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Billie Eilish Happier Than Ever en un mundo borroso

Billie Eilish – Happier Than Ever (Official Lyric Video)

Billie Eilish lanzó el 30 de julio de 2021 su esperado segundo álbum Happier Than Ever, a través de Darkroom / Interscope Records.

El disco llega cuando esta chica ya tiene un reconocimiento mundial, varios premios Grammy, su propio documental y un libro de memorias, o de recortes, como se quiera ver.

Su segundo disco de estudio está disponible desde el 30 de julio del 2021 con el título de Happy Than Ever el 30 de julio (Darkroom / Interscope).



Disponible en Amazon:
Happier Than Ever [2 LP]

Billie Eilish lanzó el 30 de julio de 2021 su esperado segundo álbum Happier Than Ever, a través de Darkroom / Interscope Records.

El disco da continuidad a una carrera desatcada que comenzó con su álbum debut, ganador de varios premios GRAMMY, WHEN WE ALL FALL ALSEEP, WHERE DO WE GO ?.

Este álbum de estudio de 16 pistas no presenta escritores ni productores externos y fue escrito por Billie y su hermano FINNEAS, quien lo produjo en Los Ángeles.

Incluye sencillos de éxito, «mi futuro» y «Therefor I Am». 100% Reciclado Negro 2 LP.


Dada su popularidad pareciera falso que este apena será el segundo, desde que lanzó su debut en el estudio When We All Fall Asleep, Where Do We Go. 

Pero ello no quiere decir que se mantuvo inactiva. Ella lanzó varias decenas de sencillos y videos musicales y 2 álbumes en vivo (Live at Third Man Records y Live at the Steve Jobs Theater)

Como resultado Billie arrasó en los Grammy de 2020 con 4 premios principales y en 2021 se llevó los de Mejor grabación del año (Everything I Wanted) y Mejor canción escrita para medios visuales (No Time To Die).

Con No Time To Die entró en la selecta lista de cantantes que grabaron temas para los filmes de James Bond.

La lista es impresionante: Shirley Bassey, Nancy Sinatra, Tom Jones, Tina Turner, Jack White y Alicia Keys, Madonna, Adele, Sam Smith y Paul McCartney, con Wings).

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Las memorias de Billie Eilish


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Billie Eilish

El libro Billie Eilish By Billie Eilish, es un álbum de recortes familiar desde su nacimiento.

Aunque el libro será mucho más sujeto a interpretaciones que el documental, porque no tiene muchas explicaciones.

En la introducción Billie explicó que quiere que “se sienta como un libro de fotos que podrías tener de ti misma. No quiero explicárselo todo. Quiero darte una gran cantidad de imágenes que hablan por sí solas».

En las más de 350 fotos se puede apreciar la transformación de una bebé rubia a una artista cada vez más oscura, triste y enigmática.


La chiquilla de pelos coloridos y atuendos extravagantes (alguien dijo que tiene aspecto alienígena) ya entró en la historia de la música en esa categoría superior.

Pero, que hay detrás de este personaje que define en mucho los nuevos tiempos y las generaciones de esta época?.

Probablemente habrá muchas interpretaciones sobre la personalidad de Billie. Para descifrar el misterio, si queda algo despues de escuchar su música y leer su libro qued otra opción.

Se trata del documental The World’s a Little Blurry (Un mundo algo borroso) de Apple TV + lanzado en febrero de 2021.

La duda surge cuando se le ve en las fotos haciendo una vida familiar y vestida con ropa como las de cualquier hija de vecino.

Tal vez entonces se pueda llegar a la conclusión de cuanto hay de verdad y de publicidad en su apariencia enigmática.

Ella misma escribió que «Todos somos solo nosotros mismos de tres años”. Quizás es una aseveración demasiado atrevida para una chica sin cumplir los 20 años de edad.

Pero puede ser una pista. O quizás no sea tan importante hallar la respuesta, sino seguir disfrutando de su música y desentrañando las letras escritas por ella y su hermano Finneas.

Lista de canciones de Happy than Ever:

  • 01 Getting Older
  • 02 I Didn’t Change My Number
  • 03 Billie Bossa Nova
  • 04 my future
  • 05 Oxytocin
  • 06 GOLDWING
  • 07 Lost Cause
  • 08 Halley’s Comet
  • 09 Not My Responsibility
  • 10 OverHeated
  • 11 Everybody Dies
  • 12 Your Power
  • 13 NDA
  • 14 Therefore I Am
  • 15 Happier Than Ever
  • 16 Male Fantasy

Música Inside

Randy Rhoads, al Salón de la fama en Crazy Train

Considerado pionero de hipervelocidad en la guitarra del metal y el hard rock, Randy Rhoads entró al Salón de la Fama en 2021.

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Para Randy Rhoads el 2021 hubiera sido un año afortunado. El célebre guitarrista fue incluido en el Salón de la Fama del Rock And Roll. 

Rhoads fue uno de los tres ganadores del Premio a la Excelencia Musical, junto con LL Cool J y Billy Preston.

El reconocimiento llegó casi 40 años después de su fallecimiento en un accidente en 1982, cuando integraba la banda Blizzard of Ozz de Ozzy Osbourne a la que se integró en 1979. Tenía sólo 25 años de edad.

Antes ya había ganado fama en el mundo musical como líder de Quiet Riot con el cantante Kevin DuBrow y se había convertido en un mito viviente en el mundo del rock.

¿A quíen no le impactan sus solo en canciones como Crazy Train y Mr. Crowley?. Sin dudas esas canciones incluidas en el álbum Blizzard of Ozz entre los mejores de la historia del rock y patrones de guitarra para la música metal.

Blizzard of Ozz


Después de ser despedido de la banda Black Sabbath, Ozzy Osbourne formó en 1979 una banda para seguir su carrera como solista que inicialmente recibió el nombre de Blizzard of Ozz.

Lo acompañaron el guitarrista Randy Rhoads, el bajista Bob Daisley y el baterista Lee Kerslake.

El primer disco fue lanzado el 12 de septiembre de 1980 en el Reino Unido y el 27 de marzo de 1981 en los Estados Unidos.

Fue el primero de dos álbumes de estudio que Osbourne grabó con el guitarrista Randy Rhoads, quien murió en 1982.

En 2017, ocupó el noveno lugar en la lista de Rolling Stone de los «100 mejores álbumes de metal de todos los tiempos».


Coincidentemente con el ingreso en el Salón de la Fama, Ozzy Osbourne presentó el libro ‘Randy Rhoads’ del fotógrafo Ross Halfin.

El título de 280 páginas presenta -además de las imágenes en el escenario y fuera de el- una introducción de Osburne y un epílogode Tom Morello.

Este libro integra la colección de Rufus Publications sobre estrellas de la guitarra eléctrica.

Osbourne, como muchos otros, considera que  Rhoads fue un guitarrista genial creando riffs, capaz de idearlos en cualquier momento.

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Randy Rhoads, pionero de la alta velocidad

Sobre la capacidad creativa de Rhoads, Osbourne explicó, según la página de Rufus Books:

Era genial inventando riffs. Recuerdo que estábamos en una fiesta en un estudio de ensayo en Londres para la banda Wild Horses. 

Todos los demás estaban realmente jodidos, pero Randy estaba sentado en una esquina con su Flying V (Jackson), simplemente jugando con ella. 

De repente, comenzó a tocar este riff increíble. Yo dije: «¿Qué diablos fue eso?» y se encogió de hombros. Dije: «Tócala de nuevo», y comencé a cantar estas palabras que tenía en la cabeza: 

«El vino está bien, pero el whisky es más rápido, el suicidio es lento con el licor …» Eso fue Suicide Solution”

Ozzy Osbourne

El que para muchos es uno de los mejores guitarristas de hard rock / heavy metal nació el 6 de diciembre de 1956 en Santa Mónica, California. 

Al explicar su introducción en el Salón de la Fama del Rock And Roll esa organización afirmó que se trata de uno de los guitarristas más importantes e influyentes de todos los tiempos.

Para los expertos de esa institucion Randy Rhoads fue un cambio dramático para el heavy metal y para generaciones de guitarristas. 

Además, al incorporar elementos clásicos en su estilo característico único, fue pionero en un estilo técnico de alta velocidad de solos de guitarra.

También popularizó técnicas como el tapping con las dos manos y los patrones de escala complejos que llegaron a definir el metal en la década de 1980 y más allá.

Sobre «Crazy Train» considera que es uno de los riffs de guitarra más reconocibles jamás tocados. 

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Música Inside / Foto: Jackson Guitars

Gibson recrea la guitarra perdida de Peter Frampton

Peter Frampton «Phenix» 1954 Les Paul Custom (Gibson TV)

Gibson lanzó en 2021 una serie con la recreación de la Les Paul Custom de 1954, la guitarra perdida y recuperada de Peter Frampton.

El lanzamiento por Gibson de una serie inspirada en la guitarra perdida de Peter Frampton hace recordar un episodios increíble de la historia del rock.

Esa guitarra apareció en la portada del legendario álbum «Frampton Comes Alive!».

En realidad esa Les Paul Custom de 1954 estuvo siempre cerca de Peter Frampton hasta 1980.

Su romance con la «Phenix» se remonta a 1970, cuando todavía integraba la banda Humble Pie.

Pero en 1980, un avión de carga que llevaba la guitarra junto a los demás instrumentos y equipo de la banda, sufrió un trágico accidente. 

La aeronave que llevaba destino a Panamá se desplomó cerca de Caracas, donde el guitarrista había terminado de actuar. Todos los tripulantes del avión murieron y el equipo se dio por destruído.

Tiempo después Donald Valentina, un agente de aduanas de Curazao que reparaba guitarras como afición, recibió una Les Paul 1954 para repararla.

A partir de la configuración inusual de las tres pastillas y marcas de quemaduras, identificó la guitarra perdida de Peter Frampton.

La negociación para adquirirla duró más de 30 años, hasta que el guitarrista que la tenía en su poder decidió venderla en 2011. La gestión contó con el apoyo de Ghatim Kabbara de la oficina de turismo de la isla holandesa.

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5,000 dólares por la guitarra perdida de Peter Frampton

El precio acordado reportado fue de cerca de 5,000 dólares. Valentina y Kabbara luego devolvieron el instrumento a Frampton.

Los expertos de Gibson Custom Shop certificaron que se trataba de la misma guitarra y la reconstruyeron. Dado el milagrosos desenlace recibió el nombre de Phenix (Fénix).

Frampton había recibido ese instrumento en 1970 como regalo de un músico amigo identificado como Mark Mariana.

Este le sugirió al mítico guitarrista que probara su Les Paul Custom de 1954 modificada, debido a la insatisfacción de Frampton con el sonido de sus instrumentos de ese momento.

Frampton la utilizó durante su período con la banda Humble Pie y en todas las sesiones de grabación que realizó durante los siguientes 10 años.

Ahora, en 2021, Gibson anunció la fabricación de una versión VOS (Vintage Original Spec) de esta guitarra, con todos los detalles cosméticos clásicos de Les Paul Custom.

El cuerpo es de caoba ultraligero con herrajes dorados, afinadores Grover, Schaller Strap Locks y la firma de Frampton en el clavijero.

El acabado de la recreación es de un original vintage, menos los golpes y cicatrices que ahora tiene el Phenix original.

En un comunicado Frampton explicó:

Recibí mi nueva Gibson Les Paul Custom VOS, y vaya que bien! No podría estar más satisfecho con la apariencia y el sonido.

«Gibson ha hecho un esfuerzo adicional en cada área para hacer que esta sensación y sonido sea lo más cercano a mi guitarra Phenix Les Paul Custom original y legendaria. 

El mástil y el peso de esta guitarra de caoba te sorprenderán de lo bien que se siente y lo liviana que es (e incluso es un cabello más claro que el Phenix)”

La “Phenix” Gibson Les Paul Custom VOS con la firma de Peter Frampton está disponible por un precio a partir de 6,999 dólares.

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Historietas del Rock: Los Beatles en Ed Sullivan Show

Probablemente muy pocos pondrán en duda el impacto que tuvo en la música lo que se conoce como «la aparición de los Beatles en el Show de Ed Sullivan«.

Quizás este pudiera ser uno de esos extraños casos en que los artistas convierten un programa en histórico.

Aunque realmente la actuación de los Beatles no fue la primera de gran impacto que tuvo el programa, lo cierto es que muchos años después sigue siendo la más mencionada.

Entre otros actuaron allí artistas como Elvis Presley, Rolling Stones y Beach Boys. La primera de Elvis también fue impresionante, pero aguada por la censura a lo que se consideraban movimientos impúdicos del Rey.

Un detalle que muchas veces pasa inadvertido es que los Beatles no sólo aparecieron una vez junto a Ed Sullivan, sino varias.  En realidad se presentaron el 9, 16 y 23 de febrero de 1964 y el 12 de septiembre de 1965. 

Pero, sin dudas, todo el mérito se lo lleva la primera vez (como sucede en otras cosas): aquel programa del 9 de febrero.

Los Beatles en Ed Sullivan Show para 73 millones

Ante 73 millones de personas, casi el 40 por ciento de la población de Estados Unidos entonces, The Beatles dejó su marca en la historia de la televisión.

Los chicos de Liverpool grabaron ese día en el estudio 50 de CBS, un teatro convertido en estudio de grabación desde 1950.

La banda interpetó 5 canciones: «All My Loving«, «Till There Was You» y «She Loves You«, en la primera mitad del programa. Luego actuaron otros invitados (Georgia Brown y Oliver Kidds, Frank Gorshin y Tessie O’Shea) y los Beatles interpretaron «I Saw Her Standing There» y «I Want To Hold Your Hand«.

El día de la actuación de los Beatles en Ed Sullivan Show la peor parte fue para el dúo de Charlie Brill y Mitzi McCall a quienes les tocó actuar después de la banda británica.

En una entrevista con la CBS en 2014 recordaron su dura experiencia: «Para nosotros, fue pésimo. Fue terrible», dijo McCall. «No podíamos oírnos ni el uno al otro debido a los gritos», recordó Brill.

Hay un momento significativo cuyo verdadero alcance se conoció después.

Elvis who?

Fue cuando, antes de que los 4 Fabulosos subieran al escenario, Ed Sullivan anunció que había recibido un telegrama «muy agradable» de Elvis Presley, deseándoles un «tremendo éxito».

Hubiera sido bonito. Pero en realidad se aclaró luego que la nota la envió el coronel Tom Parker, manager de Elvis.

Al parecer enterados de la poca admiración que el Rey sentía por los chicos de Liverpool, estos respondieron burlonamente “Elvis who? (¿Elvis qué?) y echaron por el piso el intento de Parker de aprovechar la presentación en beneficio de su pupilo.

Existen otros muchos hechos significativos vinculados a esa presentación. Algunos de ellos no son reales, como la firmación de que esa noche bajó el nivel del crimen en Estados Unidos.

Realmente no bajó el crimen, pero para millones de personas ese fue un día memorable “aquella noche que ví a los Beatles”.

Música Inside / Foto: David Mark, Pixabay

Norah Jones en vivo, »Til We Meet Again”

Norah Jones – ‘Til We Meet Again (Official Album Trailer / Live)

Con una carrera artística de dos décadas, la cantante, compositora y pianista Norah Jones lanzó en 2021 Til We Meet Again, su primer álbum en vivo.

Que ´Til We Meet Again, de Norah Jones, sea su primer disco en directo resulta algo extraño, si se tiene en cuenta que la ganadora de 9 premios Grammy posee una fuerza avasalladora en los escenarios.

Las grabaciones realizadas en Francia, Italia, Brasil y Argentina entre 2017-2019 integran, sin dudas, uno de los discos significativos del año. No resultó sopresivo, entonces, su nominación a un Grammy 2022 en la categoría de  Best Traditional Pop Vocal Album (Mejor álbum pop tradicional vocal).

Pero más allá de ese reconocimiento, se trata de un disco que disfrutará todo amante de la música, sobre todo si no es adicto a clasificar las canciones por géneros, porque aunque hay una bases jazzística, Norah Jones es mucho más.


Casi 2 décadas después de iniciar su carrera, la artista ganadora del GRAMMY, Norah Jones, lanzó su primer álbum en vivo, Til We Meet Again.

Las grabaciones corresponden a actuaciones de Estados Unidos, Francia, Italia, Brasil y Argentina entre 2017 y 2019, que abarcan desde su debut en 2002 hasta sus sencillos más recientes «It Was You» y «I’ll Be Gone».

Se cierra con una versión de «Black Hole Sun» de Soundgarden.


Black Hole Sun

Aunque el álbum tiene muchas joyas, el cierre es impresionante. La última pista es una interpretación electrizante de 7´11 minutos de Black Hole Sun de Soundgarden.

En una entrevista con Grammy.com, Jones explicó que sólo interpretó esa canción una vez y probablemente nunca más vuelva a hacerlo.

Según sus propias palabras, creció escuchando Soundgarden. Y resulta que apenas unos días después que Chriss Cornell murió luego de una acuación en el Fox Theatre de Detroit, Jones debía tocar en el mismo escenario. 

Entonces, pensé que sería bueno tocar «Black Hole Sun» como tributo. La practique todo el día en mi camerino. Estaba un poco nerviosa, pero pensé: «Vamos a enviarle un poco de amor y hacer esta canción suya.

Probablemente fue uno de los momentos (de actuación) en vivo más hermosos que he tenido. 

La canción es hermosa y, de alguna manera, la música, su espíritu, no sé si su fantasma estaba en la habitación o qué, pero me llevó a través de esa canción como nunca me hubiera imaginado”.

Grammy.com

Sólo el sentimiento de Jones en esa canción ya hace de este disco en vivo algo memorable.

En tiempos dramáticos donde salir de casa se convierte en una acción peligrosa ”Til We Meet Again” es un álbum que se agradece.

Tracklist de Til We Meet Again:
  • 1. Cold, Cold Heart (Live)
  • 2. It Was You (Live)
  • 3. Begin Again (Live)
  • 4. Those Sweet Words (Live)
  • 5. I’ve Got To See You Again (Live) 
  • 6. After The Fall (Live)
  • 7. I’ll Be Gone (Live)
  • 8. Just A Little Bit (Live)
  • 9. Falling (Live)
  • 10. Tragedy (Live)
  • 11. Sunrise (Live)
  • 12. Flipside (Live)
  • 13. Don’t Know Why (Live)
  • 14. Black Hole Sun (Live)
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¿Regresaron los discos de vinilo para quedarse?

Que regresaron los discos de vinilo queda claro. El asunto ahora es saber si es un regreso definitivo o se debe a una coyuntura.

Según un reporte de MRC Data, durante la primera mitad de 2021 las ventas de discos de vinilo tuvieron un incremento interanual de 108.2 por ciento.

Este crecimiento se registró en el mismo período en que las transmisiones de canciones a nivel mundial aumentaron en aproximadamente un 27.5 por ciento.

Al analizar el tema, Digital Music Nes consideró que quizás la conclusión más importante de la industria de la música del informe es el rendimiento estelar del vinilo del 108,2 por ciento que en el volumen de ventas de Estados Unidos representó 19,2 millones de unidades.

«Por primera vez a mitad de año en la historia de MRC Data (desde 1991)», dice MRC Data,, «las ventas de álbumes de vinilo superan las ventas de álbumes de CD, con un volumen de álbumes de vinilo de 19,2 millones frente al volumen de álbumes de CD de 18,9 millones».

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El vinilo británico también crece

Anteriormente un reporte de la publicación británica Music Week reveló que en el Reino Unido las ventas de LP de vinilo aumentaron un 16,1% interanual en el primer trimestre de 2021.

Esas ventas superaron el millón de unidades (1.080,653), según los datos de la Official Charts Company del Reino Unido.

Las cifras superan el ritmo de crecimiento del 2020. Ese año la venta de discos de vinilo subió 11,5% y llegó a 4,8 millones de unidades, pese al cierre de las tiendas minoristas y disminución de los lanzamientos.

Una investigación de la Entertainment Retailers Association (ERA) indicó que desde la reapertura de las tiendas de discos el aumento interanual es del 91% hasta ahora.

De otro lado, el estudio apunta que pese a que el año anterior también aumentaron las ventas de CD la tendencia para este soporte es a la baja, con un descenso del 29,9% interanual.

En opinión de la CEO de ERA, Kim Bayley, el auge de las ventas se debe en parte a que las tiendas utilizan un modelo de negocio completamente nuevo y comenzaron a operar en línea.

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¿Discos de Vinilo por siempre?

Al mismo tiempo Bayley estima posible que el auge no dure para siempre, pero lo considera un voto de confianza de los fanáticos de la música de que realmente aprecian las tiendas de música.

Una explicación del inicio de este crecimiento es que las personas encerradas en sus casas comenzaron a buscar más formas de entretenimiento.

Muchos tuvieron que comprar primero un tocadiscos y luego comenzaron a adquirir los discos en el viejo soporte analógico.

Los amantes de la música volvieron entonces a disfrutar del olvidado placer de manosear las carátulas de los LP.

Muchos comprobaron entonces la realidad de esa afirmación generalizada de que la calidad del sonido de los discos de vinilo supera al de cualquier otro soporte.

Técnicamente muchos argumentan esa afirmación. Pero también es importante el factor psicológico.

Sumidos en la incertidumbre de una pandemia que ha cobrado millones de vidas, volver al vinilo puede provocar un efecto de transportación mental hasta otra época. Un tiempo en que no solo éramos más jóvenes, sino que también el mundo parecía más seguro, pese a todos los peligros anteriores.

Música Inside

(Nota actualizada el 14 de julio de 2021)

La Nueva Música que viene con Mayo

Como ya viene siendo costumbre en tiempos de pandemia de coronavirus mayo de 2021 llega con una buena colección de nueva música y músicos rescatados del tiempo.

Procol Harum, Van Morrison, Grateful Dead, Micky Dolenz (The Monkees) y David Bowie, pueden entrar en esa categoría.

Para también otros lanzamientos muestran que la música está viva y los decibeles siguen altos pese al COVID-19.

A continuación Música Inside les ofrece una relación de la nueva música con mucho rock que estará a su disposición en mayo.

Que los disfruten!

Mayo 7

Nancy Wilson (Heart), You and Me

Judy Collins, White Bird: Anthology of Favorites (Stephen Stills, Willie Nelson, Joan Baez)

Van Morrison, Latest Record Project: Volume 1

New Order, Education Entertainment Recreation 

Procol Harum, Missing Persons (Alive Forever) (EP)

Weezer, Van Weezer

Tony Joe White, Smoke from the Chimney

Tom Petty, Finding Wildflowers (vinilo)

Mayo 14

Steve Miller Band, Live! Breaking Ground August 3, 1977

Crosby, Stills, Nash & Young, Deja Vu (reedición aniversario) 

Del Amitri, Fatal Mistakes

Grand Funk Railroad, Live: The 1971 Tour (reedición)

Grateful Dead, Road Trips Vol. 2 No. 3: Wall of Sound

Juliana Hatfield, Blood

Levara, Levara [con Steve Lukather, Steve Perry y Joseph Williams]

Myles Kennedy, The Ides of March

Steve Goodman, It Sure Looked Good On Paper: The Steve Goodman Demos

Stone Poneys (Linda Ronstadt), Evergreen Vol. 2

Various Artists, Ram On: 50th Anniversario Tributo a Paul & Linda McCartney’s ‘Ram’ (Dave Spinozza, Davey Johnstone, Carnie Wilson)

Black Keys, Delta Kream

Charlie Benante [Anthrax], Silver Linings

Paul Weller, Fat Pop, Vol. 1

Mayo 21

Micky Dolenz (Monkees), Dolenz Sings Nesmith

Gary Numan, Intruder

Bob Malone (John Fogerty), Good People

Monster Magnet, A Better Dystopia

Mike Tramp (White Lion), Everything Is Alright

Counting Crows, Elevator Boots

Mayo 28

David Bowie, The Width of a Circle

Lou Gramm [Foreigner], Questions and Answers: The Atlantic Anthology 1987-1989

Blackberry Smoke, You Hear Georgia

Can, Live in Stuttgart 1975 (reedición en vinilo)

Kansas, Point of Know Return Live & Beyond

Peter Cetera, Love, Glory Honor and Heart: The Complete Full Moon and Warner Bros. Recordings (1981-1992)

Various artists, Beyond the Pale Horizon: The British Progressive Pop Sounds of 1972 (Free, Thin Lizzy, Argent, the Moody Blues, Status Quo, others)

Música Inside

Origen del Maloik, la mano cornuda del rock

Dio – Rainbow In The Dark (Official Music Video)

El “Maloik” o la “mano cornuta” es un símbolo del hard rock y por extensión de toda la música relacionada con el género.

Aunque hay diversas versiones, la más aceptada generalmente es la que atribuye su identificación con el rock a Ronnie James Dio (Black Sabbath, Elf, Rainbow, Heaven & Hell, Dio)

La historia es que comenzó a hacer ese signo con la mano cuando sustituyó en Black Sabbath a Ozzy Osbourne, quien acostumbraba a hacer el de “Amor y Paz” en sus presentaciones.

Realmente la mano cornuda también apareció en 1969 en la portada de Yellow Submarine, de The Beatles.

Aunque ese disco salió antes de la entrada de Ronnie James Dio en Black Sabbath, está claro que la imagen no provocó ninguna identificación con el rock.

Más bien, los partidarios de teorías de conspiraciones la utilizaron para argumentar que se trató de una alusión de John Lennon a la supuesta muerte de Paul McCartney.

Si bien se estima que el símbolo viene de la antigua Grecia, ha sido adoptado por diversas culturas. En este caso, al parecer, vino del uso que se le daba en Italia.

La abuela italiana que hacía el maloik

En una entrevista en 2001 con Metal Rules, Ronnie James Dio admitió que la inspiración vino de su abuela italiana.

En esa entrevista dijo:

No es la señal del diablo como si estuviéramos aquí con el diablo. Es una cosa italiana que recibí de mi abuela llamada ‘Malocchio’. 

Es para protegerse del mal de ojo o para dar el mal de ojo, dependiendo de la forma en que lo haga.

Es solo un símbolo, pero tenía encantamientos mágicos y actitudes hacia él y sentí que funcionó muy bien con Sabbath. Así que me hice muy conocido por él y luego todos los demás comenzaron a entenderlo. 

Pero nunca diría que me atribuyo el mérito de ser el primero en hacerlo. Digo porque lo hice tanto que se convirtió de alguna manera en el símbolo del rock and roll».

Realmente no se trató de una invención de Ronnie James Dio, pero sí es indudable que fue la figura que hizo popular su identificación con el Rock.

Y seguramente seguirá siendo por mucho tiempo más, como el mismo rock.

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Ella Baila Sola vuelve en tiempos de pandemia

Seguramente en estos tiempos de incertidumbre muchos buscan esa música ligera pero de buena calidad que alegra el alma. En esa categoría se puede incluir a Ella Baila Sola.

Tras algunos años de éxitos sobre todo en España y América Latina se separaron sin decir por qué.

Cada una de las integrantes del dúo,  Marilia Andrés y Marta Botía, siguieron sus caminos artísticos por separado.

En 2021, al cumplirse el 25 aniversario de su primer disco “Ella baila sola”, decidieron regresar a los escenarios. Para explicar su reunificación solo dijeron: nos echamos de menos. 

Pero seguramente fue una decisión que agradecen muchos de sus seguidores que disfrutaron de canciones como  Lo echamos a suertes, Cuando los sapos bailen flamenco, Despídete, Y quisiera y Amores de Barra. 

El regreso se programó como una gira de conciertos exclusivos para escuchar los grandes éxitos del dúo. 

Durante sus años juntas recibieron 8 números 1 en las listas de éxitos musicales de España y Latinoamérica, una nominación al Grammy Latino como mejor grupo.

En España recibieron el reconocimiento de 7 discos de platino en España, y discos de oro en Argentina, Chile y Colombia.

En 1998, 2 años después del lanzamiento de “Ella Baila Sola”, lanzaron E.B.S., su segundo álbum de estudio y en el 2000 “Marta y Marilia”, que les mereció su nominación al Grammy Latino como mejor grupo. 

Con más de 5 millones de discos y más de 300 conciertos en España y Latinoamérica, el final de esa trayectoria llegó en 2001 con un álbum recopilatorio. 

Las primeras fechas de su gira del 2021:
  • 18 de Junio. Málaga: Starlite Festival (Marbella)
  • 2 de Julio. Madrid: Wizink Center
  • 16 de Agosto. Cádiz: Plaza de toros (Puerto de Santa María)
  • 10 de Septiembre. Sevilla: (Recinto Hípico de Mairena de Aljarefe)

 En su página web oficial anunciaron próximas confirmaciones en el futuro.

Música Inside

La música latina le gana la partida al COVID

Al parecer la música latina encontró un antídoto para el COVID-19 y soportó el aislamiento de la pandemia con buen estado de salud.

Según reporte de la Recording Industry Association of America (RIAA), la música latina interpretada predominantemente en español creció por quinto año consecutivo en 2020 en Estados Unidos.

Esa asociación, responsable de la certificación de ventas, indicó que esta corriente tuvo ingresos totales del 19%, lo que es más del doble de la industria musical en general (9.2 %). 

Con un valor minorista estimado en 655 millones de dólares, esta música representa ahora el 5,4% del porcentaje total del mercado.

El RIAA 2020 LATIN Music Revenue Report, muestra que los ingresos por transmisión de esta música crecieron 20%, lo que representa el 96% de los ingresos totales de la música.

Según las cifras de la asocaición el crecimiento de la transmisión para el mercado estadounidense en general fue del 13,4% de los ingresos totales la transmisión representó el 82,9% en 2020. 

Uno de los factores fue el crecimiento de las suscripciones pagadas, con ingresos que aumentaron de 342,2 millones en 2019 a 439 millones de dólares en 2020, para un aumento del 28,3%. 

Música latina, la de mayor crecimiento

Las suscripciones pagas ahora representan el 20% de los ingresos por música lagina. 

En tanto, la transmisión a pedido o con publicidad aumentó 6.2% y pasó de 120.8 millones de dólares en 2019 a 128.3 millones en 2020.

Ello representa el 20% de los ingresos totales (en comparación con el 12% de los ingresos del mercado en su conjunto).

Al mismo tiempo la música latina representa el 15% de los premios Oro y Platino de la RIAA.

Sobre ello la directora de operaciones de la RIAA, Michelle Ballantyne atribuyó lo resultados, pese a la pandemia, a la innovación de los sellos de nuevos modelos de transmisión.

Según Nielsen Music, y Spotify, la música latina fue el género de más rápido crecimiento en Estados Unidos en 2020.

Ahora se ubica en el quinto lugar detrás del hip hop, pop, rock y country. 

En total los ingresos por música grabada en Estados Unidos alcanzaron en 2020 a 12.2 mil millones de dólares en valor minorista estimado. 

Quizás esto explique en alguna medida el auge de artistas que se animan a cantar en español.

Este es el quinto año consecutivo de crecimiento para la industria. Los servicios de suscripción de pago continuaron siendo el principal impulsor de los aumentos.

Música Inside

Eric Clapton, el mito de “Slowhand”

Eric Clapton – Layla | The Lady In The Balcony: Lockdown Sessions
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Slowhand, el libro de Phillip Norman, muestra la trayectoria de Eric Clapton desde una infancia complicada hasta ser reconocido como un mito de la guitarra.

Aunque a menudo se regalan adjetivos sin mucho sentido, el de “virtuoso” es -sin dudas- ciento por ciento aplicable al super guitarrista Eric Clapton.

¿Cómo llegó a esta maestría que lo hace inseparable de la guitarra eléctrica?. Puede haber muchas explicaciones, una de ellas es el libro “Slowhand” (Mano lenta) de Phillip Norman.

Una aclaración: Slowhand no proviene de su técnica para tocar. Se dice que se debe a su tranquila forma de cambiar las cuerdas de la guitarra en el escenario cuando se le rompía alguna.

Quizás tenga que ver algo con su carácter. El público -deseoso de seguir escuchándolo y también respetuoso- encontró una forma divertida de reverenciarlo (y apurarlo).

Cuando esto sucedía en sus inicios con el grupo The Yardbirds, los asistentes a los conciertos comenzaban lo que se conoce como “slow handclap” (aplauso lento).

Esto no es nada más que un aplauso colectivo que comienza lentamente y va acelerando el ritmo.

Se atribuye al manager de los Yardbirds, Giorgio Gomelsky, comenzar a llamarlo Eric «Slowhand» Clapton. Era un imaginativo juego de palabras entre “slow clap” y Clapton.

Eric Clapton, las transformaciones

Norman es un destacado escritor del mundo de la música. comenzó con “Shout!” de 1981, presentado como la verdadera historia de The Beatles.

Continuó en 1984 con “Symphony for the Devil: The Rolling Stones Story” y prosiguió con figuras como John Lennon, Paul McCartney, Mick Jagger y Elton John, entre otros.



El libro de la editorial Back Bay Books aborda la complicada infancia de Clapton, su paso por Yardbirds, Bluesbreakers, Cream, Blind Faith y Derek and the Dominos de John Mayall hasta su carrera en solitario.

Philip Norman es el biógrafo de Buddy Holly, Rolling Stones, John Lennon, Elton John y Mick Jagger, y autor del clásico The Beatles Shout!.


No evade aspectos personales como su etapa de “mujeriego”. Ello incluye su relación romántica con Pattie Boyd, la esposa de George Harrison y musa de “Something”, pero también de “Layla”.

Norman explica que en realidad no se trató de una traición, pues ya cuando Clapton se confesó con George, el Beatle estaba muy alejado sentimentalmente de Pattie.

El libro incluye entrevistas originales con figuras como la propia Boyd, el ex gerente Roger Forrester, amigos, familiares y compañeros de la música.

Según la imagen que nos da, Clapton no siempre fue el músico sobrio de vida familiar de la actualidad.

¿Pero acaso todos no vamos cambiando con el tiempo?. “Slowhand” es una historia de transformaciones hasta llegar a conformar a un maestro de la música.

Música Inside

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