Todas las entradas por Frank Martin

Periodista internacional. Corresponsal de agencia y escritor de libros de temas diversos
Música

Prince nuevamente vivo en un álbum póstumo

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Prince – Hot Summer

Desde julio de 2021 está disponible un álbum de estudio completo inédito de Prince, cantante, compositor, bailarín y personaje polémico, fallecido en 2016.

La NPG Records, Inc. bajo licencia exclusiva de Legacy Recordings lanza el nuevo álbum póstumo de Prince titulado Welcome 2 America.

El LP de 12 pistas es presentado por sus promotores como contenedor de puntos de vista y esperanzas del artista ante una sociedad que consideraba “cambiante»

Este álbum  fue grabado en 2010 para que  «jugara» comercialmente hablando con  Welcome 2 America Tour, una gira del cantante. Ese recorrido comenzó en diciembre de 2010 hasta mayo de 2011. 

. 

El creador de Purple Rain escapa del cautiverio que significa la muerte, para sumar ventas a los más de 150 millones de discos que vendió en vida.

Prince Rogers Nelson fue extravagante y a la vez polifacético. No discriminó géneros musicales como el new wave, el soul, el blues, y el jazz pese a su predominante rock. Ganó más de una decena de galardones por sus obras.

Sus pronósticos personales, según sus seguidores más especializados, se referían a una gran división política, el aumento de la desinformación y una más fuerte lucha por la justicia racial.

Como prueba los productores incluyeron en un comunicado sobre el lanzamiento del álbum declaraciones de 2010 de Prince.

Estas fueron sus palabras:  «El mundo está plagado de información errónea. La visión del futuro de George Orwell está aquí. Necesitamos permanecer firmes en la fe en los tiempos difíciles que se avecinan».

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Unvaulted Prince Welcome 2 America. 

La versión del presagio orwelliano busca demostrar que de alguna manera el creador de Born 2 Die, 1000 Light Years From Here y Hot Summer dejó un legado planetario.

Trucos promocionales aparte, muchos de los millones de personas que gustaron y aún gustan de su música creen mas en su legado musical.

El nuevo álbum fue concebido como una edición de lujo con un un video blu-ray de un espectáculo de abril de 2011 en Inglewood, California.

La edición tiene excelentes momentos de Prince apoyado por el baterista Chris Coleman y el bajista Tal Wilkenfeld  que fueron presentaciones únicas.

El  Prince Unvaulted Welcome 2 America está listo para su lanzamiento. Acaba de ser anunciado esta semana y puesto a la venta mediante compras adelantadas o pre-pedidos.

La canción principal Welcome 2 America, estuvo disponible en plataformas de transmisión y descarga, y en  un video promocional de 55 segundos como buenos «ganchos» del mercado. Luego se dio a conocer Hot Summer, que puedes escuchar en el clip al inicio de esta nota.

Las canciones disponibles:

  • 1.      Welcome 2 America (5:23)
  • 2.      Running Game (Son Of A Slave Master) (4:05)
  • 3.      Born 2 Die (5:03)
  • 4.      1,000 Light Years From Here (5:46)
  • 5.      Hot Summer (3:32)
  • 6.      Stand Up And B Strong (5:18)1
  • 7.      Check The Record (3:28)
  • 8.      Same Page Different Book (4:41)
  • 9.      When She Comes (4:46)
  • 10.    1010 (Rin Tin Tin) (4:42)
  • 11.    Yes (2:56)
  • 12.    One Day We Will All B Free (4:41)

Música Insid

Música

Hip-hop de Harlem a la publicidad mundial

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hip-hop
DjRrocksit (Pixabay)
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El hip-hop gana espacio en la publicidad mundial y destrona al pop y rock como géneros más utilizados en el período de la pandemia.

Desde que el hip-hop surgió en el Bronx y Harlem, en Nueva York, en la década de 1970 del seno de los afroamericanos este ritmo ganó reputación social principalmente.

Este estilo musical y de vida fue desde el mismo inicio adoptado por los más jóvenes. Se asentó como una subcultura basada en cuanto al afán musical en una manera rítmica de cantar hablando.

Por ejemplo el breaking, un estilo emparentado con la danza informal y la gimnasia malabaristas unido con el graffiti con sus  murales espectaculares populares hicieron época.

Pese a su nacimiento realmente humilde y de cierta manera en la violencia, el hip-hop está saltando barreras inesperadas.

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La revista Forbes, especializada en el mundo de los negocios y las finanzas, aseguró que ese género es una gran oportunidad para la promoción.

El descubrimiento es visual y apoyado por las estadísticas. De acuerdo con Forbes durante el cuarto trimestre de 2020 el hip-hop fue el género musical más visto en YouTube.

Según anunció YouTube -la red más destacada para compartir videos y clips- el hip-hop es el de más rápido crecimiento de los principales géneros musicales. Detrás van el pop y el rock.

El fenómeno no es nuevo y descansa en las características de subcultura muy diversa y popular de esta conducta humana.

Una investigación en 2017 demostró que entonces ya el Hip-Hop había superado a la música rock como el género musical más dominante en Estados Unidos.

En ese momento fue la inspiración y respaldo musical de los 10 álbumes más consumidos en el mercado con un crecimiento del 72% en pedidos a YouTube.

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Hip-Hop inteligente

La explicación, según un experto entrevistado por Forbes, es que “el hip-hop se está volviendo más inteligente para los servicios de transmisión y los medios de comunicación principales, está madurando».

El director de música y cultura negra de YouTube, Tuma Basa, afirmó además que “la generación más joven en esa red son nativos digitales y la generación de monetización. Descubrieron cómo monetizar su música y habrá un efecto acumulativo».

Basa agregó que el hip-hop es un importante impulsor de la cultura y que la cultura está creciendo en YouTube.

Algunos especialistas han relacionado el fenómeno con la pandemia mundial y con el mayor número de personas conectadas desde sus casas.

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Los anunciantes aprovechan en este caso tal auge que logra obtener la atención de la televisión.

La gran publicidad está aprovechando este ritmo en programas dedicados a los estados de ánimo de los espectadores confinados por la Covid-19.

Un fenómeno paralelo que no ha escapado a Forbes es que tal corriente apoya a los artistas y creadores afroamericanos dedicados al hip hop.

Siguiendo la situación en 2021 YouTube ya lanzó un proyecto llamado #YouTubeBlack, Voices. Ese plan constituye un compromiso global de varios años para favorecer a los creadores y artistas negros en esa plataforma.

Están ya involucrados artistas como Rexx Life Raj, Myke Towers, Sho Madjozi y Tkay Maidza de Black Voices Class de 2021.

Música Inside

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Cine

Ma Rainey, las tensiones de La madre del Blues

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El filme “Ma Rainey´s Black Bottom (La madre del Blues) no trata solamente de blues, si bien se centra en la figura de una de las más vibrantes estrellas del género.

Su fuerte es el racismo que asoló al mundo como secuela de la esclavitud y sobrevivió en este caso en Estados Unidos en forma de violencia y segregación.

Y se lleva las palmas en una afirmación subyacente: la música acompaña a los humanos como individuos, como colectivo, como pasado, presente futuro y en cualquier circunstancia.

La película, que se exhibe en la red de televisión por suscripción Netflix, ganó el premio de Reparto Excepcional que entrega  la Asociación Nacional para el Progreso de las Personas de Color (NAACP, en inglés).

No es casual que los tres productores sean el actor Denzel Washington, Todd Black nominado en 2016  para el Oscar por la mejor  película con Fences y el experimentado director y productor Dany Wolf.

Es protagonizada por Viola Davis, como Rainey, nominada al Oscar a la mejor interpretación femenina por ese papel. El libreto es una adaptación de una obra de 1982 de August Wilson con el mismo nombre.

Flor musical libre y cadenciosa 

Su guión muestra las tensiones económicas, sociales y raciales sobre Ma Rainey y su banda cuando se reúnen en un estudio de grabación en 1927 en Chicago.

Rainey,  llamada realmente Gertrude Pridgett y nacida el 26 de abril de 1886 en Columbus, Georgia, sabía dar al Blue la modulación que necesitaba. Se tornó en una diva de la raza negra en los grandes escenarios.

Fue conocida como la «madre del blues» y reconocida además como la primera gran vocalista de blues profesional.

Los blues pueden ser melancolía o tristeza. También sensuales y humorísticos.

Desde el punto de vista del género musical puede ser vocal e instrumental con  un patrón repetitivo, que suele seguir una estructura de 12 compases.

En realidad ha sido por varios siglos un escudo cultural de gente que rechaza el racismo. A veces también una flor musical libre y cadenciosa que puede expresar  emociones que «tocan» a cualquiera.

«Los blancos no saben nada del Blues», dice en la película Ma Rainey, y agrega «saben que existe, que está ahí pero no saben de dónde vino».

Ma Rainey va al cabaret 

Los blues no son himnos. Son canciones íntimas que a veces hablan fuerte o de manera sutil, con romanticismo crudo y sexualidad.

La letra de una de la canción llamada Ma Rainey´s Black Bottom en el repertorio de la artista es ilustrativa.

Tan pronto como los chicos se enteraron de que yo estaba allí

Dijeron: «Vamos mamá, vamos al cabaret»

Cuando llegue, deberías escucharme decir

¿Quieres ver el baile que llamas el trasero negro?

Quiero aprender ese baile

¿Quieres ver el baile que llamas tu gran trasero negro?

Que te pone en trance

Los blues son descritos como un  estilo musical que se originó a partir de la migración africana durante el esclavismo en América del norte.

Las letras cuentan historias rurales urbanas.

La película merece el título de «La madre de los Blues» en homenaje a Ma Rainey Su nombre mas crudo que puede traducirse como «El trasero negro de Ma Rainey» quizá sea más descriptivo.

Parece describir a la artista negra Rainey en Chicago luchando, severa, en 1927  por sobrevivir en un mundo complicado y hostil.

Así, usa sus blues con un lenguaje propio de la gente amenazada.

Música Inside

Música

Los éxitos y el destino de Peter Frampton

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Peter Frampton, cofundador de unos de los primeros supergrupos de la historia del rock, Humble Pie, sabe que todo en la vida puede tener un reinicio.

Hoy cuenta sus posibilidades de retornar a los escenarios, aún en la cúspide. 

Su nuevo álbum, Frampton Forgets the Words, tiene fecha de lanzamiento el 23 de abril de 2021.

El título será una nueva lanza con la cual el músico enfrentará su última batalla.

“Si no vuelven pronto los conciertos todo se acabó para mí” comentó el guitarrista ganador del Grammy, nacido en 1950 en Beckenham, Kent, Gran Bretaña en referencia a una miosotis autoinmune que padece.

Si su lanza de caballero andante de la música sirve, tal vez ayude a vencer una enfermedad que sufre y a combatir  la pandemia mundial que suprime los escenarios multitudinarios.

La nueva hazaña del llamado héroe de la guitarra multiplatino sería enfrentar los obstáculos más perentorios que le impiden ejecutar su guitarra en el único solitario lugar donde mira cara a cara a su público. El escenario.

El reloj de Peter Frampton

Solo los nuevos conciertos que le esperen  podrían ayudarlo a conjurar su enfermedad que inflama los músculos, los debilita y finalmente los atrofia.

Pero «todos tenemos un reloj» dijo en una entrevista con Grammy.com. 

En su caso «el primero es nuestro reloj vital y el segundo es el de la COVID», dijo. 

Hace un tiempo surgió un tercer medidor de su tiempo personal  con un golpe letal anticipado para  las habilidades de un gran guitarrista.

De cierta manera este es otro reto para Frampton. Es otro inicio como el que logró hace 46 años con su legendario ‘Frampton Comes Alive!’.

Ese disco resultó uno de los mejor vendidos de todos los tiempos, con 17 millones de copias en todo el mundo.

El álbum de hoy  Frampton Forgets the Words, es un amplio tributo a los más grandes éxitos en la vida artística de este artista inglés.

Los expertos lo señalan como una secuela del álbum instrumental de 2007, Fingerprints, ganador del premio Grammy de Frampton.

Los tiempos sin embargo no son los mismos para el músico de 71 años de edad.

Frampton Forgets the Words

«Es el tiempo con el cual tengo que lidiar. Si no puedo tocar ciertas cosas como yo quiero no quiero convertirme en la típica persona que sale de gira y la gente le compadece.», afirmó.

«Si me compadecen no quiero que vayan a verme porque, aunque ya no toco igual de bien soy Peter Frampton. Eso no va a pasar», prometió.

Al decir lo anterior seguramente recordó su colaboración  con George Harrison, Harry Nilsson, David Bowie, Jerry Lee Lewis, Ringo Starr, John Entwistle, y Mike McCready entre otros.

Frampton Forgets the Words, instrumental,  tiene una decena de canciones de leyenda entre estas Loving The Alien, de Bowie, y Are You Gonna Go My Way, de Lenny Kravitz.

Cuando en 1976 Frampton colaboró con Frankie Valli en el tema principal de la película Grease su carrera era más veloz que nunca en su ascenso.

Así ocurrió una y otra vez en décadas de triunfos.

Hoy aún cree en un reinicio. Pero está preparado para lo que pueda venir.

«Si me marcho habiendo tocado mi último show cerca de San Francisco el 12 de octubre de 2019, si ese es mi último show, entonces que así sea» dijo a Grammy.com.

Sin embargo, obviamente, estoy esperando más que nadie que, dentro de un año o incluso este,  vuelvan los conciertos”.

No ignoró otra posibilidad: «Si las cosas no van bien, se acabó para mí».

Música Inside / Foto: de la portada de I´m in You

Música

Alice Cooper se pierde en el Detroit de Furnier

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Si algo hay de peculiar en Alice Cooper es que adoptó su nombre del grupo que integró como vocalista y porque su álbum «Detroit Stories» está en la lista Top 5 del mundo.

Cooper, cuyo nombre fue Vincent Damon Furnier cuando recorría en su infancia Detroit,  es Cooper ahora.

Especialmente creativo, es considerado uno de los intérpretes estadounidenses más novedosos de  hard rock y heavy metal.

Ahora en 2021 él está repitiendo el éxito en las listas máximas de varios países con “Detroit Stories” como lo hizo con el álbum “Billion Dollar Babies” de 1973.

Aquel disco impresionó a muchos críticos por la interpretación teatral en el escenario durante los conciertos.

Cooper sabe cómo  usar maquillajes de aspecto siniestro condimentados con  letras provocativas y presentaciones dignas de obras de teatro.

  Ciertas líneas fundamentales de “Billion Dollar Babies” son aún visibles en «Detroit Stories».

Este último disco fue lanzado el 26 de febrero de 2021 y desde entonces el estadounidense de 73 años de edad entró en las listas Top 5  y Top 10 de una decena de  países, entre estos Estados Unidos, Alemania, Escocia, Australia, Austria y el Reino Unido.

La hora divertida de Alice Cooper

El éxito ha sido tan alto y extenso que asombró al propio Cooper, especialmente porque se habla de una ciudad casi olvidada como Detroit como cuna de rock duro y alucinante.

«Después de hacer 28 álbumes, es realmente asombroso tener un álbum que se haya posicionado tan alto», comentó en una entrevista con Rolling Stone.

Confesó que «Pensé que era hora de un divertido álbum de rock n roll en estos tiempos oscuros, y aparentemente los fans estuvieron de acuerdo».

Una ayuda ha sido la organización óptima del verdadero espectáculo que resulta «Detroit Stories».

A su pintoresca sonoridad contribuyen Wayne Kramer de MC5, el baterista de Detroit Wheels Johnny ‘Bee’ Badanjek y el bajista Paul Randolph.

Con una canción suya que tituló «Social Debris» (Escombros sociales) rinde homenaje a su estilo. La pieza fue un buen éxito en tiempos de su antiguo grupo.

«Parte del atractivo perdurable de Alice Cooper ha sido el hecho de que, a diferencia de muchos de sus compañeros de radio FM de los años setenta, siempre rechazó la noción de que el rock & roll debería ser arte serio», según una crónica.

Con su nuevo álbum todo parece indicar que aún no lo acepta. Furnier mezcla su infancia con la adultez de Cooper y trata de encontrar otro rumbo quizá en búsqueda de la madurez.

Música Inside

Alice Cooper «Detroit City 2020» (Official Lyric Video)
Cine

Tina Turner dice adiós de nuevo en el cine

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El documental «Tina» de la HBO muestra de figura completa a Tina Turner cuando la apasionada intérprete ya cumplió 81 años de edad.

Tina Turner quien dijo antes solo «hasta luego» a los escenarios ahora dará un adiós definitivo desde un film sobre su vida.

Tras una carrera artística de más de 50 años, Turner posee un curioso Récord Guinness por ser la única solista en llenar el gigantesco estadio Maracaná de Río de Janeiro.

Pero por lo que será recordada es por ser la Reina del Rock. En 2021 entra en el Salón de la Fama del Rock.

Turner, nacida como Anna Mae Bullock en Brownsville, Tennessee el  26 de noviembre de 1939 hizo una vida artística  impresionante.

La HBO la muestra de figura completa cuando la apasionada intérprete ya ha cumplido 81 años de edad.

El filme documental “Tina” se mueve por su trayectoria y momentos más rutilantes, pero no excluye dramas personales.

Existe una larga tela biográfica por cortar de la intérprete de «Private Dancer»  y «Better Be Good To Me»,

«Tina está en un lugar realmente positivo en este momento. Creo que eso es en parte lo que impulsa su deseo de no interactuar tanto con el público. 

Está feliz, está contenta, no es alguien que necesite ser una estrella y tener atención”, dijo a USA Today  Dan Lindsay coautor del documental  junto al  cineasta T.J. Martin.

Private Dancer

¿Cómo escapar de las multitudes y los escenarios cuando uno es Tina Turner?

El filme no promete respuestas sobre eso. 

La cantante, compositora y actriz de cine ya trató de «fugarse» en 2009, al terminar una gira mundial para celebrar el medio siglo artístico.

La película fue estrenada en el Festival de Cine de Berlín. El canal HBO y la plataforma HBO Max la exhiben en Estados Unidos. También se puede adquirir por Amazon en varios formatos.

Se dice que Turner se opuso largo tiempo a aparecer en un documental biográfico.

La versión agrega que su marido, el ejecutivo discográfico alemán Erwin Bach la habría convencido de contar su historia a modo de despedida.

Como suele suceder, este testimonio gráfico trata de alejarse de la luz del éxito, considerado a veces un elemento engañoso que deforma la realidad, y explora en lo dramático.

Ciertos detalles que rozan las tragedias personales llevan a un diagnóstico para la diva de sufrir un estrés postraumático.

Pero lo que buscamos todos en la vida de Turner son sus canciones.

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Tina Turner más allá de las candilejas

Su disco Private Dancer vendió 12 millones de copias en el mundo entero por su ritmo insuperable y la voz de Turner destapando emociones.

La canción representó el momento de clímax en su carrera.  Fue el quinto álbum en solitario de Tina para la Capitol Records en 1984.

Fue el segundo álbum más vendido de 1984 y resultó promovido a lo largo de 1985 en la gira mundial Private Dancer Tour el año en que ganó 4 Grammy por esa grabación.

Pero ¿Cómo ha sido en realidad Tina Turner?

Existen algunas pistas. Lindsay, según expuso en una entrevista concedida a  Billboard  la describió como «súper cálida, acogedora y humilde». 

«No hay duda de que estás con un ícono, es Tina Turner, sientes la energía de ella caminando en una habitación, pero es muy humilde» dijo.

Con el filme Tina Turner todos quizá podamos verla más allá de las candilejas.

Música Inside

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Música

La música común de Bob Dylan y George Harrison

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Bob Dylan y George Harrison se unieron de nuevo artísticamente en la caja conmemorativa 50th Anniversary Collection lanzada por Sony Music.

Por separado y sin mucho análisis Bob Dylan y George Harrison podrían ser descritos como huraño (Dylan) y como tímido (Harrison).

Separados y juntos tienen que ser clasificados como genios musicales.

Es historia que entre ambos surgió una amistad personal que creció en el jardín artístico universal con las notas musicales como semillas hasta la muerte de Harrison.

Más allá de lo inevitable, características de ambos e historias compartidas hacen de la colección del 50 aniversario de Bob Dylan 1970 algo único.

Esa compilación contiene todas las pistas en las cuales «trabajaron juntos».

Se dice que el lanzamiento de la caja 50th Anniversary Collection por Sony Music en diciembre de 2020 fue retener los derechos de Dylan sobre las 74 grabaciones que contiene.

Pero su éxito comercial se debe mayormente a la inclusión de pistas grabadas por Dylan-Harrison, hasta ese momento inéditas.

El sorprendente Premio Nobel nacido en Minnesota y el ex Beatle de Liverpool se encontraron así en el camino artístico.

Bob Dylan y George Harrison, 1 de mayo de 1970

Para dejar pruebas en ese encuentro en el camino muy individual de ambos ejecutan juntos «One Too Many Mornings», «Gates of Eden», «Mama, You Been On My Mind».

Así cuando el ex Beatle murió el 29 de noviembre de 2001 ya era parte de la leyenda Dylan y viceversa.

El álbum del 50 aniversario de Dylan no margina, sino que se nutre de la capacidad de ser espontáneo, virtud de los genios.

Y la une sin imperfecciones a la de Harrison que guardó muchas de sus canciones para sí tras la ruptura de The Beatles.

La colección contiene tres discos con grabaciones de estudio que incluye la sesión completa con George Harrison del 1 de mayo de 1970.

Ese día queda Dylan para la posteridad con su voz, guitarra, piano y armónica y  Harrison que  vocaliza y hace llorar su guitarra en el Disc 1, Tracks 20 & 24 y Disco 2, Tracks 2-3, 6-7, 10-11, & 16.

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El contenido es de antología:

Disco 1
  • 1. Sign on the Window – Take 2
  • 2. Sign on the Window – Takes 3-5
  • 3. If Not for You – Take 1
  • 4. Time Passes Slowly – Rehearsal
  • 5. If Not for You – Take 2
  • 6. If Not for You – Take 3
  • 7. Song to Woody – Take 1
  • 8. Mama, You Been on My Mind – Take 1
  • 9. Yesterday – Take 1
Disco 2
  • 1. Just Like Tom Thumb’s Blues – Take 1
  • 2. Medley: I Met Him on a Sunday (Ronde-Ronde)/Da Doo Ron Ron – Take 1
  • 3. One Too Many Mornings – Take 1
  • 4. Ghost Riders in the Sky – Take 1
  • 5. Cupid – Take 1
  • 6. All I Have to Do Is Dream – Take 1
  • 7. Gates of Eden – Take 1
  • 8. I Threw It All Away – Take 1
  • 9. I Don’t Believe You (She Acts Like We Never Have Met) – Take 1
  • 10. Matchbox – Take 1
  • 11. Your True Love – Take 1
  • 12. Telephone Wire – Take 1
  • 13. Fishing Blues – Take 1
  • 14. Honey, Just Allow Me One More Chance – Take 1
  • 15. Rainy Day Women #12 & 35 – Take 1
  • 16. It Ain’t Me Babe
Disco 3
  • 1. If Not for You
  • 2. Sign on the Window – Take 1
  • 3. Sign on the Window – Take 2
  • 4. Sign on the Window – Take 3
  • Todas las canciones fueron escritas por Bob Dylan. 

Música Inside

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Música

Van Morrison, el León de Belfast, alegra la pandemia

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Latest Record Project, el álbum número 42 de Van Morrison en el cual probó nuevas ideas y sonoridades en el piano, guitarra y saxofón durante el confinamiento por la pandemia.

Van Morrison, conocido como El León de Belfast por su música quizá única y su rebeldía confusa lanzó el 7 de mayo de 2021 un álbum que lo devuelve a su jungla personal.

Nació en Belfast, Irlanda del Norte, el 31 de agosto de 1945 como George Ivan Morrison. Ahora él es un artista bien considerado como legendario.

Tal título nada nobiliario y sí muy profesional, difícil de alcanzar en Europa y en cualquier otra parte, lo reconoce como creador indiscutible de una innovadora fusión de géneros musicales.

Su música mezcla con éxito el llamado R&B, el jazz, el blues y la música tradicional irlandesa.

Morrison, que gusta de ser considerado “rebelde con causa” lanzó canciones que calificó de “anti bloqueo” para rechazar las restricciones por la pandemia de COVID-19.

Este veterano artista -un revoltoso súbdito de Irlanda del Norte uno de los cuatro países que forman el Reino Unido- tituló su álbum Latest Record Project (Último proyecto discográfico).

Este, su álbum número 42 fue concebido como doble CD y triple vinilo con el sello Exile de BMG.

Morrison confesó a la prensa de su país que se sentía realmente confinado en su casa por la pandemia y decidió ocupar su tiempo escribiendo nuevas canciones.

Probó nuevas ideas y sonoridades en el piano, guitarra o el saxofón. Una crónica sobre su nueva aventura lo describió con gran cantidad de material nuevo, que brilla con franqueza y vitalidad.

Van Morrison, El León de Belfast

El león de Belfast ha obtenido excelentes críticas desde que debutó en 1950

Entonces era un saxofonista con el grupo The Monarchs antes de formar su propia banda llamada Them.

Escribió y grabó con Them en 1965 la extraordinaria canción “Gloria”, una de las llaves al estrellato de The Doors, The Shadows of Knight y Patti Smith. ​

Tras evasivas del éxito y un largo período de formación que allanó su camino a los grandes escenarios firmó un contrato con Warner Bros. Records, en 1968.

“Ningún hombre blanco canta como Van Morrison” es quizá el elogio más famoso que obtuvo el norirlandés en su carrera.

Lo inventó el periodista de Belfast Greil Marcus quien quedó maravillado con su estilo.

Morrison es prolífico sin cambiar su perfil un tanto demonizado por la música pop magnífica que lo rodeó siempre . Compuso decenas de obras de suprema calidad, distintas, durante su larga.

A él se le presiente además como agudo crítico de la vida misma parapetado tras una dinámica agilidad mental y con muy pocos lugares comunes.

Lo muestran sus nuevos títulos y composiciones de Latest Record Project.

En ellos quizá algunos puedan percibir la silueta del león en su jungla musical.

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Disco 1

  • 1. Latest Record Project
  • 2. Where Have All the Rebels Gone? /¿A dónde se han ido todos los rebeldes?
  • 3. Psychoanalysts’ Ball / Baile de psicoanalistas
  • 4. No Good Deed Goes Unpunished / Ninguna buena acción queda sin castigo
  • 5. Tried to Do the Right Thing / Intenté hacer lo correcto
  • 6. The Long Con / La gran estafa
  • 7. Thank God for the Blues / Gracias a dios por el blues
  • 8. Big Lie / Gran mentira
  • 9. A Few Bars Early / Unos cuantos bares antes

DISC: 2

  • 1. It Hurts Me Too / También me duele
  • 2. Only a Song / Solo una canción
  • 3. Diabolic Pressure / Presión diabólica
  • 4. Saturday Night Deadbeat / Pereza de sábado por la noche
  • 5. Blue Funk / Blue Funk
  • 6. Double Agent / Agente doble
  • 7. Double Bind / Doble vínculo
  • 8. Love Should Come With A Warning / El amor debe llegar con una advertencia
  • 9. Breaking The Spell/  Rompiendo el hechizo
  • 10. Up County Down 
  • El tercer disco aparece como un final mezclado.
  • 1. Duper’s Delight Delicia de Duper
  • 2. My Time After a While 
  • 3. He’s Not the Kingpin 
  • 4. Mistaken Identity 
  • 5. Stop Bitching, Do Something 
  • 6. Western Man
  • 7. They Own the Media 
  • 8. Why Are You on Facebook? 
  • 9. Jealousy 

Música Inside

Cine,Música

La trágica Billie Holiday regresa al cine

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Trailer Oficial / Hulu

La turbulenta vida de Billie Holiday no le impidió convertirse en una de las cantantes más talentosas que se conocen. Ahora está cine.

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Probablemente afirmar que Billie Holiday «aún vive» sea una frase oportunista. Pero ¿qué decir cuando esa frase a veces utilitaria y falsa refleja una verdad palpable?.

Es el caso de Holiday que vivió apenas 44 años al morir el 17 de julio  de 1959. Pero aún sus canciones vibran en los escenarios y en la historia.

En 2021 el cine la devolvió a su vida, que fue de una franqueza hiriente, aunque tuviera una sutilidad humana superior por la música que la acompañó.

Como debe ser, uno de los mayores atributos del filme es su banda sonora, que obtuvo una nominación al Grammy 2022 en la categoróa de Best Compilation Soundtrack for Visual Media.

La música es el primer plano cinematográfico de Eleanora Fagan Gough, la inolvidable Billie. Una simple mujer de piel negra que dibujaba con su voz un jazz y swing intensos, contundentes y distintos.

«Lady Day», como la llamaron, fue considerada una innovadora en la música jazz y el canto pop.  Pero esas son declaraciones exhaustas.

Manejaba el fraseo y el tempo a su modo, a su voluntad. Improvisaba con la eficiencia de alguien perdido en la jungla de la vida y que siempre cuando cantaba corría al encuentro de  sí misma.

Ella fue una pieza trágica y vencedora.

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The United States vs Billie Holiday

Lo demuestran sus metas imposibles obstaculizadas quizá  por las drogas sino impulsadas especialmente por el color de su piel.

El nuevo filme se llama  «The United States vs. Billie Holiday» un título legible en muchos idiomas y que duele aún.

Cuenta el director del filme Lee Daniels que estaba en plena edición cuando estalló el conflicto en torno a la muerte de George Floyd por policías en 2020.

«La gente me enviaba videos con protestas de personas cantando ‘Strange Fruit’ en medio de la calle. Fue loco», confesó.

Strange Fruit o Fruta rara cantada por Holiday  golpeó los escenarios y las calles en  1939. Es aún mundialmente famosa.

La hizo  Abel Meeropol, que con esa herramienta artística  fue en contra de los trágicos linchamientos en el  sur estadounidense.

La canción fue y suele ser aún un estandarte para los movimientos antirracistas  por los derechos civiles.

«Estados Unidos contra Billie Holiday» lleva ese antecedente al que agrega la magia del cine, con su capacidad de mostrar la historia como si fuera presente.

De esta manera Holiday demuestra que es un ícono musical y también histórico.

La cantante Andra Day quien la interpreta en el filme dijo a la revista Rolling Stone que a Billie  «realmente la convirtieron en una trágica drogadicta que cantaba jazz».

Tal definición se esfumó bajo su grandeza.

Esta es la primera película  biográfica de Billie Holiday desde que salió al mundo en la década de los años 70 Lady Sings the Blues, interpretada por Diana Ross.

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Strange Fruit, una vida rara

La obra de Daniels toca la intimidad de la cantante, husmea en su relación sexual.

No es ese  el punto relevante de su libertad personal. A Holiday se le recuerda en medio de su libertad amenazada y en la igualdad que consiguió. Aunque le costara de alguna manera la vida.

La paradoja de la jazzista negra es que logró ser una artista aplaudida hasta el delirio siempre  amenazada.

Una narración perfectamente creíble es que el  FBI preocupado por  «Strange Fruit» -que estimó incendiaria- asignó a un agente negro  a rastrear para arrestarla.

Este personaje, llamado Jimmy Fletcher, es interpretado por Trevante Rhodes.

La película apuesta por la paradoja cuando Holiday y Fletcher se convierten en amantes.

Tras encontrar rechazos que calificó de racistas para filmar su película, Daniels dijo que consiguió financiación independiente del fondo New Slate Venture.

«Strange Fruit», además ha regresado a la actualidad en la voz del rapero Rapsody y elogiada por Bruce Springsteen.

La vida de Holiday parece en efecto una «Fruta rara”.

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Música

Grupo Niche, salsa para bailar y gozar

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Grupo Niche – Algo que se quede (Video Oficial)

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El Grupo Niche hizo historia en 2021 al ser la primera agrupación colombiana de salsa que ganó un Grammy.

Al ganar el Grammy 2021 al mejor álbum latino tropical con su disco  “40” el grupo Niche de Colombia hizo historia en las páginas de la cultura afrocolombiana.

Fué la primera agrupación colombiana de salsa de todos los tiempos que ganó el codiciado galardón.

Niche es una banda de 14 integrantes que tiene como ciudad adoptiva Cali, donde creció artísticamente en 1979, tras ser fundada en Bogotá.

Pero más allá de los localismos, representa con excelencia esa cuna musical del mundo que es África mezclada con lo latino.

En el centro de tal fenómeno cultural está brillando el líder de la banda y compositor Jairo Varela quien hilvanó el movido repertorio de Niche.

Niche con el Grammy al baile..  ¿O llevó  el baile al Grammy?

Varela, quien falleció en 2012 y Alexis Lozano, trombonista y arreglista que dejó la agrupación para formar la Orquesta Guayacán, hicieron de la gran agrupación salsera un emporio del baile y la salsa bien cantada.

Cali siente la emoción de ser representadas por estos músicos colombianos negros y construyó un museo con el nombre del grupo.

Pero Niche se expandió por América y el Grammy es un ejemplo de su prestigio internacional.

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Grupo Niche para siempre

La canción habla de los condimentos musicales de los que está formada Colombia como  pasa con todos los países del área y del Caribe.

Al escucharlos usted piensa en Cuba y Benny Moré y Celia Cruz, así como en Johnny Pacheco de República Dominicana, por mencionar algunos.

Así se cuentan como nuestros los negros africanos que aportaron sus semillas por todas partes en el nuevo mundo.

¿Y cómo puede definirse la salsa sin reconocer donde se canta, se baila y se goza? tal como diría cualquier colombiano.

Los expertos más reputados dicen que la salsa es una síntesis del son cubano y otros géneros de música caribeña y estadounidenses como el jazz y el blues.

Es un ritmo enriquecido por gente sencilla como los del grupo Niche colombiano.

Yanila Varela es considerada la responsable del legado del Grupo Niche tras la muerte de su padre.

«No podíamos dejar de lado el sueño de mi padre. Siempre decía: ‘Si alguna vez me ausento, todos deben continuar con esto'», dijo a la revista Billboard al hablar de la integración de sus hermanos en el grupo.

Así se cumple quizá la letra de una copla movida de Algo que se quede, de Niche:

Yo quiero algo que se queda para siempre

algo que solo se da una vez en la vida

quiero dejar la huella de este amor, amor, amor del bueno

si me dejas, te lo pido de rodillas

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Latin

Premio Lo Nuestro 2021: Un futuro posible de los mega conciertos

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Con poco público y menos artistas «en vivo» que los esperados el Premio Lo Nuestro 2021 brindó movimiento al mundo musical, pero recordó a estos tan persistentes tiempos de pandemia y sus consecuencias.

Una ausencia “en vivo” como la de Selena Gómez fue motivo de lamento de quienes esperaban más. «Estuvo, pero no estuvo» fue un comentario sobre las presentaciones grabadas.

Una publicación española subrayó  que  la actuación de Selena Gómez junto a Rauw Alejandro «tardará tiempo en ser olvidada pero por la gigantesca polémica que se ha generado tras la ceremonia de entrega».

Agregó que los millones de espectadores del show pudieron ver no fue en realidad una presentación en directo sino el pase de una versión alternativa del vídeo de la citada canción.

El homenaje a Armando Manzanero, tampoco fue «en vivo».

No lo fueron las actuaciones de J. Balvin ni del triunfador de la noche Bad Bunny. Tampoco estuvieron en el escenario Karol G, Sebastián Yatra y Sech con siete nominaciones cada uno.

Urge patear el tablero

Una opinión autorizada fue la del diario Los Angeles Times.

 Nosotros también extrañamos los conciertos, pero aún más echamos en falta un equipo de producción con capacidad para adaptarse a los nuevos tiempos. Atrás han quedado, al menos por ahora, los grandes números musicales con muchos bailarines y muchos elementos en el escenario”.

Hacer lo mismo, pero con menos gente y decoraciones solo en grandes pantallas no es la solución. Hay que sentarse a reinventar estos shows de premios. Urge ya patear el tablero y re imaginarlo todo y llevarlo a la realidad».

Los Angeles Times

Lo que aún no sabemos los amantes de estas «mega-ocasiones» musicales ni quienes la producen es si esos momentos de gigantismo espectacular retornaran.  Algunos expertos afirman que no.

 Agregan que quedarán dos variantes, la primera la música en vivo con un número reducido de personas.

Ello llevará a que las entradas suban sus precios a términos estratosféricos, tres o cuatro veces lo que cuestan y pese a que ya son caros. Y hacen un pronóstico dudoso: que los interpretes quizá cobrn menos.

Otras mercancías musicales en el mercado, ahora secundarias como las presentaciones limitadas y diversos productos de la industria florecerán.  Quizá.

Mientras tanto habrán algunos sinsabores más.

Imagen de Pexels en Pixabay
Los ganadores:

Artista Premio Lo Nuestro del año: Bad Bunny

Álbum del año: “YHLQMDLG”, Bad Bunny

Canción del año: “Tusa”, Karol G y Nicki Minaj

Artista revelación femenino: Nicki Nicole

Artista revelación masculino: Camilo

Remix del año: “La jeepeta (remix)” – Nio García, Anuel, Myke Towers, Brray & Juanka

Colaboración “crossover” del año: “Un día (One Day)” – J. Balvin, Dua Lipa, Bad Bunny y Tainy

Video del año: “TKN”, Rosalía y Travis Scott

POP

Artista del año – pop: Camilo

Canción del año – pop: “ADMV”, Maluma

Colaboración del año – pop: “Si me dices que sí”, Reik, Farruko y Camilo

Grupo o dúo del año – pop: CNCO

Álbum del año – pop: “Por primera vez”, Camilo

Canción del año – pop/balada: “ADMV”, Maluma

URBANO

Artista femenino del año – urbano: Karol G

Artista masculino del año – urbano: Bad Bunny

Canción del año – urbano: “La difícil”, Bad Bunny

Colaboración del año – urbano: “Tusa”, Karol G y Nicki Minaj

Álbum del año – urbano: “YHLQMDLG”, Bad Bunny

Canción del año – urbano/pop: “Si me dices que sí”, Reik, Farruko y Camilo

Canción del año – urbano/trap: “Vete”, Bad Bunny

TROPICAL

Artista del año – tropical: Romeo Santos

Canción del año – tropical: “La mejor versión de mí”, Natti Natasha y Romeo Santos

Colaboración del año – tropical: “Nuestro amor”, Alex Bueno y Romeo Santos

REGIONAL MEXICANO

Artista del año – regional mexicano: Christian Nodal

Canción del año – regional mexicano: “Yo ya no vuelvo contigo (en vivo)”, Lenin Ramírez con Grupo Firme

Colaboración del año – regional mexicano: “Yo ya no vuelvo contigo (en vivo)”, Lenin Ramírez con Grupo Firme

Grupo o dúo del año – regional mexicano: Grupo Firme

Canción sierreña del año – regional mexicano: “El güero”, Marca MP

Canción banda del año – regional mexicano: “Yo ya no vuelvo contigo (en vivo)”, Lenin Ramírez con Grupo Firme

Canción norteña del año – regional mexicano: “El envidioso” – Los Dos Carnales

Canción mariachi/ranchera del año – regional mexicano: “Se me olvidó”, Christian Nodal

Canción cumbia del año – regional mexicano: “Tú y yo”, Raymix y Paulina Rubio

Álbum del año – regional mexicano: “En vivo desde Anaheim, CA”, Grupo Firme

PREVIAMENTE ANUNCIADOS

Premio a la Trayectoria: Gloria Trevi

Premio a la Excelencia: Wisin

Premio al Legado Musical: Los Ángeles Azules

MusicAdictus / Foto principal: Vishnu R (Pixabay)