El décimo álbum de Juanes fue presentado como un regreso a los orígenes del cantante colombiano y se ganó una nominación en los Grammy 2022 en la categoría de Mejor álbum de rock alternativo latino.
Pero al escuchar “Origen”, que es el título del disco, seguramente más de uno volverá a sus recuerdos, sobre todo si es hispanoamericano.
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JUANES, quien ganó fanáticos en todo el mundo lanzó en 2021 Origen, su décimo álbum de estudio.
El disco es una colección cuidadosamente que reinventa algunas de las canciones y artistas más importantes que ayudaron a JUANES a formar su visión musical, según su propia confesión.
La revista Rolling Stone lo consideró «uno de los álbumes más esperados de 2021» y la Academia lo nominó a un Grammy 2022.
Esta colección de 12 covers pudiera ser una mezcla de “salao con dulce”, si no fuera por el aglutinante que es el rock.
En este disco se juntan corrientes que pudieran parecer irreconciables para los que no son amantes incondicionales de la música.
Este batido musical incluye a los colombianos Joe Arroyo y Diomedes Días, los argentinos Carlos Gardel y Fito Páez, el ecuatoriano Julio Jaramillo y el jamaicano Bob Marley.
Pero tambiénlos dominicanos Juan Luis Guerra y Familia André, el mexicano Juan Gabriel, al estadounidense Bruce Springsteen y el español Joaquín Sabina.
Seguramente es difícil encontrar a muchos que puedan decir que disfrutan totalmente de cada uno de ellos, pero no imposible. Pero otra cosa es disfutarlos a todos con la goma de pegar de Juanes.
Las canciones del disco son cantadas mayormente en español, salvo la de Marley.
El Origen de Juanes
.Si bien es un disco de covers con varias sanas influencias, “Origen” es original y sobre todo alegre. Algo recomendable en estos tiempos de pandemia(aunque alguna canción nos recuerde un amor juvenil que no pudo ser).
La calidad de intepretación está acorde con un músico de 30 años de trayectoria musical, con 25 premios Grammy, entre otros.
Sobre la idea que llevó al álbum Juanes le dijo a la revista Rolling Stone:
Fue increíble haber tenido la oportunidad de compartir y hablar sobre estas canciones con Ziggy Marley, con Juan Luis Guerra, con Joaquín Sabina y con Fito Páez.
Hacer estas versiones no llegó de la nada, detrás de cada una hay una historia.
Gardel era la música de mi infancia, y con Fito nos conocimos hace 20 años y desarrollamos una amistad que también hace que esas cosas pasen más naturalmente”.
Para conocer más sobre estos intercambios está el documental “Juanes: Origen” disponible en la plataforma de streaming Amazon Prime Video desde el 28 de mayo de 2021.
«Jubilee» de Japanese Breakfast (Michelle Zauner) un discos que marca pautas del indie-rock-pop, seleccionada en el #10 entre los mejores discos de 2021 por Rolling Stone.
Entre los discos que llegaron con 2021, uno que sebe escuchares «Jubilee» de Japanese Breakfast, como se hace llamar la coreano-estadounidense Michelle Zauner.
No por gusto lRolling Stone ubicó el álbum en el #10 entre los mejores del añoy ganó nominaciones al Grammy 2022 para Mejo Álbum de Música Alternativa. También la llevó a ser nominada para Mejor Artista Nuevo.
La artista dijo a Rolling Stone que quería que su tercer álbum fuera el más dramático y el paso más fuerte.
En la argumentación de esta clasificación la revista Rolling Stoneopinó:
«En Jubilee, Zauner hace todo lo posible y algo más, un estallido de alegría indie-rock se esparce a lo largo de cada pista, ya sea el abridor casi perfecto, «Paprika», el doloroso «Kokomo, IN» o el místico «Posing in Bondage ”(para Kate Bush y Duran Duran).
Desde el momento en que comenzó a escribir su nuevo álbum, Michelle Zauner de Japanese Breakfast supo que quería llamarlo Jubilee.
Un jubileo es una celebración del paso del tiempo, un festival para marcar el comienzo de la esperanza de una nueva era.
Jubilee encuentra a Michelle Zauner abrazando la ambición y, con ella, sus ideas y canciones más atrevidas hasta el momento.
Zauner ofrece ideas, texturas, colores, sonidos y sentimientos con canciones que tratan de recordar el optimismo juvenil y aplicarlo a la edad adulta.
Jubilee» fue lanzada inmediatamente después de Crying in H Mart, las memorias de Zauner sobre su difunta madre, lo que demuestra, opinó la publicación, que estaba en un pico creativo este año y no tiene intención de detenerse pronto.
El disco se mueve básicamente entre lo que se ha dado en clasificar como Indie- rock e indie-pop, pero más que un desayuno japonés viene siendo como un festín de subgéneros musicales.
Jubilee de Japanese Breakfast entre felicidad y oscuridad
En esta ocasión Zauner utilizó una guitarra jazz master de Fender en lugar de las telecaster utilizadas anteriormente junto a las cuerdas y metales que resaltan la cuidadosa producicón del disco.
Esa instrumentación apoya las letras que parecieran más maduras en la forma de abordar los temas actuales más complicados.
Entonces, Jubilee debería ser un disco sobre la felicidad, pero si se escucha en su totalidad se verá que hay mucho de eso, pero también oscuridad.
Desde su salida las críticas indicaron que sería uno de los álbumes más significativos del año.
Algunos han posicionado el folklore de Taylor Swift como el gran nexo entre la música pop y la cultura indie, pero un álbum como Jubilee es un ejemplo más interesante de la fluidez del pop.»
Aquí puedes ver el video de la canción de ese disco «Be Sweet»:
Jubilee es el tercer álbum de Japanese Breakfast luego de Psychopomp de 2016 ySoft Sounds from Another Planet de 2017.
Mdou Moctar – «Tala Tannam» (Official Music Video)
«Afrique Victime», del guitarrista tuareg Mdou Moctar, fue incluído en la selección de los 50 mejores discos de 2021 por la revista Rolling Stone con su fusión de tradición y rock.
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Mdou Moctar, un guitarrista zurdo del desierto de Sahara, se ubicó entre los 50 mejores discos de 2021, según la tradicional lista de Rolling Stone.
Para argumentar la selección del álbum en el número 26, la revista especializada explicó:
“De alguna manera, Afrique Victime de Mdou Moctar suena a la vez como una inversión del rock & roll y el disco de rock más puro que ha salido en los últimos años”.
En Afrique Victime, el guitarrista y compositor tuareg incorpora audazmente la música sahariana contemporánea y el rock.
Su guitarra tocada a la zurda amplifica sus letras sobre el amor, la religión y las mujeres, la desigualdad de derechos y la explotación de África Occidental.
En la actualidad es un músico emblemático de la región, una dimensión ampliada ahora por la selección de Rolling Stone
La reseña, firmada por KORY GROW, explica que aunque Mdou Moctar prescinde en el álbum de los sellos estructurales del género destroza su guitarra como cualquier héroe de portada de revista de guitarras en los últimos años.
Zurdo, como Jimmi Hendrix, Paul McCartney o Kurt Cobain. Mdou pertenece a los tuareg de Níger, un pueblo de tradición nómada del desierto.
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Moctar contó que hizo su primera guitarra utilizando un trozo de madera con cables de freno de una bicicleta vieja como cuerdas.
En 2008 grabó Anar, su álbum debut, con un sonido de guitarra inspirado en la tradición tuareg y Hendrix, Van Halen y Prince.
El disco se distribuyó únicamente mediante intercambios de mp3 entre teléfonos celulares.
Lluvia azul con un poco de rojo
Moctar se dio a conocer más allá de los intercambios por bluetooth en 2011, cuando lanzó su canción “Tahoultine”.
Ese corte integró “Music from Saharan Cellphones”, una compilación hecha por Christopher Kirkley, del sello Sahel Sounds.
Moctar -quien se presenta en sus actuaciones con el atuendo de los tuareg- grabó luego Afelan (2013), Akounak Tedalat Taha Tazoughai OST (2015), Sousoume Tamachek (2017), Ilana (The Creator) (2019) y el EP Ibitlan (2020).
Su disco “Afrique Victime” fue lanzado el 21 de mayo del 2021, con el sello Matador.
En este álbum Moctar muestra su fusión de música sahariana contemporánea y rock, con letras sobre el amor, la religión y temas sociales.
Un disco que agradecerán los amantes del rock y la World Music.
Medio siglo después de lanzar «Blue» considerado uno de los mejores discos de todos los tiempos, Joni Mitchell ganó el premio al Mejor Álbum Histórico en la 64ª Entrega Anual de los Premios Grammy.
Paul McCartney no tendría que quejarse de 2021, un año que le dejó 2 nominaciones al Grammy con su disco McCartney III y la canción Find My Way de su McCartney III Imagined.
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La Academia le otorgó al ex Beatle la nominacion en la categoría Mejor Canción de Rock por Find My Way y Mejor Álbum de Rock por su disco McCartney III.
Find My Way forma parte del McCartney III Imagined,un álbum con artistas más jóvenes y de gran variedad de géneros que retoman las canciones de Paul con su propia interpretación.
Se trata de un homenaje generacional a uno de los muchachos de Liverpool que cambiaron la música y mucho más. (¿Y por qué no a los 4?).
Para un músico de 79, como Paul, es un reconocimiento por las nuevas generaciones de sus aportes a la música actual.
Paul McCartney, Beck – Find My Way (Official Video)
Tras su lanzamiento digital, el álbum llegó al Top Album Sales de la lista de Billboard, luego de debutar en el puesto 60.
Luego que se comercialió en soportes físicos el 23 de julio de 2021, la colección de reinvenciones del McCartney IIII del 2020, volvió al número 1 con fecha 7 de agosto.
McCartney III fue grabado a principios del 2020 en Sussex, a partir de tomas en vivo de Paul en voz y guitarra o piano, para luego sobregrabarse tocando el mismo el bajo, la batería y el resto de instrumentos que se escuchan en el disco.
Entre estos instrumentos utilizó el contrabajo del trío original de Bill Black que respaldó a Elvis Presley, su icónico bajo tipo violín Hofner y un melotrón de Abbey Road Studios utilizado en las grabaciones de los Beatles.
Para grabar utilizó el mismo equipo de Paul’s Rude Studio que se usó en las sesiones de Wings de 1971.
Según una nota publicada en la página oficial de Paul McCartney el McCartney III Imagined fue comisariado por Paul, con “una variedad de amigos de la lista A que reinventan sus momentos favoritos de McCartney III”
El resultado es una reinterpretación caleidoscópica que sirve como una extensión del álbum original mientras se destaca por sí sola en su discografía.
Un elemento curioso vinculado al McCartney III Imagined es el video de la primera canción del álbum «Find My Way» interpretada con Beck y que pueden ver al inicio de esta nota.
En este corto musical se puede ver a un Paul sumamente joven. El truco es la producción realizada por Hyperreal Digital, una empresa que se especializa en la creación de material hiperrealista y avatares digitales.
Realmente lo que ves en el video es una representación generada por computadora de McCartney cuando era joven. Si te fijas con detenimiento podrás ver un cuadro en que el verdadero Paul aparece en el fondo de una escena mirando a su otro Yo.
En este caso usan tecnología para reducir la edad de los talentos y hacer que se desempeñen en entornos creativos, dijo el director ejecutivo de la compañía Remington Scott.
Algo significativo si estamos hablando de una música que viaja en el tiempo sin envejecer.
«Power Up», el 17º álbum de estudio de AC/DC, marcó el regreso a la banda de Brian Johnson, Phil Rudd y Cliff Williams, junto a Angus Young. Stevie Young reemplazó al fallecido Malcolm Young.
El disco, lanzado el 13 de noviembre de 2020, alcanzó 3 nominaciones a los Grammy 2022 en las categorías de Mejor Álbum de Rock, además de mejor interpretación de rock y Mejor Video por el corte Shot in the Dark.
El LP contiene 12 canciones y fue producido por Brendan O’Brien. Fue lanzado también en una versión de lujo de edición limitada y CD.
“Shot in the Dark”, la primera canción presentada del álbum, fue también la primera canción nueva de AC-DC en seis años.
En una entrevista con Rolling Stone la banda afirmó que la música de “Power Up” fué acreditada a Angus y a Malcolm.
El disco es también una especie de renacimiento del cantante Johnson, quien tuvo que abandonar la gira «Rock or Bust Tour» de la banda en 2016 debido a una pérdida auditiva. En tanto, Rudd fue sentenciado a detención domiciliaria en Nueva Zelanda por cargos de posesión de drogas y amenaza de muerte a un ex empleado.
Williams había salido de la banda después del último concierto de la gira en 2016.
Angus explicó que utilizó una serie de riffs que él y Malcolm escribieron durante la era de “Black Ice”.
El décimo disco de Foo Fighters, Medicine at Midnight, ganó primeros lugares con un sonido más pop y clasificó entre lo mejor de 2021 con 3 nominaciones a los Grammy en las categorías de Best Rock Album, Best Rock Performance (Making A Fire) y Best Rock song (Wating On A War)
Aunque para algunos ya la música no es lo que era, para otros todos los días sale tanta buena música que es difícil seleccionar qué escuchar.
Una opción para quienes están en el segundo de esos grupos es acudir a las opiniones de críticos especializados, aunque no siempre las compartamos.
Pero si fuéramos a creerlos, no se puede dejar de escuchar el álbum Medicine at Midnight de Foo Fighters.
Muchos amantes de la música piensan igual. Poco después de su lanzamiento el álbum llegó al primer lugar en 3 listas de Billboard: Top Rock Albums, Alternative Albums y Hard Rock Albums
La banda liderada por el ex Nirvana Dave Grohl recibió igualmente elogios de la propia Billboard y Rolling Stone, entre otras revistas especializadas.
Este es el décimo álbum de Foo Fighters, el primero desde Concrete and Gold de 2017.En ambos participó como productor Greg Kurstin, el mismo que apoya el trabajo de Adele.
En opinión de Rolling Stone, que incluyó el disco en los mejores de 2021 (hasta ahora) la sensibilidad melodiosa que se aprecia en el álbum se debe en parte a Kurstin.
Pero recuerden que hay otro grupo.Entre ellos la revista Pitchfork, que puso en la horca a Foo Fighters.
Su dictamen es: “… después de que resurgieron de las cenizas del grunge, escalaron las listas de éxitos de Billboard, aspiraron a los Grammy y conquistaron estadios en todo el mundo, los Foo Fighters regresan con otro álbum de música intrascendente”.
Y esto es una de las cosas hermosas de la vida, que todos pensamos igual.
Escuchar el décimo disco de Foo Fighters, por tanto, provoca emociones diferentes, pero las reacciones son con mucho mayoritariamente favorables.
Cada cual puede formarse su opinión.Pero lo cierto es que Grohl sigue vivo después de Nirvana, como él mismo dijo en una entrevista a The New York Times:
«Solo quiero seguir vivo y tocar música, especialmente después de Nirvana».
Los Premios Grammy 2022, que se entregarán en Los Ángeles el 31 de enero, son la prueba de fuego para las nuevas reglas que buscan enfrentar el criticismo creciente contra esa institución en los últimos años.
En abril la Academia de la Grabación anunció el fin de su práctica de nominaciones a comités secretos en sus categorías Big Four y estableció dos nuevos premios para Mejor Álbum de Música Urbana y Global Music Performance.
Luego la Academia actualizó sus reglas y para prohibir que las cifras de ventas y los números de gráficos se mencionan en los anuncios «For Your Consideration» de los Grammy 2022.
Para la ceremonia se estableció una cláusula para incluir más votantes de «grupos tradicionalmente subrepresentados».
Manfred Honeck, Mendelssohn Choir of Pittsburgh & Pittsburgh Symphony Orchestra – Beethoven: Symphony No. 9
Chanticleer – Chanticleer Sings Christmas
Gustavo Dudamel, Fernando Malvar-Ruiz, Luke McEndarfer, Robert Istad, Grant Gershon, Los Angeles Children’s Chorus, Los Angeles Master Chorale, National Children’s Chorus, Pacific Chorale & Los Angeles Philharmonic – Mahler: Symphony No. 8, ‘Symphony of a Thousand’
Producer of the Year, Classical
Blanton Alspaugh
Steven Epstein
David Frost
Elaine Martone
Judith Sherman
Best Orchestral Performance
Nashville Symphony Orchestra – Adams: My Father Knew Charles Ives; Harmonielehre
Mendelssohn Choir of Pittsburgh & Pittsburgh Symphony Orchestra – Beethoven: Symphony No. 9
San Francisco Symphony – Muhly: Throughline
Philadelphia Orchestra – Price: Symphonies Nos. 1 & 3
Seattle Symphony Orchestra – Strauss: Also Sprach Zarathustra; Scriabin: The Poem of Ecstasy
Best Opera Recording
The Opera Philadelphia Orchestra- Litter Soldier songs
Helsinki Philharmonic Orchestra – Bartók: Bluebeard’s Castle
The Metropolitan Opera Orchestra; The Metropolitan Opera Chorus – Glass: Akhnaten
London Symphony Orchestra; London Symphony Chorus & LSO Discovery Voices – Janáček: Cunning Little Vixen
The Metropolitan Opera Orchestra; The Metropolitan Opera Chorus – Poulenc: Dialogues Des Carmélites
Best Choral Performance
Matthew Guard – It’s a Long Way
Gustavo Dudamel – Mahler: Symphony No. 8, ‘Symphony of a Thousand’
Will Liverman – Dreams of a New Day – Songs by Black Composers
Sangeeta Kaur & Hila Plitman – Mythologies
Joyce DiDonato – Schubert: Winterreise
Jamie Barton – Unexpected Shadows
Best Classical Compendium
Agave & Reginald L. Mobley – American Originals – A New World, A New Canon
Michael Tilson Thomas – Berg: Violin Concerto; Seven Early Songs & Three Pieces for Orchestra
Timo Andres & Ian Rosenbaum – Cerrone: The Arching Path
Chick Corea – Plays
Amy Andersson – Women Warriors – The Voices of Change
Best Contemporary Classical Composition
Andy Akiho – Akiho: Seven Pillars
Louis Andriessen – Andriessen: The Only One
Clarice Assad, Sérgio Assad, Sean Connors, Robert Dillon, Peter Martin & David Skidmore – Assad, Clarice & Sérgio, Connors, Dillon, Martin & Skidmore: Archetypes
El documental The Beatles and India explora nuevos ángulos de aquel viaje mágico de los chicos de Liverpool en busca de su luz interna.
En febrero de 1968 los legendarios miembros de The Beatles reunieron a familiares, allegados y algunos asIstentes decidieron irse a la India.
Todo parece indicar que el tiempo, capaz de desvanecer toda aventura, no ha podido aún hacerlo con aquella visita.
El filme “The Beatles and India” se estrenó en Londres el 6 de junio de 2020 en el Festival de Cine Asiático del Reino Unido, Tongues On Fire.
Silva Screen Records lanzó la banda sonora del documental The Beatles and India con música compuesta por Benji Merrison (SAS: Red Notice, Dynasties, General Magic, Forces of Nature con Brian Cox), quien grabó su música en Abbey Road Studios 2, Budapest, y Pune (India).
La banda sonora se lanzó digitalmente el 29 de octubre de 2021 y está disponible para transmitir / descargar en Amazon y cualquier otro servicio importante de música digital.
Esta música acompaña el filme que narra la perdurable historia de amor entre los Beatles e India que comenzó hace más de medio siglo.
Un viaje mítico y exotérico
El drector del filme es Pete Compton junto a Ajoy Bose, quien fue también responsable del libro de 2018 Across the Universe, otra pieza beatleniana relacionada con los exotérico.
El filme contiene fotografías y grabaciones inéditas, anécdotas del mítico viaje y la intervención de expertos que ahondarán en la relación entre The Beatles y la India.
Todo narrado por ese mago del convencimiento que es el actor Morgan Freeman.
Un viaje realmente mágico y misterioso que hicieron los chicos nacidos en Liverpool en su búsqueda existencial incesante, pese a que lo fundamental ya lo habían encontrado: su música única, genial y trascendente.
La India en esos y estos tiempos como país tiene todos los atributos.
Se dice que George Harrison propuso una inmersión en la Meditación Trascendental de la mano del maestro Maharishi Mahesh Yogi.
John Lennon resultó impresionado por su eterna búsqueda de un motivo para la vida, mientras que Paul MCartney probablemente encontró otra vía de sonidos nada místicos pero sí geniales.
Ringo Starr pasó bien sus primeros momentos escuchando percusiones nuevas.Pero con el realismo que le atribuyen, no soportó las costumbres indias y volvió con su esposa a Inglaterra tras dos semanas en Rishikesh.
India, India
Paralelo a la película se lanzó The Beatles and India: Songs Inspired by the Film, con reelaboraciones de canciones de los Fab Four a cargo de músicos indioscomo Vishal Dadlani, Kiss Nuka, Benny Dayal y otros.
El álbum incluye canciones de los Beatles escritas durante su estadía en Rishikesh como Mother Nature’s Son, Revolution, Sexy Sadie, Dear Prudence y Child of Nature, entre otras.
Este disco y el sountrack del filme son complementos sonoro de la exploración fílmica sobre la influencia de la India en la música de los Beatles, que contribuyó a tender un puente entre dos culturas muy diferentes.
A continuación puedes escuchar la versión en ese disco de la canción de John Lennon India India intepretada por Nikhil D’Souza:
The Beatles and India – Nikhil D’Souza – India India (visualiser)
The Beatles and India: Songs Inspired by the Film Tracklist
Tomorrow Never Knows – Kissnuka
Mother Nature’s Son – Karsh Kale / Benny Dayal
Gimme Some Truth – Soulmate
Across The Universe – Tejas / Maalavika Manoj
Everybody’s Got Something To Hide (Except Me And My Monkey) – Rohan Rajadhyaksha
I Will – Shibani Dandekar
Julia – Dhruv Ghanekar
Child Of Nature – Anupam Roy
The Inner Light – Anoushka Shankar / Karsh Kale
The Continuing Story Of Bungalow Bill – Raaga Trippin
Back In The USSR – Karsh Kale / Farhan Ahktar
I’m So Tired – Lisa Mishra
Sexy Sadie – Siddharth Basrur
Martha My Dear – Nikhil D’Souza
Norwegian Wood (This Bird Has Flown) – Parekh & Singh
Revolution – Vishal Dadlani
Love You To – Dhruv Ghanekar
Dear Prudence – Karsh Kale / Monica Dogra
India, India – Nikhil D’Souza
The Inner Light
Que los Beatles fueron infuenciados por la India lo demostraron en decenas de canciones de alguna manera relacionadas con esa cultura.
El nuevo documental trata, una vez más, de descubrir nuevos aspectos de una estancia que dejó pocos rastros pero sí canciones inmortales.
Otro disco de The Beatles que se tituló The Magical Mistery Tour, no se refirió a la India ni a ningún otro lugar definido.
Pero sí a la búsqueda que cada uno de los miembros del cuarteto repitió después para encontrar razones vitales coherentes.
En términos prácticos Magical Mistery Tour fue la banda sonora de una película para televisión del mismo nombre, presentada por la BBC el 26 de diciembre de 1967, antes del viaje a la India.
Sin embargo, con Magical…no fueron a ninguna parte.Ni siquiera fue un viaje al talento que ya tenían de sobra.
«Alquilamos un autobús y nos fuimos. Había algo de planificación: John siempre querría uno o dos enanos, y teníamos que conseguir un hangar de aviones para instalar el set. Hacíamos la música, por supuesto. Eran los mejores videos y fue muy divertido», narró Paul.
Buscaban encontrar algo interesante en el camino, pero no pasó nada.En cambio, sobre el viaje a la India meditaban 20 minutos a la mañana y otros 20 a la noche.
“Te llevaba de vuelta a la infancia, a cuando eras un bebé, a algunos de esos momentos de seguridad cuando solo necesitabas ser alimentado y dormir la siesta.
Y pensaba: ‘Bueno, diablos, esto es genial, no podría comprar esto en ningún lugar’. Eso fue lo más placentero y relajante que jamás tuve.
Mario Duplantier, de Gojira, se llevó la mayor cantidad de votos en el tradicional concurso de MusicRadar para elegir los 10 mejores bateristas de metal y se alzó con el título de Mejor Baterista de 2021.
¡Aquí está el Top 10 de los bateristas pesados del año, según los lectores de la publicación especializada:
1 – Ganador, Mejor baterista de metal 2021: Mario Duplantier, Gojira
La revista consideró que le merecieron el triunfo sus partes inventivas, precisión increíble, potencia y velocidad.
2. Alex Bent, Trivium
Desde blast beats hasta beatdowns, la batería de Alex aporta una dimensión adicional a la banda y continúa ayudando a impulsar el género, de acuerdo con la valoración de MusicRadar.
3. Lars Ulrich, Metallica
Lars fue calificado por los expertos como un baterista MasterClass que, con los demás integrantes del grupo, enseña cómo debe funcionar una banda.
4. Brann Dailor, Mastodon
Brann Dailor no solo posee una técnica alucinante, también a menudo asume el deber vocal principal mientras toca. El último álbum Hushed and Grim puso a Brann en la encuesta, según reveló la publicación,
5. Zev Rose, Spiritbox
Para MusicRadar los recién llegados Spiritbox lograron con su álbum debut, Eternal Blue, incorporar desde nu-metal hasta influencias electrónicas con una interpretación potente de Zev Rose.
6. Mike Mangini, Dream Theater
Según la valoración de los especialistas de la revista, Mangini regresó con los reyes del metal progresivo, Dream Theater, y se ganó un puesto en la lista con sus toques en A View From The Top Of The World, con 70 minutos de músico en sólo 7 canciones.
7. Nicko McBrain, Iron Maiden
La ubicación de Nicko en el Top 10 llegó tocando metal clásico metal en el decimoséptimo álbum de estudio de Maiden, Senjutsu.
8. Eloy Casagrande, Sepultura
Sobre Eloy Casagrande Music Radar afirmó que es uno de esos bateristas que puede cruzar géneros y hacerlo bien. Destacó en el año con su proyecto paralelo Casagrande & Hanysz, con altos niveles de potencia y velocidad brutales.
9. Jason Bowld, Bullet For My Valentine
La revista no dudó en calificar a Jason Bowld “un animal absoluto en el kit». El álbum homónimo de Bullet de este año, más el proyecto paralelo de rock electrónico, Shadow Addict lo ubican entre los mejores.
10. John Otto, Limp Bizkit
Limp Bizkit todavía suena y John Otto aún aporta su característico estilo a una colección de nuevas canciones en su nuevo álbum. MusicRadar recordó que Otto reveló planes para lanzar su propia escuela de música en línea. Así que atentos!.
Como siempre sucede NO todos están de acuerdo con la lista (o con el orden) de los 10 mejores bateristas de metal, pero el hecho de que el concurso fue realizado por una publicación con lectores conocedores es una referencia válida.
Por lo demás, cada uno puede hacer su propio Top 10, por supuesto.
Eric Clapton Signature Martin Guitar Demo – Martin 000 28 EC Acoustic
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Vamos a ver ¿cuánto pagaría usted por la Martin D-45 de 1968 de Eric Clapton, que tocó en el debut de Derek and the Dominos en el Lyceum Theatre de Londres en junio de 1970?
Pues en una subasta de Julie los días 19 y 20 de noviembre se vendió por la friolera de 625,000 dólares estadounidenses.
En esos 2 días denominados Icons & Idols: Rock ‘N’ Roll, varias guitarras eléctricas y acústicas tocadas por Eddie Van Halen, The Edge, Elvis Presley, David Gilmour, y otro recaudó casi 5 millones de dólares.
La mayor recaudación fue para la Martin D-45 que Clapton también utilizó para escribir y grabar varios de sus hits. El precio de subasta estimado fue de 300,000 dólares.
Detrás, en términos de valor, se ubicó la Gibson Explorer 1976 que The Edge utilizó como respaldo durante la gira Joshua Tree de 1987. La puja por este instrumento llegó a 437,500 dólares.
Guitarras subastadas de Eric Clapton, The Edge y Gilmore.
Memorabilia de los íconos del rock
Otra Gibson Les Paul Standard usada en conciertos por el guitarrista de U2 se vendió por 96,000 dólares, en tanto que una Gretsch Irish Falcon G61361 de 2005 utilizado por Bono, el cantante de esa misma banda, alcanzó un monto de 115,000 dólares.
También una reedición de la Fender Stratocaster ’57 que David Gilmour utilizó en las giras A Momentary Lapse of Reason de Pink Floyd en ’87, ’88 y ’89, llegó a los 200,000 dólares.
Para revisar el lote subastado en Icons & Idols: Rock ‘N’ Roll, sigue el link de Julien’s Auctions.
Además de los instrumentos musicales también se subastaron otros objetos relacionados con estrellas del rock, como la letra de “Kashmir” escrita por la mano de Robert Plant y una pintura abstracta hecha por Bob Dylan en la década de 1960.
Otros objetos fueron varias ilustraciones de Kurt Cobain junto a memorabilia de The Beatles, Gun N´s Roses, Whitney Houston y Keith Richards, entre otros.
U2 – Even Better Than The Real Thing (Official Music Video)
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En entrevista con Rolling Stone, The Edge adelantó que U2 trabaja para terminar con una larga sequía de canciones nuevas y prepara un álbum que está apenas en los inicios.
U2 prepara nuevo álbum, aunque todavía de forma incipiente, reveló The Edge, el guitarrista de la banda.
Edge dijo a Rolling Stone que poco antes de conversar vía Zoom con esa revista estaba trabajando con el bajista Adam Clayton en una nueva idea de canción.
«Estamos firmemente encerrados en la torre de la canción y trabajando en un montón de cosas nuevas», dijo durante la entrevista que estaba pactada para hablar de algunas pistas de Achtung Baby, con motivo de la edición por el 30 aniversario de ese disco.
La edición 30 aniversario de Achtung Baby de U2 incluye una edición de vinilo y una gigantesca caja digital.
El séptimo álbum de U2 se lanzó en noviembre de 1991y es considereado uno de los trabajos más emblemáticos de la banda.
La caja de 50 pistas, disponible desde el 3 de diciembre de 2021, incluye remixes y caras B. 22 de las pistas nunca han estado disponibles antes digitalmente.
U2 prepara nuevo álbum sin rumbo claro todavía
The Edge reconoció que están están en las primeras etapas del proceso sin definir el rumbo que tomará el álbum y ni siquiera han escogido al productor.
Sobre ello dijo:
“Disfruté mucho trabajar con [el DJ holandés] Martin Garrix [en la canción de la UEFA Euro 2020 ‘We Are the People’] y espero trabajar con él en el futuro. Pero no hemos tomado ninguna decisión firme sobre cuál será el próximo paso en términos de personal. Simplemente no lo sé».
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