (2008) y un Grammy Lifetime Achievement (2009).
En 2006 su vida artística fue llevada al cine en el documental “Candido: Hands of Fire” dirigido por el realizador Iván Acosta.
La película de 68 minutos se centra en su contribución a la música cubana, el jazz americano y el jazz latino.
MusicAdictus / Imágen: Video Candido Camero’s Conga Solo at The NAMM Show (2013)
El Jazz regresa desde el Ronnie Scott de Londres
El insumergible Jazz Club de Ronnie Scott en el Soho de Londres extendió nuevamente sus estandartes cuidadosamente guardados durante la epidemia de la Covid-19 y el jazz regresa a sus tiempos dorados.
Los Jazz FM Awards 2020 pospuestos por el confinamiento obligatorio a causa de la epidemia rompieron la inercia el pasado día 27 de octubre en el más visitado club musical londinense.
Fue recuperado así el preciado «Impact Award” del terrible 2020 y entre los ganadores estuvo la cantante y pianista Norah Jones, un verdadero triunfo artístico, y comercial, pese al coronavirus.
La carrera de la cantante, compositora, pianista y actriz nacida en Nueva York sigue tan impecable como siempre tras haber atropellado con su actuación a la Covid-19 y sus consecuencias.
Hizo valer así sus nueve premios Grammy, los más de 40 millones de discos vendidos y su manera de combinar elementos de jazz, blues, soul, country y pop.
El jazz regresa al Ronnie vestido de gala
Fred Nash, gerente general, dijo a la prensa que «sentimos que el legendario sitio del Soho es el lugar perfecto para albergar los premios del Jazz, entre los más prestigiosos del mundo.
Nadie olvida que en la lista de los ganadores desde 2013 están Quincy Jones, George Benson, Dame Cleo Laine, The Rolling Stones, Gregory Porter, Don Was, Hugh Masekela, Shabaka Hutchings, Nubya García, Esperanza Spalding, Laura Mvula y Georgie Fame.
Charles Lloyd, el icónico cantante de soul y miembro fundador de Earth Wind & Fire Philip Bailey, la ganadora del Brit Award Rising Star Celeste, el cuatro veces ganador del Grammy Jacob Collier, el innovador Anderson. fueron nominados actuales.
La ceremonia de fines de octubre “celebró la amplitud y diversidad de la próspera escena mundial y vio premios presentados a una variedad de artistas de todo el rico paisaje cultural del género», estimó una crónica desde Londres.
Otro premio especial de alto perfil de la noche junto a Norah Jones fue para la superestrella del jazz Herbie Hancock, 14 veces ganador del Grammy,
Hancock estimó que en Gran Bretaña «se ha apoyado y mantenido vivo el jazz durante largos años», según dijo a periodistas.
«Muchos seguidores del jazz de Asia, África y de todo el mundo han podido disfrutar del gran momento en el Ronnie Scott”, agregó.
Paraíso musical indestructible
El jazz regresa y también regresaron a casa con galardones varios miembros de la flor y nata del jazz universal.
El saxofonista estadounidense Charles Lloyd recibió el premio International Act Of The Year y Binker Golding ganó el premio Instrumentalist Of the Year.
El premio a la innovación fue para el sello discográfico Jazz re:freshed y el lugar del año fue ganado por The Vortex.
Así el viejo Ronnie Scott de Londres, regresó a su paraíso musical indestructible.
Lista de ganadores 2020:
- PPL Lifetime Achievement Award
- Herbie Hancock- Impact Award
- Norah Jones- Gold Award
- Breakthrough Act Of The Year
- Xhosa Cole
- Soul Act Of The Year
- Philip Bailey
- The Digital Award
- Chiminyo
- Instrumentalist Of The Year
- Binker Golding
- Blues Act Of The Year
- Jon Cleary
- The Innovation Award
- Jazz Re:Freshed
- Vocalist Of The Year
- Judi Jackson
- International Jazz Act Of The Year-
- Charles Lloyd
- UK Jazz Act Of The Year (Votación popular)
- Yazz Ahmed
- Album Of The Year (Votación popular)
- Yazz Ahmed – Polyhymnia
- Venue Of The Year (Votación popular)
- Vortex Jazz Club
Musicadictus / Foto: Facebook de Norah Jones
Crime and Spy Jazz on Screen, música del Film Noir
El Film Noir o Cine Negro que tomó vuelo como género cinematográfico en los años 30 con figuras ya legendarias como el actor Humphrey Bogart y el director John Huston tuvo en su trayecto ascendente un «socio» artístico: el jazz.
El término de Film Noir es francés atribuido al crítico de esa nacionalidad Nino Frank pero en realidad no surgió en Francia sino en Estados Unidos donde tuvo su apogeo en desde 1939 a la década de los 50 .
El jazz se le unió “por el camino” punteando las escenas con sus notas. Ese es exactamente el vínculo del que habla el libro Crime and Spy Jazz on Screen, 1950–1970 (Crimen y espionaje – a los sonidos del jazz) de Derrick Bang.
Bang es un veterano escribiendo sobre cine, televisión, música y entretenimiento en general para revistas y periódicos desde 1974. Tiene columnas y publica artículos habituales para The Davis Enterprise y vive en Davis, California.
Con 312 páginas, 250,000 palabras y 550 programas de cine y televisión, el libro es más bien un álbum con un excelente material de consultas donde todo detalle del tema está a la mano.
Un ejemplo de los datos y hallazgos de Bang sobre esta simbiosis puede ser The Wild One (El Salvaje), protagonizado por Marlon Brando en 1953.
Hitchcock y Crime and Spy Jazz on Screen
Brando, un amante de la música que solía tocar «bongós», un instrumento de percusión en visitas a La Habana, pidió que fuera la música de Shorty Rogers la que ambientara El Salvaje. Rogers fue un trompetista, compositor, arreglista y director de orquesta de jazz.
El libro de Bang asume que fue entonces la combinación de Brando con su petición y Rogers con su música los que facilitaron la llave del jazz al cine.
En realidad The Wild One tuvo poca relación con crímenes y ninguna con el espionaje. Dirigida por László Benedek, Brando interpretó el jefe de una banda de motoristas inconformes con la sociedad.
Pero las escenas violentas y sugerentes de violencia «juegan» perfectamente con las composiciones de Shorty Rogers, con una sonoridad «clari-oscura» según lo que sucediera con la imagen.
Más claro fue el jazz que enriqueció el estilo del rey del suspenso Alfred Hitchcock, en una serie de televisión sobre sus historias en la década de los años 50.
Quien tenga edad para recordar, en el show Alfred Hitchcock Presents sabrá que el legendario director daba una pausa de la historia que se presentara, y a veces el jazz, en ciertas ocasiones, «hacía» los márgenes musicales.
En ese espacio se utilizaron piezas jazzísticas en las imágenes de «Memos from Purgatory» un relato de Harlan Ellison sobre su experiencia con las pandillas juveniles cuando se unió a una para investigarlas.
Música del diablo
El cineasta británico era excelente para la cadencia del Film Noir, con temas sobre crimen y criminales, pero todo envuelto en una excelente capa refinada de imágenes de expresionismo moldeado con una iluminación tenebrosa en claroscuro, escenas nocturnas y lluvias infinitas.
Probablemente el creador de Psicosis, Vértigo y Los Pájaros entre muchas otras obras, descubrió como el jazz increíblemente versátil y díscolo a la vez, ofrecía una vía para algunas escenas.
El libro Crime and Spy Jazz on Screen, 1950–1970, en el cual se hacen hablar a ciertos protagonistas, propone explorar el «misterioso” vínculo.
En sus páginas se encuentran los esfuerzos de Elmer Bernstein buscando partituras de jazz para Man With the Golden Arm en 1955. El tema principal de la película aún se escucha.
Otro film de 1956, Baby Doll, de un tono sensual fuera de su época por el erotismo y matizado por el jazz causó un comentario que recoge el libro: «No es de extrañar que la gente que va a la iglesia todavía considere el jazz como la música del diablo».
En el volumen puede encontrarse a la banda Count Basie’s que fue la primera en Estados Unidos en romper la barrera racial y hacer un tema de televisión. Está además la creación para la pequeña pantalla con la que ha contribuído Quincy Jones
MusicAdictus / Foto principl: Free-Photos (Pixabay)
El Ronnie Scott Jazz Club sobrevivió a la pandemia
Buenas noticias. El Ronnie Scott Jazz Club, legendario sitio considerado como el corazón del jazz en el Soho, Londres, reabre sus puertas el 1 de agosto tras «vencer» a la pandemia mundial
Se dice que el mundo necesita algunas victorias sobre el coronavirus tras resistir su tiranía.
Una de ellas es la reapertura del íntimo refugio jazzístico que había cerrado en marzo pasado como parte de las medidas de aislamiento social abra, aún cuando esto sea bajo estrictas medidas de ese perfil.
Desde el sábado 1 tiene su capacidad reducida a la mitad y como novedad operará un espacio al aire libre, vendiendo champaña y hamburguesas, una combinación aristocrática y popular que caracteriza su propia alma bohemia y social.
Ese fue un cierre que dolió mucho a los nostálgicos.
Jazz sin renegar del rock
El Ronnie Scott Jazz Club que fue fundado el 30 de octubre de 1959 en el sótano de un edificio en el 39 de Gerrard Street en el distrito londinense del pujante y diverso Soho de Londres ha sido un altar del jazz.
No por ello renegó jamás del mejor rock y de la música popular del mundo.
En su pieza principal han actuado grandes personalidades como Jimi Hendrix que tuvo su última presentación allí en 1970.
Los artistas se mezclaban cada noche con figuras también legendarias que «se alimentaban» de arte en sus mesas, como Paul McCartney o Freddie Mercury.
Ha sido «normal» en el Ronnie Scott que artistas internacionales como los cubanos Chucho Valdés con sus Irakere y Arturo Sandoval, con su trompeta brillante fueran aplaudidos y elogiados por estrellas legendarias de espectadores.
Un club con alma artística
El Ronnie Scott Jazz Club permitía eso con su alma artística especial.
Los músicos británicos Ronnie Scott y Pete King «movieron» el local al actual en el 47 de Frith Street en 1965. Tras morir Scott en 1996 King administró el lugar por nueve años mas.
Los medios culturales de Londres, que tienen en sus listas permanentes ese emporio del jazz y la buena música, ven como una excelente señal el regreso de los conciertos.
Se mantendrá así la tradición que ya dura 60 años.
«Es genial volver a hacer lo que hacemos», dijo Simon Cooke, actual director gerente de Ronnie Scott a la prensa.
Luz verde al Ronnie Scott Jazz Club
«Hemos estado mirando con envidia mientras los restaurantes han reabierto en Londres, especialmente porque el club se presenta como un restaurante». “Ya obtuvimos la luz verde», agregó.
Con entusiasmo, Cooke ve la nueva estructura del club vinculada con el aislamiento a causa de la Covid-19 como «una mejoría».
Rehusó unirse a opiniones de que el aislamiento es financieramente ruinoso paras lugares de música como el Ronnie. Con criterio práctico afirmó que no abrir no es opción. «Eso sí sería financieramente ruinoso», estimó.
Para la sesión de reinauguración fue convocado el grupo All Stars de Ronnie Scott. Además James Pearson, Reuben James y Liane Carroll entre los invitados que tocarán en los primeros días.
Para los sufridos nostálgicos que puedan asistir, ahí va el programa inicial del Ronnie Scott para varios días.
- 1 de agosto: los Allstars de Ronnie Scott interpretarán el Cancionero de Soho
- 2 de agosto (almuerzo) – James Pearson Trio – 100 años de Jazz Piano
- 2 de agosto (tarde) – Los Allstars de Ronnie Scott interpretan el Cancionero de Soho
- 3 de agosto – Pete Long y Simon Spillet tocan Jazz Couriers
- 4 de agosto: hitos de Mark Kavuma y más
- 5 de agosto – Trío Reuben James
- 6 de agosto – Emma Smith / Jamie Safir y sus amigos – Retrato de Ella
- 7 de agosto – Liane Carroll Trio
- 8 de agosto – Liane Carroll Trio
- 9 de agosto (tarde) – La banda de blues de Ronnie Scott
Buena suerte.
Dorantes viaja con Magallanes con su flamenco-jazz
Aunque existe un par de decenas de reconocidos pianistas de flamenco, el gitano y sevillano Dorantes es probablemente la mayor referencia.
Si, porque si bien usualmente asociamos este género con la guitarra, el piano se incorporó en los últimos años como un instrumento eficaz para expresar el sentimiento de esta música que sale del alma.
Ahora David Peña Dorantes (o simplemente Dorantes) ratifica su capacidad expresiva con el álbum «La Roda del Viento» en conmemoración del Centenario de la Primera Vuelta al Mundo realizada por Hernando de Magallanes y Juan Sebastián Elcano.
Dorantes recoge su propia versión de esa proeza en la curiosa mezcla que ha perfeccionado de jazz con flamenco (y algo más) que ya asombró antes con obras antológicas como Orobroy.
En un año tan raro como este 2020, la nueva obra de Dorantes puede interpretarse como una oda a esos personajes que a lo largo de la Historia derrotaron a la adversidad o hicieron posible lo imposible.
Dorantes, La Joya del Piano Flamenco
Esta obra sinfónica también hubiera parecido imposible para quienes ven con suspicacia el piano flamenco o la mezcla de este género con el jazz.
Pero no resulta del todo asombroso para quienes disfrutan del talento del pianista nacido en Lebrija, Sevilla, en 1969. No por gusto muchos lo reconocen como «La joya del piano flamenco».
Dorantes ha contado que para “La Roda del Viento” se apoyó fundamentalmente en el diario del viaje escrito por diario Antonio Pigafetta.
Su búsqueda era llegar a pensar como los marineros. Un paso imprescindible para hacer sentir a los oyentes lo que pudieron haber sentido esos marineros en su viaje legendario.
La Obra fue un encargo de la Bienal de Sevilla. Además de su piano se apoya en orquesta de cámara, coro y percusión, lo que le da una dimensión todavía más universal.
“La Oda del Viento” lleva el sello Flamenco Scultura y es un disco que definitivamente recomienda MusicAdictus para los adictos a la música y no tanto.
Vuelve Thelonios Monk con un concierto perdido
En 1968 el pianista, brillante e indescifrable, Thelonios Monk apareció en una escuela secundaria en Palo Alto, California porque lo invitaron.
Entonces Monk era ya un influyente músico en el mundo del jazz. La invitación fue de un joven estudiante Danny Scher, deslumbrado por los conciertos.
Lo raro del concierto de Monk en Palo Alto es que fue grabado por casualidad.
Lo afirma Nate Chinen director de contenido editorial de la WBGO. Chinen cuenta una historia digna de la personalidad de Monk.
Aquel día el estudiante le dijo al creador de Monk’s Blues «si me dejas grabar el concierto, afinaré el piano” Monk accedió sonriente para suerte de los amantes del jazz
El 27 de octubre de 1968 Monk y su cuarteto tocaron para una multitud de estudiantes de raza mixta y residentes de Palo Alto.
Hoy, Impulse! Records ha anunciado que lanzará una grabación de ese concierto histórico recuperado en las cintas maestras grabadas por el estudiante de la escuela secundaria, un aficionado a la ingeniería de audio.
Vuelve a escucharse desde el 31 de julio de 2020. La grabación es algo mas que una curiosidad para los amantes del jazz. Es una joya.
El poder de un extraño
Monk fue un pianista que estuvo entre los fundadores del bebop. Tocó también bajo el influjo del hard bop y del jazz modal. Su estilo es reconocido como único en lo que a improvisación se refiere.
También su vida puede considerarse así.
En 1935 se fue de viaje a recorrer el mundo acompañando con el piano junto a un predicador evangelista. Cuando regresó formó su propio cuarteto.
En 1941 fue el pianista del Minton’s Playhouse, un legendario club de Harlem, Nueva York, cuna del bebop.
Tenía entonces claras influencias de Art Tatum, Duke Ellington, James P. Johnson y otros pianistas.
Con el tiempo conoció a Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Miles Davis, Sonny Rollins, Milt Jackson y John Coltrane, y otros dioses del jazz. cuando «construían» las bases del bebop.
Thelonios Monk, fue indescifrable Habrá que narrar que fue arrestado por la policía de Nueva York en 1951 acusado de posesión de narcóticos.
Pero se afirma que no fue así la razón. Sólo se negó a denunciar a su amigo, el también pianista Bud Powell, al que presumiblemente pertenecía la droga.
El silencio final de Thelonios Monk
Monk, el brillante El pianista negro pasó la primera mitad de los años 50 componiendo, grabando discos y actuando en teatros.
Fue contratado por el Five Spot y formó parte de un cuarteto con el saxofonista John Coltrane. No tan de repente en 1957 Thelonios Monk se convirtió en una celebridad y su estatus no cambiaría hasta el final de su carrera.
En 1959, su cuarteto contó con la participación del saxofonista tenor Johnny Griffin en 1959 apareció con una orquesta en el Town Hall.
En 1962 firmó con Columbia y dos años después fue portada de la revista Time. Tocó con los Giants of Jazz durante 1971-1972.
En 1973, repentinamente, se retiró. Monk padecía de una enfermedad mental, dijeron sus allegados y vivió recluido el resto de su vida.
Thelonious Monk regresará pronto en la grabación de Palo Alto para recordar la razón por la cual existió.
Probablemente como reflejo de nostalgia se oirá nuevamente su álbum Monk’s Blues acompañado por la banda gigante conducida por Oliver Nelson y originalmente publicada por la Columbia Records in 1968.
Su mejor año fue 1968 cuando guardó para el mundo una de sus grabaciones en una humilde escuela secundaria multiracial.
Dianne Schuur en la periferia del jazz con Running on Faith
Quizás no hay mejor medicina para esta cuarentena que escuchar música. Y si de buena música se habla hay que contar con Running on Faith, de la cantante y pianista multi-ganadora del Grammy, Dianne Schuur.
Hay de todo en este álbum lanzado en abril del 2020 y sus tiempos de pandemia: jazz, blues, soul y rock de Beatles, Paul Simon, Ray Charles, Miles Davis, Dinah Washington…
Si, porque se trata de una reinterpretación de 13 temas que han marcado época de alguna forma.
El disco sigue a “I Remember You: With Love to Stan and Frank” de 2014. Por supuesto Frank es Sinatra y Stan es Getz.
Ahora Shurr lleva su fuerza característica o su sentimiento, según sea el caso, en canciones como «Let It Be» de los Beatles, «Something So Right» de Paul Simon o «Walking on a Tightrope» de Percy Mayfield de Miles Davis «All Blues».
La «Bitter Earth» de Dianne Schuur
Una mención especial merece su versión de «This Bitter Earth» de Dinah Washington. Y el mensaje de la estrofa final apropiado para estos tiempos:
«And this bitter earth, ooh / May not, oh be so bitter after all» (Y esta tierra amarga, ooh / Puede que no, oh, sea tan amarga después de todo)
El disco ofrece asimismo sus interpretaciones de «The Danger Zone» de Ray Charles, «Way Over Yonder» de Carole King, «The Sun Will Shine on You» de Jeff Lynne y «Chicken» de Pee Wee Ellis, un funky que levanta el ánimo de cualquiera apesadumbrado.
El disco lo cierra sola con su piano en «Swing Low Sweet Chariot», un spiritual que confirma por qué Diane Shurr es considerada una superestrella.
Running on Faith lleva el sello Jazzheads y cuenta con la co-producción de Ernie Watts, quien también toca el saxo junto al trompetista Kye Palmer, el guitarrista Thom Rotella, el bajista Bruce Lett y el baterista Kendall Kay.
Por supuesto, Diane Schuur vocal y piano.
Track List de Running on Faith
- Walking on a Tightrope
- The Danger Zone
- All Blues
- Something So Right
- Let It Be
- The Sun Will Shine On You
- Everybody Looks Good At The Starting Line
- There Is Always One More Time
- Chicken
- This Bitter Earth
- Running On Faith
- Way Over Yonder
- Swing Low Sweet Chariot
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